莫內《草地上的午餐》初登台！故宮《俄羅斯普希金博物館特展》六大展區亮點 雷諾瓦、畢卡索等48位大師風景畫作

年度藝術盛事即將登場！悠閒初秋時分，一群人相約在丹楓白露林下享受愜意時光，一邊享用午餐、一邊輕聲談笑，充分顯現歐洲19世紀盛行的野餐風氣，《草地上的午餐》是印象派大師莫內（Claude Monet）年輕時的畫作，完整版習作收藏於俄羅斯普希金博物館（The Pushkin Museum）中，如今這曠世鉅作真跡也在11月首次登台！

集結莫內、雷諾瓦、盧梭等48位藝術大師畫作的《悠遊風景繪畫-俄羅斯普希金博物館特展》，在聯合數位文創牽線下，攜手俄羅斯普希金博物館，展出17世紀到20世紀共65件風景名畫。

悠遊風景繪畫 宛如走過法國一遭

普希金博物館位於俄羅斯莫斯科，以集結法國瑰寶畫作而聞名，《普希金特展》聚焦在19世紀印象派至後印象派與20世紀初的重要畫家傑作。展覽將分為六大主題，分別為「近代風景繪畫的起源」、「讚頌大自然」、「巴黎城市光影」及「近郊的自然景致」、「法國南部的明媚風光」與「海外的異想世界」，引領民眾認識法國近代風景繪畫。畫中背景如煎餅磨坊、聖維克多山等都是如今法國的著名景點，民眾走進展覽欣賞繪畫的同時，也猶如徜徉在法國優雅、浪漫的氣息之中。

六大展區與畫作亮點

一、近代風景畫的起源

以前西方繪畫以宗教畫為主流，風景畫多為背景，17世紀後，風景畫逐漸自成一股潮流。本區介紹的是始於17世紀風景畫的黎明期，在這區你可以充分感受到人們在繪畫中，發現了自然的美好型態，然後逐漸把目光轉向現實的自然風景，讓風景用畫的方式被保存下來。

代表畫作：洛罕《擄掠歐羅芭》

統領眾神的王者宙斯因醉心於腓尼基公主歐羅芭的美貌，於是幻化為美麗的白公牛來到海邊誘騙她，歐羅芭一看到公牛就非常喜愛，不但輕輕撫摸著公牛甚至還騎上牛背，最後被飛快地載向海的另一端—克里特島。這幅畫的故事源自於奧維德的《變形記》，洛罕在引人入勝的海景中加入了這個神話題材，不知道的人乍看還以為是個歡樂場合，其實卻是一場精心設計的擄掠場景，極度反差也成了這幅畫的驚喜之處。有趣的是這個神話故事同時也是歐洲（Europe）與金牛座的由來。

二、讚頌大自然

歐洲迎來了19世紀的市民時代以後，風景畫開始走向平凡的日常，表現與生活息息相關的現實風景。從描寫神話、宗教、歷史的大畫面繪畫，變成了表現身邊事物的、簡明易懂大小適中的繪畫。來自法國的巴比松畫派，讓風景繪畫不只追求寫實，還增添了柔美與詩意。

代表畫作：柯洛《加萊海峽省，風暴來襲》

三、巴黎城市光影

此區介紹以大都市巴黎為基點展開的印象派及以後的風景畫發展，這些以印象派為首的畫家們，用時而溫暖時而敏銳的目光，描繪並創作出近代都市的風景，傳達了工業與科學技術不斷發展的新世代氣息。

代表畫作：雷諾瓦《煎餅磨坊庭院樹下》

煎餅磨坊(Moulin de la Galette)是曾位於法國蒙馬特山丘上的大眾舞廳。1876年，雷諾瓦在附近租了間工作室，常描繪舞廳當時熱鬧非凡的景象。本作被認為是在《煎餅磨坊的舞會》的準備期間繪製而成，且視角處於相當自然的高度，彷彿畫家稍後就要加入這五人一同暢談般。儘管戶外寫生是印象派的特色之一，這幅畫作卻被認為是在戶外繪製後，再回到工作室的適當光線下加以修飾而成的作品。

四、巴黎近郊的自然景致

在中產階級的崛起的19世紀後半，人們開始能非常便捷的到達郊外，因此畫家們很喜歡從巴黎，以很短的時間到達滿目綠色的郊外，有時候甚至在郊外短期及長期的居住，他們把畫布拿到戶外，描繪那些享受閒暇時光的都市人們與平和的街景。這讓創作產生變化，畫家們對鮮豔的色彩具有表現力，表現空間的關注程度也越高，新的風景畫由此誕生。

代表畫作：莫內《草地上的午餐》、《白色睡蓮》

首次來台灣的莫內《草地上的午餐》為本展最大亮點，莫內這幅作品是受馬內的《草地上的午餐》啟發，起初是莫內為了巴黎的官方沙龍展所創作的巨大尺幅畫作，不過最終完成作品因為過於巨大而損壞，剩餘部分亦分為兩幅，現存奧塞博物館，普希金博物館所收藏的這幅尺寸較小的習作讓人們得以一窺全貌。

服裝與姿勢迥然不同的十二位人物在構圖上皆經過細膩的安排，穿過茂密枝葉的陽光灑在穿著華美洋裝的女士們身上，使她們看起來嬌豔欲滴。畫中場景位於巴黎東南方的楓丹白露森林附近，雖然人物角色鮮明，但其實重點在於這大片森林，莫內曾表示畫中每一片葉子都是一張臉，充分顯現印象派的光影描繪。

這幅畫同時也藏著莫內的熱烈情感，當時莫內正和未來的妻子卡蜜兒陷入熱戀，因此一直到1979年卡蜜兒因病過世為止，幾乎每一幅畫中都會有她的身影，《草地上的午餐》當然也不例外，畫中左方第一位側身的女子就是卡蜜兒，如果眼睛夠犀利，還能在右邊的大樹幹上，看到莫內描繪出俏皮的「一箭穿心」圖樣，再再顯現他對卡蜜兒深刻的愛戀。

五、南法明媚風光

鐵路網的發展縮短了巴黎與波光粼粼的地中海距離。本區從巴黎南下，介紹法國中部到南部的風景畫。南法耀眼的陽光下，多彩的植物與的地中海的波光閃爍，給畫家們帶來了豐富的靈感，他們用新鮮的視線捕捉到當地特有的景觀。遠離大都市巴黎的靜謐環境，醞釀出各種獨特的畫風樣式。

代表畫作：塞尚《從瓦爾克斯望向聖維克多山腳的平原》

六、海外的異想世界

隨著傳媒的發達可以更輕易接觸到各地的訊息，讓想像中的風景可以更輕鬆的跨越時空，現實與故事的世界重合。有時不同的土地風景因而被組合，融會在一個畫面中，那些是在任何地方都不會遇到的，只有在繪畫中才可能產生的富饒風景，值得細細品味。

代表畫作：高更《有孔雀的風景》

1891年高更動身前往大溪地，出發前，他表示此行的目的是：「為了遠離文明的影響而安靜地生活。」然而大溪地卻早已受現代社會所影響，比高更所預想地更為西化。不過他依然對當地鮮豔的色彩與各種陌生而樸實的事物十分著迷，在這幅裝飾性極高的畫面上，配置了覆蓋著樹葉的小屋、優雅伸展的高大椰子樹、揮著斧頭的半裸男人、孔雀等充滿異國情調的元素。

畫面右下方寫有「MATAMOE」的字樣，其意涵眾說紛紜，有人認為可能是拼法的錯誤，但普遍認為是「死亡」的意思。在走進茂密森林用斧頭斬斷樹木之後，高更心中那文明的自己就已經死亡，此後他脫胎換骨成為在島嶼生活的「野蠻人」。

盧梭《美洲豹正在襲擊一匹馬》

畫出這幅畫的盧梭曾受訪表示：「我從來沒去過比植物園的溫室更遠的地方旅行」。從來沒離開過法國的他，卻將《美洲豹正在襲擊一匹馬》發揮得淋漓盡致。如佈景般的植物層層交疊，在畫面中央製造出馬與美洲豹的專屬舞台。

遭到兇猛美洲豹攻擊的白馬，面無表情地凝視著觀眾，細長的葉片有如生物觸手般的搖曳著，令人感受到豐富的生命力，相較之下，動物們則彷彿停止在那決定性的瞬間。據說電影《馬達加斯加》也深受盧梭畫作的啟發與影響呢！

展覽日期：2018/11/17 ~2019/02/17 (除夕休館)

展覽時間：09:00-17:00 (16:30停止售票及入場)

展覽地點：國立故宮博物院 圖書文獻大樓一樓特展室(111台北市士林區至善路二段221號)

文字整理：Ian Liu

via 聯合數位文創

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine