當時尚產業瘋也似地製造各種話題時，人稱「緊身衣之王」（King of Cling）的傳奇時尚設計師Azzedine Alaïa是少數仍堅持固有步調的設計師，出生於突尼西亞，曾在家鄉學習雕塑，也讓他的作品都像是一件精美的藝術大作。他不諂媚虛榮的媒體關係，也拒絕屈服於業界公式進行季節性發表；憑藉著出類拔萃的剪裁技巧，以及對女性輪廓的雕琢詮釋，讓Alaïa更被譽為當代最具有影響力的設計師之一，Lavin前任創意總監Alber Elbaz更稱他為「設計師們的設計師」。

「我們現在談的女權賦予，Alaïa已經用他自己的方式做到了；當你看見有女性穿著他的作品，你不僅僅只是看見形體，也會在那之中感受到Alaïa的精神。」Alber Elbaz會這樣說其來有自，成名於80年代的Azzedine Alaïa，無論時序如何更迭皆不改初衷：他要體現女性曲線之美，任憑世人如何模糊性別疆界、奢侈品牌如何與運動休閒相互靠攏，這位來自突尼西亞的設計師展現自小培養的美學，以貼身剪裁凸顯女性體態，並且擅於「隱惡揚善」，透過不同的面料與手法，例如拉高腰線，使臀部與大腿的線條自然流暢，在性感的底蘊下卻不失優雅。

「我想讓女人『自我感覺良好』，這些服裝都是基於女性的需求而生；在此我指的並非只有一部份女性，而是所有女性，我為她們提供優良的穿著體驗。」數十年來，Azzedine Alaïa堅持專注在怎麼優化作品，而非怎麼擴大行銷，他在2016年的一次訪問中提到自己的親力親為：「我不是那種給出設計稿就走人的設計師；我一年做不了8個系列，但每個系列從頭到尾甚至交貨，我都置身其中，有時也會在店裡，看看哪些商品反應好，哪些差強人意。」。

今年5月，倫敦設計博物館（The Design Museum）展出的《AZZEDINE ALAIA: THE COUTURIER》，是去年11月驟然離世的Azzedine Alaïa生前參與策劃的最後一場專題展覽，裏頭展示了該位設計師在1980年代發跡至2017年間創作的60餘件高級訂製服，並依照工法、面料等不同分成11種主題，其中包含一系列他最為人所知的繃帶晚裝，還有幾乎和Grace Jones、Tina Turner畫上等號的經典設計，以及與Alaïa情同父女的Naomi Campell，為他此生最後一場大秀所穿上的作品。

同為策展人的Mark Wilson指出，身為完美主義者的Azzedine Alaïa，將所有展品都依照人體模型重新調整，連燈光也多有講究：「他是剪裁及修身方面的翹楚，不會拿現成品套在還可以的模型上；他是傾力於身體線條的雕塑家，一心只想著如何讓服裝襯托女性曲線。」。

強調女性曲線乍看之下或許不是一件新鮮事，但Azzedine Alaïa看待女性的角度卻相當具有革命性，一如他的繃帶裝，透過繃開來的面料營造體態張力，恰到好處的裸露則展現出肌肉與體態之美，被稱為「緊身衣之王」的他能讓女性再一次認識自己，甚至獲得從未有過的自信；他的美學系統如此強大，以至於僅僅說出Azzedine Alaïa的名字，就能讓人聯想起一個美麗而富有力量的女性嚮往，Giorgio Armani談起這位大師時亦是滿心激賞：「Azzedine Alaïa是一位天賦異稟的設計師，他在身體曲線與比例上的研究之精細，就像是真正的雕塑家那樣，提升了一種感性且近乎永恆的美麗。

儘管從來都不參與時尚體制，影響力依然不容小覷，他是一個徹底獨立的聲音，在完全自由的情況下，遵循自己的美學願景。」Azzedine Alaïa曾說自己完成的是衣服，而女人成就了時尚，他的作品像是女性的第二層肌膚，如此和諧、彷彿天生，在現今脫離不了社群、話題及速度的時尚圈中，他留下一抹雋永而讓人心之神往的痕跡，或許永遠都不會散去。

via the Design Muesum、The Guardian

以千禧年學生時期回憶為發想，台灣設計師品牌JENN LEE以標誌性的叛逆、前衛美學打造2025春夏系列「青春回聲」，本季發表以倫敦時裝周為開端，再於台北時裝周期間選址以Techno曲風為主的夜店la fin呈獻，讓靈感取自制服百褶裙、作業簿格線等的型格服裝元素，與場地內殘留的前夜歡騰氣息交織，營造出遊走虛實之間的不羈氛圍，帶觀者踏上復古美學之旅。

無需公式的設計概念，單字、紙團都是創作元素

本系列展現了JENN LEE直覺的創造力，一個單字、一坨紙團都能自然構成幾何圖形，如同孩童時期天馬行空、不設限的純粹創作。攤開本季服裝造型，可見Jenn透過實際揉皺紙張，讓紙的有機輪廓成為設計基礎，為服裝注入非結構化、帶隨意筆觸的自由妙想，同時保留了JENN LEE品牌標誌性的解構風格，透過摺痕、外露接線、心形拉鏈等元素呈現。

JENN LEE一向深受喜愛的飾品，在本季洋溢懷舊與叛逆感，其設計靈感來自在舊衣口袋中找到被遺忘的珍寶，可能是一張收據或任何隨機物件，它們都被設計師保存在樹脂中，從看似微不足道的物品轉化為珍貴記憶的象徵。

法式刺繡重現無厘頭書法意象

本季JENN LEE更攜手曾參與許多巴黎高級訂製系列的法國刺繡藝術家Atelier MOWA，以書法為靈感結合刺繡工藝，創作出一系列富3D視覺效果的頭飾及面飾作品，每件作品背後各有不同的發想故事，像是「永字八法」的筆畫、兒時練習書法感到枯燥而亂畫塗鴉的另類創意，及初心者不熟悉墨水、毛筆而書出的混亂筆跡等，巧妙將你我兒時記憶轉化為飾品中的設計語彙。

模特為何「扎針」上台？

呼應「青春回聲」的主題，JENN LEE與台灣美容針灸品牌SALIENT合作，特別讓模特在秀前接受針灸療程，並保留扎針促進恢復與煥活的效果，最終以面部帶著針灸針的狀態踏入秀場，一方面展現視覺的震撼感，一方面與本季主題相扣，具象傳達「回春」概念。

千禧年傳來的青春樂音

秀場音樂同樣值得深究，DJ Cloudy Ku根據自身對JENN LEE設計風格的深刻理解做編排，捕捉自在、無憂的成熟女性自信，及她們經歲月洗禮後返璞歸真的氣質。音樂前段以空靈沈靜的ambient experimental鋪陳，仿佛陽光透過窗戶灑進教室，喚起溫暖記憶；中段轉向更深沉的UK influence bass music，為整場表演奠定穩定的節奏基礎，反映出JENN LEE作品裡的結構與流動感；最後以俏皮活潑的classic Trance收尾，恰如千禧年時的無拘無束與青春歡愉。

2024巴黎巴塞爾藝術展（Art Basel Paris）期間，路易威登（Louis Vuitton）於巴黎大皇宮推出特別展覽，爬梳20年來與建築大師Frank Gehry的長期合作關係，雙方攜手完成小至香水瓶蓋、大至旗艦店建築等作，無論尺度為何，皆是對材料與形狀的前衛實驗，而Frank Gehry這次也親自為展覽構思場景，帶訪客透過一系列繪圖、模型、雕塑等，窺見時尚、建築與藝術碰撞的火花。以下帶看路易威登 X Frank Gehry曾合作的4大亮點作品：

01 路易威登基金會 & 首爾旗艦店

2014年，由Frank Gehry設計的路易威登基金會落成，這座建築的構想早在2000年代初期就於建築師腦海中成形，展覽現場呈現一系列可追溯至2006年的繪畫及微縮模型，凸顯Frank Gehry對建築中透明性與光線的掌握，並體現他如何巧妙運用開口結構及玻璃，為路易威登基金會建築賦予如水晶夢境般的空間錯置感。

類似的元素也體現於路易威登首爾旗艦店，在此Frank Gehry同樣強調光線和流動性，運用複雜的多重力線、造型的巧妙排列、和諧的視角錯位，展現深奧高明的結構藝術。

02 「Les Extraits Murano」藝術香水瓶

在路易威登「Les Extraits Murano」藝術頂級香水系列中，同樣可見Frank Gehry以透明、扭曲、輕盈為關鍵字，所設計出如花朵、也如火焰的絕美玻璃瓶蓋，特殊造型繼承了他在建築上的奇思妙想，其設計靈感源自風、光線、色彩等大自然元素，材質完全採用穆拉諾（Murano）玻璃，並由工匠全程手工打造，瓶身還有Frank Gehry親自雕刻的珍貴簽名，收藏價值無限。

03 「Capucines」等經典包款

說到路易威登，絕不會落下包袋，品牌與Frank Gehry的合作自然也延伸至此，他將設計建築所秉持的透明原則、對動植物形態的細微觀察，融入LV經典包款「Capucines」，如魚鱗以皮革淺浮雕再現、魚身則透過刺繡呈現在鱷魚皮上，也曾將最具代表性的建築作品如畢爾包古根漢美術館、洛杉磯華特．迪士尼音樂廳、西雅圖流行文化博物館、紐約IAC大廈等，轉譯於包袋之中，成品就像一件揉合時尚與建築的精緻微型雕塑。 

04 白魚藝術雕塑

漂浮在展場樓梯上方的白魚雕塑，是本次展覽一大看點，這件作品以剛柔並濟的形體，呼應Frank Gehry建築結構中的空氣動力學特色，裝飾性鮮明的鱗片則從他的建築作品造型改造而來，周邊木條被排列成大型的拱形結構，將這隻「動物」襯得更活靈活現。