如果要運用光作為創作媒材，你會如何構思？擁有藝術和建築背景的藝術家莊志維，透過雷射光建構浮在空中的大型雕塑，也運用光影打造自我療癒的裝置創作。光在他的手裡，成了最輕盈卻也最有力量的創作媒材。

一束一束的雷射光，在黑夜裡構成神祕的虛擬結構，這是藝術家莊志維近期引人注目的作品《裝置微光計畫：台中車站 1908》。然而，他的作品不限於探討空間與光線的關係，還有運用機械、植物等媒材創作，傳遞他對生命、時間和族群等主題的所思所感。在他的創作歷程中，「光」與「裝置」兩大元素，揉合為探討生命主題的內在系統和空間關係的外在系統，它們像是兩條活躍的軸線，或隱或顯地出現在莊志維的每個創作中。

用光做起空間雕塑

剛完成韓國釜山市立美術館的《植物學– 東亞當代藝術展》展覽開幕的莊志維，接著又馬不停蹄地回到故鄉台中，完成了三件在火車站、高鐵和花博的現地創作裝置。談到從大學時期就愛上光這項媒材，莊志維認為光在視覺上能給人最直接的訊息，而當光亮起的時候，也有牽引情緒和感受的作用。「就像廚師做了一道菜，當他加入關鍵的調味料時，菜色也開始產生不同的變化。」莊志維說。

在他的光創作中，令人印象深刻的莫過於在空間中投射雷射光的《裝置微光計畫》系列。對莊志維而言，雷射光是一種可以隨空間條件被擴張的創作元素，「因此在不同場域或空間條件裡，可以融合景觀和歷史背景，打造出不一樣的作品。」以近期在台中舊火車站完成的《裝置微光計畫：台中車站1908》為例，創作靈感來自1908 年，是南北兩端鐵路在中部接軌的重要年份。莊志維在月台上順著鐵軌方向，投射了數道雷射光，夜晚時分，鐵軌上這些向四方飛去的光束就像是火車快速行駛的狀態，具有十足的動態感，而結合現代科技和舊火車站空間的創作方式，也讓這件作品充滿新舊交織的衝突視覺。另一項與勤美學合作的《雨天沐》，則是莊志維創作至今最大型的雷射光裝置。這個現地創作作品，位在苗栗不受光害影響的山谷裡，從四面八方投射而來的雷射光，形塑出像是懸浮在草原之上的綠色穹頂。當夜晚天空下起雨時，這些雷射光會因為雨滴，形成朦朧且一絲一絲的畫面，別具詩意。

除了雷射光創作，莊志維也運用LED燈條，在城市裡打造出有趣的圓形「洋流」裝置。例如去年在勤美術館展出的《微光島嶼》、《森林裡的洋流》，創作靈感便來自於自然，「在空間的配置上，我想像這是一個人穿過洋流尋找島嶼的過程。」相較於過去在視覺上運用強烈的光束建構地景裝置，這些作品則因為繽紛的光暈，為夜晚的城市空間帶來更溫馨且愉悅的氛圍。而《森林裡的洋流》在今年也展出於新竹護城河裡，是莊志維首度放置於水中的作品。他使用白色的LED 燈條，讓光線投射在水面上，夜晚時，可以看到光因水的流動、陣陣漣漪，形成波光粼粼的效果。在莊志維的光束或光圈作品中，因現地創作讓光形成有機的變化，不僅展現莊志維對環境的深刻觀察，也讓人們再次看到環境的不同面貌。

讓感性凝結成光的裝置

不論是以雷射光裝置打造大型空間作品，還是運用LED 燈光勾勒城市裡的自然地景，莊志維都將光放在視覺的最前線，讓觀者能直接感受到他建構的空間樣貌。然而有光必有影，莊志維另一個重要的創作軸線，便是運用影子比喻生命的起落。

今年受邀至釜山市立美術館展出的《轉生樹》，是莊志維創作歷程中最重要的作品。這項裝置的創作概念，源自於就學時期目睹陌生生命在眼前消逝，於是他開始重新思考生命的意義，並用創作展開自我療癒的過程。釜山《轉生樹》的原型，來自2015 年的同名作品。在盛開著花朵的植物上安置許多細線，並藉由動力機械裝置牽引植物的枝葉。隨著時間流逝，花將慢慢凋零，最後植物的枝幹會因為光線投射在空間中，成為巨大的影子。「在這個創作中，我想拉出兩個時間點，一個是美麗，一個是殘忍。從美麗過渡到殘忍，會有個緩慢的過程，象徵著生命的運轉。」莊志維說。

除了探討生命，莊志維也運用光創作，企圖喚醒人們反思族群議題。例如去年在台北當代美術館門口廣場展出的《黑暗中的彩虹》，邀請民眾在8 個塗上黑色漆料的箱子上，刻出想要訴說的文字或圖案，藉以開啟同志平權議題的互動對話。到了夜晚，箱內的LED 燈條會在刻痕中透出彩虹光芒，象徵同志因壓迫而產生的傷痕，以及仍然勇敢面對逆勢的正向力量。「創作這件作品時，我思考如何在一個開放式環境裡，製造出封閉的空間，而8個箱子的存在就像是紀念碑，記錄著邁向平權的歷史時刻。」莊志維說。

在他的創作歷程中，除了有構築外在空間的創作能量，也有傳達內在省思的裝置作品。這些由理性與感性交融而出的精彩創作，恰如光和影的關係，同時展現了莊志維的細膩與張力。

莊志維

畢業於台北藝術大學新媒體藝術研究所和交通大學建築研究所。擅長運用光和空間探討人與環境的互動關係。2014年獲選至東京Tokyo Wonder Site 創作駐村，並曾受邀參加台灣美術雙年展、韓國平昌雙年展，以及釜山市立美術館的東亞當代藝術展等。過去也曾與勤美術館、勤美學、沛納海（Panerai）、賓士（Mercedes-Benz）、CN Flower 等品牌合作發表藝術作品。

文／陳岱華　 

圖片提供／莊志維、台北當代藝術館

【完整內容請見《LaVie》2019年1月號】

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）