2018年初，總統府賀年卡設計發表會，出現一名頭頂微捲張揚短髮，但腦後又紮起一撮鋼絲般大長馬尾的男士，他身著大開三扣的花襯衫，趿著拖鞋，脖子上的刺青隨著走路擺動時而浮現，乍看會誤以為是走錯場的道上兄弟。

這位張揚又粗獷的男子是以「台味美學」獨創一格的藝術設計創作者－廖小子（本名廖俊裕）。廖小子的作品如其人，混搭庶民元素，充滿個性，破格且不羈。他不只是知名設計師，更是台灣第一本募資雜誌《眉角》創辦人之一，也是三餘書店與讀字書店的老闆，作品範圍橫跨藝術創作、書籍唱片、展場與視覺識別，更是金曲獎和金蝶獎入圍常客。他以豪邁奇詭「修龍」字體，讓台灣在2016倫敦設計雙年展跟異文化相撞；他也曾操刀歌手蔡依林單曲封面，在天后臉上大膽塗鴉作畫。

庶民生活記憶  台味美學根源

自小在嘉義長大的廖小子，父親是營建業小承包商，家中常有工人走動，「父親跟我說，要叫他們『師傅』。」自小養成對手藝人的敬意，讓廖小子對勞動階級多了一份深厚情感，這份難以割捨的感情，也成為他從台灣草根文化汲取創作養份的源頭。

小時的成長記憶後來轉化成現在創作的養分，「我爸以前常用印有穿薄紗的西洋裸女的打火機，但拿火燒一燒衣服就會不見！檳榔盒上面則印了很多汽車小額借款的廣告，路上處處可見工人招募噴漆…..」現在講起來，那些畫面都還歷歷在目。

父親對廖小子有深遠的影響。從小他喜歡看電影「好小子」，因此父親開始叫他小子。現在袒露胸膛只扣一半的花襯衫，也是耳濡目染父親習慣。雖然大學升學從法律轉念美術，曾與父親大打一架，但一次父子對飲酒酣耳熱之際，父親吐露自己也熱愛繪畫，無奈被祖父抑止，讓廖小子決心在設計路上闖出一片天，一圓父親夢想。

「我爸的字是全家最漂亮的。」父親中風過世後，廖小子把他在復健練習寫下的「雄雉」二字刺在背上，「『雄雉』出自於詩經，每次看到都會猜想父親在病榻前寫字的心情；加上我爸的名字也有一個雄，所以就刺下這兩個字。」廖小子同樣也把母親簽名刺在脖子上，有時親友來家中拜訪，母親還會用獻寶的語氣，叫他秀出刺青給大家欣賞。

俗擱有力 從蓋台廣告找尋設計靈感

為了生計，廖小子在高師大美術系時期開始大量接設計案，舉凡言情小說封面、補習班招生簡章、大賣場型錄到三流化妝品牌DM，企圖在客戶俗夠有力的反美學需求中，嘗試找到平衡的設計標準。「摸久了，反而變成我自己的風格。」

廖小子自認能摸索出自己的創作道路是種幸運，如同創造出新功夫門派，需要天時地利人和的薰陶，才能成就一家之言。其實他的謬思最早是從俗夠有力的第四台蓋台廣告而來。

廖小子退伍後來到台北，每次在家裡看國家地理頻道與Discovery，都會有莫名其妙的蓋台廣告出現。起初廖小子也對誇張怪異的廣告心生厭惡，但轉念一想，既然被迫觀看，不如仔細研究廣告的編排和設計，深入瞭解後他發現，蓋台廣告的風格不僅原創，而深具台灣味。

自此之後，廖小子開始觀察那些看似凌亂、不修邊幅的路邊廣告設計，從街邊噴漆塗鴉、霓虹招牌、廣告看板到海報傳單，經過他的設計轉譯，反而撞擊出專屬台灣熱帶島嶼的豔俗又前衛的美感風格。

為此，他還特地去學了許多噴漆技巧。廖小子因此也將之運用在「2016李英宏《台北直直撞》專輯設計；封面視覺靈感，便是取材自路邊鐵皮上常見的『你要工人嗎？』等字樣。」

廖小子設計的字體，常以粗曠不羈的巨大面貌示人，「我應該是第一位讓業主希望能把字體縮小的設計師。」說這句話時，廖小子帶著幾分自豪的笑了，見字如見其人，果真不氣派就無法展現真正的廖小子風格。

相撞！激活生猛多元想像

2016年倫敦設計雙年展台灣館主視覺，是廖小子以強烈大膽的螢光桃紅、青綠配色，搭配街頭塗鴉手法寫下「修龍」，取自「相撞」台語諧音，表達台灣不同文化族群在島上不停碰撞，擦出衝突或融合的火花。這件作品被蔡依林一眼相中，邀請其操刀單曲《戀我癖》，廖小子延續強烈的噴漆字體，還讓歌手自己玩起塗黑眼睛與嘴巴的遊戲，顛覆天后非要以美照示人的既定印象。

讓廖小子介入最深的唱片設計是樂團「拍謝少年」的第一張專輯《海口味》的封面，原始設計靈感來自團員每次回高雄時，必吃虱目魚粥，這讓廖小子聯想到虱目魚與吳郭魚，像是新世代與舊世代的對比，「虱目魚游很快，很敢衝，喜歡乾淨的水質，不只關心前途，也在乎環境。」廖小子解釋，這跟父母輩如吳郭魚能適應各種環境，有很強的生存力，成為一種對照。設計方向確定後，喜歡做菜的廖小子到市場買了條魚回家，以拓印構成整張專輯主視覺。後來這張專輯設計入圍了第二十四屆金曲奬最佳專輯包裝獎。或許這張專輯封面上的虱目魚拓印圖太過搶眼，早先有不少人將拍謝少年團名誤以為是「虱目魚樂團」。

延續第一張《海口味》，海洋意象到第二張《兄弟沒夢不應該》愈發濃烈，因此獲選（2018）年度金曲獎最佳專輯包裝獎。廖小子提到設計靈感時感嘆說「台灣只有海產文化，沒有海洋文化。」廖小子以說歷史故事口吻談到，台灣大部分的族群都是渡海來台，也曾是海盜王國。但因為政治因素，限制人民靠港、出航，從此對海洋懷著一種鄉愁。於是廖小子以銅板印刷雕出爽快的拳頭互擊圖像，線條如東方水墨，營造海洋如山脈的觸感，呼應海浪打到身體的觸感，但更深層的脈絡，是呼應台灣人骨子裡對海洋的一種鄉愁。

不只從設計聊到臺灣歷史，廖小子在聊天過程中也常會旁徵博引，這一切都得益於他熱愛大量閱讀的習慣，在這個書店沒落的時代，他甚至跟朋友創辦了兩家獨立書店「三餘」與「讀字」。2013年開張的「三餘」，已成為高雄當地最活躍的藝文熱點；廖小子對於事物有自己獨到的見解，特別關心社會百態。2015年他跟幾位友人創辦獨立雜誌《眉角》，透過募資取得資源，推出大獲好評。廖小子表示，創意就是意想不到的組合，「從來沒人想過，深度新聞報導能跟美感結合一起。」

將庶民日常轉譯為設計語彙

如今，廖小子的作品儼然已成為大眾眼中，台灣風格與勞工美學的代表，廖小子本人對這個標籤倒是欣然接受，但他不諱言，早期設計時難免遇上看不慣這類風格的案主，「曾經有個案主坐在我後面說，『你這個好醜啊！』」

庶民日常元素被業主視為不入流，反而激起廖小子的使命感，促使其用更高竿的視覺手法轉譯，「我在設計中運用電子花車相似的字體、螢光配色及造型，只要作品能讓人覺得很酷、有趣，我就成功了。」

小時候曾因為長得胖而被同儕霸凌的廖小子，被父母送去練跆拳道防身，這一練，就練到了黑帶三段。幾年前，廖小子打起了八極拳，近期更開始研究以色列格鬥，是個名副其實的練家子。廖小子開玩笑地說，練武讓他不怕挨揍，接案時也不怕被客戶打槍。而一如所有的武術其實都要回歸全身鍛鍊，在對戰時身體才能以詭譎的位置出拳，廖小子也在持續打磨台灣在地的草根風景，要用狂野又精緻的藝術創作，在看似詭譎的視覺角度，重擊人們眼球。

※本文由臺北文創天空創意節授權刊載，未經同意禁止轉載。

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN