今年第29屆金曲獎頒獎典禮，即使強撞四年一度的世足賽，收視率仍創近三年新高，平均收視率達4.90。無論是蕭敬騰魅力四射的開場與主持串場，還是JL Design負責的整體典禮設計，皆大獲好評。其中引起熱議的還有以大小片狀螢幕錯落堆疊出的金字塔狀舞臺設計，正面看來，宛如一道氣勢輝煌的黃金瀑布流瀉而下，烘托出華人音樂盛典的氣勢，質感直逼葛萊美等級的視覺饗宴，而這舞臺構思正出自阿妹、江蕙等巨星御用舞臺設計師黎仕祺之手。

「本屆金曲獎的主題是『未來ing』，對我來說有種『速度感』與『時間感』。」黎仕祺把兩點透視原理，運用於地板階梯與天上彩幕，以透視的銳角，構築出具速度感的舞臺，呼應由遠而近的時間歷程，也對應時代快速前行，音樂載體因科技持續演進。天空中的方形彩幕高低升降與量體組合，暗示「黑膠」、「卡帶」、「CD」唱片包裝，創造出豐沛的感官意象。

總導演陳鎮川回想一開始找黎仕祺合作，「他是一位非常藝術家性格的設計師，我們花了滿多時間培養彼此的信任度，才開啟合作的契機。」擅長將對的人放在對的位置，陳鎮川特別喜歡黎仕祺的作品，「因為他不僅會把一個『舞臺』完成，更有少見的「美學」堅持，讓舞臺幻化成藝術品。尤其是他在舞臺呈現之前，所有施工細節親力親為的挑剔，更是很讓我佩服的！」對陳鎮川而言，黎仕祺簡直是一位有著「兼具吹毛求疵工匠精神的浪漫藝術家」，而這也恰恰呈現出黎仕祺的作品精神。

熱忱是最重要的靈魂

黎仕祺從劇場出身，曾為果陀劇場《淡水小鎮》與全民大劇團《當岳母刺字時…媳婦是不贊成的》等名劇操刀舞臺設計，後來因緣際會跨足演唱會。舞臺設計看似光鮮亮麗，能跟藝人近距離接觸，但黎仕祺坦言辛苦不足為外人道，真心熱愛才能堅持。「太多人想從A一下跳到Z，完全忽略中間辛苦過程。」黎仕祺解釋舞臺設計壓力很大，必須率先完成設計圖，燈光、音響、道具、視覺才有辦法配合。完稿後仍不得閒，必須跟製作工廠溝通協調。最後要到現場指導陳設，有時還得親自下海當Maker。

「這行最大的滋養是在精神，而非物質。」黎仕祺語重心長表示，想賺大錢別貿然涉入，僅少數的頂尖設計師才有辦法賺得相應報酬。若非耽溺舞臺魅力，很容易中途轉行。「堅持到最後舞臺就會是你的！但要做到卻非常困難。」黎仕祺十年前也曾面臨生涯瓶頸，當時從劇場跨足演唱會，一段時間又陷入窠臼。幸好製作江蕙《鏡花水月》讓他破繭而出，以挑戰高難度的曲線花瓣景片，再次拾回設計的悸動。

好的舞臺設計在於成就好故事

好的舞臺設計應該是服務於演出，而非過度展現自我。黎仕祺擔任設計師二十多年來，在業界享有高度配合的好名聲，但他笑說初出茅廬時，曾忠於自我不顧其他合作對象。他回想在國立藝術學院的畢業製作，卯足全力把故事濃縮於舞臺造景，雖然設計吸睛到同學戴立忍至今難忘，但事後反省，設計未考慮動線，空間狹窄也導致演員無法發揮，強烈用色更與燈光衝突，整齣戲還是淪為失敗之作。

退伍重返崗位後，黎仕祺定位自己是服務於演出的設計師，透過空間切割讓表演更省力，忠實傳達出劇本精神。「現在我做設計不是視覺優先，而是故事優先！」黎仕祺表示視覺僅是輔助，他更關注於情緒傳達。每回接到委託案，瀏覽完腳本，待胸中有一番丘壑，畫面即會自然傾瀉而出。

舞台精隨在於展現歌手氣韻

操刀戴佩妮小巨蛋演唱會舞臺，黎仕祺在工作室循環播放歌手的作品，「從歌曲中我感受到這個女生有非典型的愛情觀，她會用《光著我的腳丫子》來形容戀愛。」他抓住戴佩妮古靈精怪、不按牌理出牌的特殊氣質，並扣合演唱會主題《賊》，以歌聲偷走歌迷的青春記憶。舞臺設計以多組升降樓梯，搭配背景LED屏幕動畫，營造出懸浮天空的迷宮，呼應時間輪迴與生活感悟，渲染出如夢似幻的空間氛圍。

「最難處理的是烏托邦1.0演唱會，因為張惠妹非常多變，有妹式情歌的阿妹，又有酷搖滾與偏執面的阿密特。」黎仕祺認為最挑戰之處，是要把歌手各種面向融合為一。這場演唱令歌迷最難忘的設計，必定是高達15公尺氣勢磅礡的烏托邦城門。

「我在演出現場也感受到川哥（陳鎮川）是很厲害的導演，彩排時又加入開門倒數計時巧思，把現場歌迷期待催化到最高點。」黎仕祺說當倒數至0秒，門故意不開，而是先奏起《戰之際》。等到副歌阿密特飆起高音，兩道門才依序開啟，但仍未見歌手，再次撩起粉絲醞釀多時情緒。等到最後一道門打開，看到阿密特懸空坐在巨型三角錐后座，唱著《怪胎秀》緩緩降臨地面，舞臺左右兩側也隨侍巨大女王頭裝置，營造出霸氣十足的巨星氣勢。

通往創意的第一道門──跳脫預算制約

雖然黎仕祺已是一線設計師，但偶而也要跟預算周旋。但他認為設計師不能被預算侷限，要發揮創意跳出制約。他回憶2007年杜思慧《攔截，公路Road Kill》舞臺劇，劇情描述女孩在歐洲公路發生車禍，彌留之際跟母親與愛犬互動。當時舞臺預算僅兩萬元，黎仕祺故意把公路倒置於天花板，以保麗龍製作出馬路，兩側懸掛三角錐，並以綠色塑膠網與竹掃把，象徵樹葉與樹枝。此外，地板以灰、白電工膠帶貼出線條，象徵車子行進的速度感。最後花一萬元請師傅焊接出鐵框車架，讓演員能在其中表演。

今年安溥（歌手張懸本名）《煉雲》演唱會設計也遭遇挑戰。黎仕祺表示舞臺懸吊的眾多立方體，因預算限制製作單位想改成薄片彩幕，但為了讓舞臺側邊歌迷也能一覽無遺，歌手堅持回歸原有設計。「最後我把立方體數量縮減，但調整成不同大小，並透過移動組合出各樣造型量體，演出效果也令人滿意。」

設計力來自於日常感知

黎仕祺從日常練就出深厚觀察力，能敏銳讀取空氣中情緒，並放入腦中記憶庫，成為設計養分。比方說，他從兩人之間的距離，就能判斷親疏遠近。「身體距離的遠近，其實隱藏著彼此的關係。」黎仕祺進一步舉例，如何把觀察轉化於設計。當場景要描述一對即將離異的夫妻用餐，就可以延展餐桌長度，刻意拉遠身體距離，而且挑選冷硬材質的金屬桌椅，讓空氣中無形中瀰漫著對峙與冷戰氣氛。

黎仕祺也把觀察情緒的手法傳授至課堂，他不要求學生畫圖，改成去找喜歡的作品，選出十個有感覺的畫面，並分析觸發情緒的元素，最後再進一步組合傳達。他描述有位學生，聽了一首帶有青春慾望感覺的歌曲，就找了五個穿著清涼的女孩，在校園樹下吃冰淇淋，並同步播放歌曲，建構出如MV的視覺創意。

技進乎道，功夫在體悟

黎仕祺平時不接觸劇場與演唱會舞臺設計，而是龐雜汲取平面、廣告、櫥窗等各樣創意，也閱讀大量小說與電影，刺激新的靈感。「其實我的生活非常簡單，刻意讓自己保持單純。」黎仕祺多年來也讓靈魂維持純淨，並留心生活中被觸動的浮光掠影，並細細品質與探究。

黎仕祺提到每次重看《螢火蟲之墓》就會擊中哭點，三十年來不敢看第三遍，曾自我分析原因是不敢面對死亡？還是怕親人早夭？他輾轉提到家人是心中放不下的羈絆，曾推掉半年工作，就為了陪伴父親走過人生最後旅程。當父親離開，讓他感覺內在男孩一下子成熟。

「我的父親是退伍軍人，常面臨生離死別。原以為是我在陪伴他，事後才發現，其實是他在等我準備好。」黎仕祺說父親過世後，讓他真正體會何謂孤獨，天地孓然一身。也發現過往塑造的孤獨情緒只是想像，真實的體會無需灑狗血，輕輕一碰就能動搖人心。

家人總能喚起黎仕祺心中最柔軟面向，他訴說這次金曲獎，在臺下看著林生祥抱著月琴唱出《古錐仔》，背景彩幕襯著黑白小吃攤與勞工影像，散放出濃烈的在地情感，讓他不僅流下眼淚。「那就是我們父母辛勤打拼的身影，也是臺灣最美麗的一面。」

即便已出社會多年，看盡人情百態，黎仕祺仍努力讓自己心靈維持迪士尼，遇見暗黑立即自動關閉。他自嘲無法做革命家對抗邪惡，是個躲在創作中的膽小鬼。但其實他總在崗位上堅守，以純淨的靈魂連結設計，讓人們欣賞每次演出，都能沉浸於有情感溫度的空間，暫時忘卻世界的冷酷。

※本文由臺北文創天空創意節授權刊載，未經同意禁止轉載。

2024 年年末，曾在新聞爆紅的台中大甲「氣球屋」屋主過世後，家人開始清運蓄積多年的浮筒與雜物。「囤積症」在2013年列為正式的精神疾患，漸漸走入大眾視野，可怎樣算是正常人，什麼又才是嚴重的失常？藝術家倪祥、張哲榕不約而同面向家人與自己。

倪祥說這樣的家庭並不少見，除非囤積的親屬過世或搬家，清理是不太可能的。「我覺得他們有點動物性，因為還在居住、有點像動物巢穴，習慣跟你很不一樣，如果你給他亂挖，就像今天隨便一個人把你家亂整一通，你一定超不爽。」講學術點，他說明2024年個展《大家都來看你了》是種「挪用現成物」手法，而他對爸爸的囤積多做了點改造。

攝影藝術家張哲榕《父親的有機收藏：天地為棟宇，屋室為㡓衣，諸君何為入我㡓中？》倒真直接挪用來自爸爸的「繼承物」——將從萬華冬元二手書店搬來的9車3.5噸貨車舊書化作展間隔牆。可這也只是全部的6分之1，此前書店連走道都沒了。「（家屬的）那憂心是會持續累積的，當你已經發覺不清不行的時候，哎呀，已經很難去處理了。」許多攝影師的紀實專題對外拍不同囤積者的生活，可他的鏡頭是對向自己的家，甚至因自己病了也拍了自己。與家人的理解與對話不易，他們都試圖在生活的戰爭中尋找新的動態平衡。

倪祥：大家都來看我了

其實倪祥覺得爸爸帥。與其說他囤積，作為曾經的鐵路局電務段員工，他是電器與修理能手，「走到哪就點石成金做到哪。」大二時一支錄像《倪國倫的小兒子倪祥拍攝》將爸爸放在公園的作品拍得像大地藝術祭，到了2013年，《我們是否工作過量？》群展中他也在誠品藝廊櫥窗中展示爸爸改造的椅子。「他這人滿有創造力，甚至不亞於很多藝術家，所以希望把他的作品跟工作狀態讓更多人知道。」說抵抗藝術規制太高大上，但他確實在其中看見素人自在創造的可貴。

可是後來又不帥了，為治療爸爸的癌症並就近照顧外婆，他們家一度搬到新北林口，生活空間一下由嘉義60坪透天厝壓縮到20坪公寓，原本尚可接受的雜亂，逐漸成為難以行走、真正的囤積。丟與不丟的爭執不免發生，「有時候很糾結，很不想去破壞別人的作品、覺得討厭，這就跟不想人家破壞你的作品是一樣道理。」

爸爸改造，倪祥也改造家裡的囤積物，與爸爸碰撞和對話，像是〈合理的維納斯〉，讓斷臂的〈米洛的維納斯〉複製雕塑戲謔地噴出紅色墨水。整個展場也是種改造，看似隨處堆置的囤積物，其實一堆一堆被他有邏輯地放置。「改造才會讓你跟它們真的產生關係。」〈破爛遙控車〉則讓觀眾隨意操縱，在展場亂竄，彷彿代替觀眾的手去觸摸作品，卡住、翻了甚至碰到瓷器很大的「哐」一聲，「那種在裡面撒野但又不真的破壞的感覺我滿喜歡。」

然而，不是所有事情都能對話，媽媽後來患上強迫症，2022～2023年《間奏請稍候》個展中，他便做了一個巨大藥單，上面一欄註記「【外觀】讓我想到那些對家人（已經變成活屍）開槍的人。」活屍難以溝通，他只能訂立生活規則強制媽媽遵循。照護過程如戰場不免殘暴，但必須找到讓生活尚且過下去的平衡。「他已經失常到很嚴重，你就會想停下來看到底是要怎麼辦，這個世界到底要多正常，你才滿意？」展場一區有幾個體驗裝置，試圖還原媽媽不想散步活動時，口中「覺得冷」、「覺得熱」、「覺得腳很重」的抱怨，這是同理的嘗試，同時也是個體之間共感的極限。

倪祥終究沒離家，他坦言，陪伴老邁家人是他自己的選擇。「反正你也沒辦法反抗，就當駐村好了。」他曾長駐在高雄大林蒲發展創作，現在這些則是在家「駐村」的成果發表。錄像作品《有空》裡，臉抹成無彩度的灰階、鬼魂一般的演員，駕駛在鄉間逡巡、在湖上縱著墳墓樣子的船，有點超現實， 「雖然整個展場有些長照、死亡的味道，離衰老或離垃圾很接近，但那也是生活的味道，我覺得還是有鮮活的人在那邊。」他補充，這些內容其實離死亡還遠，他真正面對的是親近的外婆離世。從中，他意識到對他最重要的並非告別儀式本身，而是最後在外婆身邊跟他說的話，以及「你想要看到誰、你想要誰來看」的那種心情。於是，這次展覽命名為《大家都來看你了》。很多人也都來看倪祥的作品了， 在上面，或許看見自家的影子。

張哲榕：諸君何為入我㡓中？

在展場一角，張哲榕悄悄捏了幾個黏土人偶，呈現他與爸爸搶奪囤積物時的景象。爸爸曾經是理化教師，退休後開了二手書店，慢慢地囤積傾向加劇。他曾經聘請吊車協助書店清運，爸爸跌跤期間也趁機清出家中空間，可是，「爸爸的收藏很有機，隨時都在改變，即便你嘗試消去一些，它之後又一樣會長出來。」過去他經常將平板電腦與人臉錯置，拍攝不少探討二次元文化的作品，書店或家的天台都曾是人像創作背景，但那時他還沒真正拍自己的家。一次在中壢馬祖新村駐村創作，運用朋友兒時照片重新詮釋眷村家族記憶；高雄駁二駐村時的《片羽，即光。》個展中，他進一步深入鹽埕一帶的歷史記憶。他想到可以回到萬華與家裡拍攝。

張哲榕說話語速緩慢。2023年罹患COVID-19加上隔離時的情緒壓力，可能是觸發他雙極性情感障礙疾患（bipolar disorder）的成因。躁期時的他思緒與行動飛快，而經過緊湊的布展，現正回落鬱期。他獲得不同以往的感官經驗，攪亂的生活步調也讓他反思什麼是正常，於是將自己與爸爸的失常狀態交織在展場之中。

躁期時他思緒加速、飄忽到他必須寫下信，才能記起準備要跟醫師說的話；而焦慮購物留下的大量衣物吊牌，或在網路PTT論壇因獨特語言邏輯不被網友理解而被「噓爆」貼文，都成展場裝置的一部分。患病正巧讓他文思泉湧，他乾脆與朋友譜曲即興饒舌歌。病也意外讓他更敢於向家人開口，加上爸爸跌跤後陪病更多的相處，他開始傾聽父親小時與阿公的故事。「阿公在世的時候，我反而沒能去理解這些，可能過去戒嚴時政局比較緊繃，他因此不願提到太多。」他了解到阿公曾是二戰南洋的台籍日本兵，包括他在阿里山隘口當公務員、四處調動，甚至228期間躲在房屋夾層中靠人接濟的故事，都成為錄像《林北正天龍》裡頭的內容。

張哲榕也以更正面的視角看待父親的「尋寶」行為，像是積極出門正好加快了腿腳復健，甚至分類回收物換取收入的行為，他也在後跟拍。「他比較內向，會去找尋一些自我排解的方式，去市場或開店等等，與人會有更多接觸。」多年來，他第一次進到爸爸囤物的房間，坦言在其中意外舒適。他直接用iPhone錄下自己30分鐘不間斷的口白，成品從未剪輯。「我後來回看想說怎麼可以講得這麼順，很迷戀那種連續性。」錄像播放於他以書牆圍出洞穴感受、客廳模樣的空間，其中放上爸爸處理回收時使用的茶几與矮凳。這也是展名副標取東晉竹林七賢劉伶典故的原因，他想將觀眾都帶進入他與父親的世界之中。

對話家庭囤積，對話自己

倪祥說明，自己近年做作品多從自己出發，「我覺得不應該幫任何人代言，作品就該呈現你在其中的狀態，你是一個士兵，在壕溝裡就該呈現你自己，而不是在幫一堆人講話。」他透露，這系列還缺最後一塊拼圖，便是身為照護者的他自己，想再籌備一部講述照護者的虛構錄像。而東西當然要清，不過或許也很難丟掉太多了——如同他從個展回收的分類囤積物，還有許多未來展出可用，紀念價值棄之可惜。而才經過這趟家族史探尋的張哲榕，倒還沒想到下一 步，但藉由這次展覽「巧立名目」，他還真想在撤展時丟掉還將不斷有機增生的書。前次在水谷藝術展覽後，爸爸帶著推車順利救回他的東西，那這次真能丟成嗎？這得留待展後確認了。

倪祥

1982年出生於嘉義，畢業於臺南藝術大學造形藝術研究所，2009 年作品《很快就補償》獲臺北美術獎首獎。2012年初開始自主進駐被重工業包圍的高雄大林蒲，陸續規劃「2012大林蒲國際公害攝影大賞」、「老闆不爽-免費吃魚」、「魅色台灣-大林蒲妝」等計畫，以獨具風格的藝術實踐方式，回應自身關注的現實議題。近年重要個展包括2022年《間奏請稍候》、2021年《在你不注意的時候，請跟我來》。

 

張哲榕

生於台北，關注影像創作，作品獲日本清里寫真美術館、藝術銀行典藏。受邀於法國巴黎羅浮宮、美國紐約時代廣場、日本清里美術館、大阪中央公會堂、俄羅斯國立新西伯利亞美術館、波蘭中介雙年展、韓國東江攝影節、北京國際攝影週、國立台灣美術館、台北當代藝術館、高雄市立美術館、關渡美術館等地展出。

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜倪祥、張哲榕、胡永芬、臺北市立美術館}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》

近年的生成藝術狂潮之中，Refik Anadol絕對是站在浪尖的佼佼者。 他是第一位在公共空間使用AI技術，也是第一位受紐約現代藝術博物館（MoMA）典藏NFT作品的藝術家，更催生世界上第一間以AI為研究方向的博物館「Dataland」。他將數據、生成技術、建築融合美學為一爐，不斷挑戰觀者的視覺體驗，掀起一場21世紀的文藝復興。

Refik Anadol對數位藝術的著迷，源自於他對科技、記憶和建築之間關係的濃厚好奇。成長於東西文化和歷史十字路口的伊斯坦堡，他自小迷戀建築結構設計，常常幻想能為自己的房間——呆板的牆壁、窗戶和天花板注入生命。8歲那年因看了電影《銀翼殺手》，雷利．史考特鏡頭底下陰冷朦朧的賽博龐克世界及蘊含故事的哲學，徹底衝擊他的世界觀。

從「數據繪畫」至「數據雕塑」

在攻讀伊斯坦堡比爾基大學數位傳播設計碩士，以及加州大學洛杉磯分校媒體設計系的期間，他先是接觸到專門針對聲音、影像開發所設計的工具「Pure Data」，和透過圖像生成指令的軟體「VVVV」，提出「數據繪畫」和「數據雕塑」概念——結合建築、媒體藝術、光學研究，和基於數據分析之間的場域特定（Site-specific art）3D動態雕塑作品。「我對這些數據深深著迷，數據能否成為一種空間、打破物理界線，或者能否觸摸？透過不斷嘗試找到背後的意義。我認為理解機器如何相互溝通、如何記錄記憶，是人類即將面臨的挑戰。」

畢業後，Refik創立自己的工作室，延攬了一群跨領域專業的團隊，包含神經科學、AI工程師、數據科學家、建築師、視覺設計師。2016年他被Google遴選為AI計畫的駐村藝術家，成為了藝術生涯的轉捩點，讓他發現AI無窮盡的潛能。他隨後帶領團隊為SALT Research打造首件結合AI技術的公共空間作品——《Archive Dreaming》，以170萬份文件的圖像來訓練神經網絡，將機器的夢境視覺化，創造出模糊數位與實體之間界線的空靈景觀。「這件作品源自我內心深處的好奇：如果機器可以學習，它也可以做夢嗎？如果機器可以做夢，誰能定義何為真實或是虛幻？這些問題不斷推動我，探索超越傳統視覺 語彙的藝術創作。」

與龐大數據庫融合的大型公共空間

在過去的8年裡，Refik Anadol團隊在世界各地的地標場館、博物館和雙年展，推出一場又一場令人目眩神迷的大型投影或沉浸式空間，包含華特迪士尼音樂廳、哈默博物館、MoMA、高第巴特婁之家等，並跟諸多科技大廠和研究機構如Microsoft、NVIDIA、JPL/NASA、Intel、IBM緊密合作，將最新、尖端的科學技術融入作品，影像資料庫也越加龐大。

《Quantum Memories》採用2億張地球上的風景、海洋和大氣的圖像；在《Machine Hallucination-NYC》中，他們擷取1.13億張紐約市的公開影像來描繪這座城市的未來；在為洛杉磯愛樂合唱團設計的《WDCH Dreams》，工作室蒐集了樂團近百年的數據資料，這些檔案被解析為數百萬個數據點後重新組合，投影在華特迪士尼音樂廳外牆。

在2022年引起轟動的高第巴特婁之家光雕投影《Living Architecture-Casa Batllo》，團隊集結了約10億張圖像的資料集，包含高第的草圖、建築歷史的視覺檔案、學術檔案，以及在網路和社群媒體平台上找到的巴特婁之家的公開照片。「數據在我的作品中既是媒介也是敘事工具，提供記憶、想像與美學之間的連結。我的團隊會使用先進的機器學習演算法，以及自定義軟體『潛在空間瀏覽器』（Latent space）來管理和處理龐大的數據集，確保每一個數據都能與作品的概念框架相契合。」

關於如何應對大型投影的不可控變因，他表示：「每個專案都會帶來不同挑戰，從技術限制到不可預測的環境因素。例如在華特迪士尼音樂廳的案子中，如何讓投影與Frank Gehry設計的經典建築和諧共存，而不會喧賓奪主，需要對光線、材質和動態進行細緻校準，才能在增強投影的同時，又尊重建築原有的特質。」

他認為，「一件作品的『完成』不在於是否至臻完美，而在於它所帶來的共鳴——當作品能夠捕捉到預期的情感或概念深度，並在觀眾心中引發有意義的回應時，它便是完整的。一件好的數位藝術作品結合了技術的精確性、概念的深度和情感的衝擊力，它必須能引起思考，能在多個層面上與人產生連結，並邀請觀者重新思考或想像身處的世界。」Refik透露，自己除了建築外牆之外，對於挑戰非傳統介面和材料也充滿興趣。「我特別被數據美學與自然環境結合的概念所吸引，希望終有一天能探索如水、風及有機材料等媒介。」

重新定義博物館與藝術創作

將於2025年問世的全球首間人工智慧藝術博物館「Dataland」，是Refik最新一項革命性嘗試，也是工作室成立10年的里程碑。他希望重新定義博物館，突破以保存和展示歷史作品為主的模式，打造一個充滿動態、持續演變的互動空間。

團隊將運用自行開發的AI模型——大型自然模型（Large Nature Model），從史密森尼學會、《國家地理》雜誌、倫敦自然歷史博物館等 機構，以及世界各地的熱帶雨林中，以符合道德規範的方式獲取數據圖像。除了視覺，Dataland還將從生態系統中捕捉聲音、透過AI產生氣味，譜出一場嶄新的感官交響曲。對於許多人詬病AI產業高耗能的問題，Refik也聲明將與Google合作，利用奧勒岡州的永續能源來供應AI運作，減少對化石燃料的依賴。

問及Refik如何看待AI發展和藝術創作之間的關係，他表示：「人工智慧和機器學習為創意開拓全新視野，讓我們能以過去難以想像的方式，將數據視覺化或模擬環境。藝術與科技始終處於不斷的對話之中，彼此塑造並重新定義對方。對我而言，這段關係最令人興奮的是它 能擴展人類想像力的邊界。」不過這位走在科技前線的藝術家也強調，「AI作為創意、敘事和解決問題工具的潛力令人鼓舞；但同時，AI在偏見、隱私性和永續性等方面的倫理問題，也必須時刻受到重視——雖然科技可以帶來良善的力量，但它必須以人類價值和地球福祉為終極方向。」這場以AI掀起的文藝復興，不只帶來改變，也讓人類更知曉那些必須守護的不變價值。

Refik Anadol

1985年生於土耳其伊斯坦堡，新媒體藝術家、藝術總監和人工智慧先驅。擅長將建築化作畫布，重塑空間感知並創造全新體驗，其作品圍繞人工智慧時代中的人類身分問題，探索群體記憶、機器學習和藝術之間的交會。創作形式包括數位雕塑、大型公共藝術和沉浸式裝置，與Google和NVIDIA等科技公司密切合作，作品足跡遍及紐約現代藝術博物館、蛇形藝廊及聯合國總部等。

_{企劃｜張以潔　文｜姜盈謙
攝影｜Efsun Erkilic　圖片提供｜Refik Anadol}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》