MAISON&OBJET巴黎時尚家居設計展是全球重要的設計盛會，2019年一月展會將攜手中國領先的建築、室內設計與家居產品整體解決方案提供方DesignChain，把新銳設計師獎的觸角向東拓展，前往正在快速發展的中國設計圈，發掘未來的設計之星。作為提供全球年輕設計師嶄露光芒的領先平臺，獲選為M&O新銳設計師獎，使他們有機會向來自世界各地的業界人士展示他們的才華與作品。

繼新銳設計師英國、義大利與黎巴嫩獎引起的熱烈回響後，新銳設計師中國獎將於2019年1月18日至22日在巴黎北維勒班特展覽中心（Paris Nord Villepinte）登場。本次選擇聚焦於中國年輕設計師，就是中國設計產業快速崛起的最好證明，也表現出MAISON&OBJET企圖鞏固在全球設計進步與發展的領先地位。

新的定位

活躍發展的設計現況反映出中國正試圖成為設計、創意與創新產業中的一員。現今中國生活的快速轉變與設計產業的迅速發展，都證明了社會的成長與進步。十年的變革正刻畫出新中式美學，越來越高的專業素養，以及重新對良好工藝、創新、品質的要求，都影響設計師對自身的審視，也同樣改變中國自己與全世界看待中國設計作品的角度。

很明顯，有才華的中國年輕人正努力塑造出新的身份。有些人的靈感來自於深入思考中國文化，其他人則受到多元文化的影響，但他們都全心投入探索著新的設計思維。反復來回於不同文化間的對話，創造出富有趣味的文化大融爐，在中國，幾乎每天都有新的設計師或設計工作室出現。新銳設計師獎評審委員Luca Nichetto說「最有趣的地方在於，中國設計師尋找的是身份定位，而不是只有西方外觀的設計，還要融入中國千年歷史的工藝遺產與傳統。有很多例子都顯示他們走在正確的方向上，我很好奇他們接下來的演變。」

雖然不乏創造力，但中國的設計仍在努力當中。他們所面臨的挑戰是，要讓國家以產業供應鏈角色享譽全球的同時，為年輕設計一代找到新的機會。這與中國設計師逐漸意識到社會環境有著密切關係，更多人開始考慮到他的創作會如何影響世界。隨著大環境的變化，中國的設計愛好者也在不斷改變。對國際生活美學與風格持有開放態度的同時，人們也越來越能夠接受以設計來擁抱自身的文化認同，這對設計產業的發展無疑是個積極的消息。

「最有趣的地方在於，中國設計師尋找的是身分定位，而不是只有西方外觀的設計。」

MAISON&OBJET與DesignChain邀請6位來自相關領域，並對中國當代設計產業非常瞭解且有所貢獻的專家，擔任今年新銳設計師獎的評審委員，分別是對中國設計產業有深度見解的中國室內裝飾協會主席劉珝；全球規模最大的建築公司之一的上海現代建築設計（集團）有限公司前總建築師邢同和。

著名雕塑藝術家瞿廣慈，稀奇藝術的品牌創始人及藝術總監，以限量的手工雕塑聞名，將他的創意與敏銳的商業嗅覺帶進評審委員會裡；具有全球設計與商業應用豐富經驗的倫敦照明與傢俱設計師Tom Dixon，活躍在全球與中國市場的義大利工業設計師Luca Nichetto。還有，來自上海如恩設計研究工作室（Neri&Hu）的郭錫恩（Lyndon Neri）和胡如珊（Rossana Hu），他們擅長跨領域建築與設計應用，並從目前中國對於現代與傳統的思辨中提出看法。

今年的評選過程，由評審委員挑選五位新銳設計師，一位則經由品牌報名參加。周宸宸（Frank Chou）、陳福榮、蔡烈超（Mario Tsai）、楊泓捷、李希米與陳星宇（Sing Chan）被視為目前中國年輕設計師中最閃耀的新星們。

這六位年輕設計師展現了才華和創造力，賦予設計作品創新的活力。有幾位的創作傾向以中國為核心，其他幾位則吸收在海外求學或工作中受到的多元文化影響；然而他們都有著要為中國創造出全新設計語彙的抱負。由評審委員之一， 來自如恩設計研究工作室（ Neri&Hu）的郭錫恩（Lyndon Neri）表示「隨著中國經濟快速增長，以及對自身文化表達的需求，我們看到有許多設計師，為了文化與身份認同，開創出屬於自己的聲音。」

他們的風格可能有所不同，但明確的是：這六位才華洋溢的設計師正在建立出新標準，並同時在創意與商業需求間取得平衡。「中國多年來都是全球產業供應鏈的領導者，然而現在對中國與全球設計師來說，中國正迅速成為提供眾多機會的溫床。」Luca Nichetto表示「中國設計師意識到他們身處於發展成熟的製造環境，也正充分利用著這項優勢。」

周宸宸 FRANK CHOU

「我的創作理念與靈感，源自于對東方現代和未來生活的深層考量。」

周宸宸出生于傳統與當代迅速交替的北京，親眼見證了家鄉過去十幾年的巨大變化。從北京林業大學畢業後的幾年裡，他往返於中國與歐洲，積累了大量的國際行業經驗，於2012年成立了中國具有代表性的獨立產品設計工作室 — Frank Chou Design Studio。他擅長捕捉材料與事物的本質，創造優雅且具有時間感的作品，努力尋找屬於中國現代且與世界同步的設計表達方式。此外，周宸宸以設計師與戰略合作夥伴的身份與許多國際品牌合作，多次受邀參加國際設計展覽、論壇等活動，獲得來自世界各地的高度關注。

他的最新系列作品將其設計思維更完整的描繪出來。這款簡約舒適的Middle椅，靈感源自中國傳統竹椅；Combo沙發提取了手工軟包工藝最具代表性的技藝，用模組化的現代設計手法重塑「經典」，滾邊、繃扣、捏邊等每種工藝背後都承載著不同時代背景下材料技術的革新、審美思潮的興起；充滿幾何元素的Stack桌，其斑駁的黃銅飾面，同時結合了建築與藝術的美感。

陳福榮 CHEN FURONG

「理想的設計是揉和了功能、形式、審美、與用戶體驗。」

陳福榮，2014年創立設計品牌WUU，致力於研發適合當下使用方式與體驗的傢俱日用品。2015年獲《安邸AD》「最佳中國設計新星」。2017年作品「T系列燈具」獲「IDEAT FUTURE AWARD理想家未來大獎」。作品及專案受邀于米蘭設計周等各大展覽。

WUU的產品涵蓋日用品、燈具與傢俱三個板塊。燈具部分包括榮獲IDEAT Future Award最佳照明產品的T系列燈具，與充滿詩意與張力的STARGAZER行星系列燈具。日用家居產品除了了以水泥、銅材質為主的容器與文具系列之外， 還有靈感來自意大利畫家George Morandi的精美全鋁花器系列。2018年WUU開始進入傢俱領域，除了已經推出的AXIS邊桌、Blueprint藍圖桌等單品之外，更多傢俱產品也即將問世。

蔡烈超 MARIO TSAI

「用最少，造更好」

產品設計師蔡烈超在設計過程中一直秉持著「用更少，造更好」的節制化設計原則，以此實現溫潤的極簡主義的美學狀態。在北京林業大學就讀時主修傢俱設計與製造，2011畢業後在北京的一家大型傢俱廠作為設計師工作兩年，之後半年窮游的歷程讓他希望去體驗不同的生活方式，所以2013年搬到杭州後與弟弟合夥開了一家有意思的商店，並于來年成立蔡烈超工作室，這也是他好奇心不斷驅使的成果。目前蔡烈超的客戶來自中國、義大利、丹麥及挪威，包括由愛馬仕集團在中國成立的品牌「上下」、中國傢俱品牌「造作」以及丹麥設計品牌「Ferm living」。2015年至今在全球各大設計展如米蘭、倫敦、上海與斯德哥爾摩等都能看見他的作品的身影。

專注於可持續化的研究型設計方式，蔡烈超將材料潛在屬性的研究和新的應用方式的探索作為主要的研究目標，以更少的材料和程式來達到溫潤的極簡主義的美學狀態。他的小豬邊桌設計出發點源於材料市場發現的帶有儲物功能的粗鋁管，加上四條腿和桌面，一個形似小豬的儲物邊幾就誕生了。多功能的雙半圓鏡不僅僅以鏡子和裝飾功能存在，鏡片後面的網格和線條分別可以收納小物件和傘，光線透過網格形成的光影美麗迷人。

楊泓捷 HONGJIE YANG

「我的許多創作都在尋找一種人和自然之間高度共生的美學觀點。」

楊泓捷在中國出生成長，之後在美國和荷蘭學習設計，並于荷蘭埃因霍芬設計學院取得情景化設計（Contextual Design）碩士學位。過去12年以來在海外生活，於2015年在荷蘭創建自己的工作室，並定居於荷蘭。他憑藉強而有力的作品來探索自然與文化、原生與後天人造間的差異。過去幾年，他的作品在多國設計周， 藝廊及其博物館展出。（ 如荷蘭的Dutch Invertuals, 米蘭知名藝廊Rossana Orlandi，的設計展如巴塞爾和邁阿密的Design Miami , 紐約的The Salon Art + Design等）

楊泓捷的創作充滿概念性。很多作品遠觀看似自然形成，但是近距離觀察後能夠看到人造科技在這些作品形成中留下的痕跡。石頭一樣的機理逐漸向刀鋒的一般的面和線蛻化。這種複雜且細緻的變化讓他的作品渾然一體且充滿了神秘, 他們就像來自地外遠古文明的遺跡。這些物品描繪了一種渴望的人和自然合一共生的關係。

李希米 XIMI LI

「我在不同國家與地區的經歷，對不同文化的理解與感受，以及我的想像力都對我的創作產生了深遠的影響。」

工作室位於上海的李希米擁有中國美術學院工業設計學士與米蘭理工大學傢俱設計碩士學位。在意大利，他曾與位居業界領導地位的設計大師Andrea Branzi和Luca Trazzi共事；返回上海後加入如恩設計研究室（Neri&Hu）擔任了六年的如恩製作首席設計師，並於2016年成立李希米設計工作室和傢俱品牌URBANCRAFT。李希米致力於全球文化的融合，追求品質和精湛工藝，創造出結合東西方文化的經典作品。

URBANCRAFT的產品系列包括獲獎無數、以不鏽鋼、皮革和橡木製成的嫁妝梳粧檯，其靈感源於中國傳統首飾盒；不銹鋼與胡桃木製成的圓系列則簡約而優雅；以及由水磨石、玻璃及大理石組合，緊密結合而成的3件式電視櫃/咖啡桌系列。

陳星宇 SING CHAN

「設計的目的是發現存在於人類社會上的重要問題並提供解決方法。」

本土創造(BENTU) 是一個極具實驗性、探索性，無界限、跨界的獨立設計品牌，關注中國當代社會快速發展所造成的問題，以設計為基本手段，通過用一系列的實驗探索更多的可能，讓不同的材質回歸它的本質，還原它的獨特肌理，製造成符合我們日常生活需求的產品。設計團隊以許剛、陳星宇、彭增、陳維康、曹浩昌等一群年輕人為核心力量，創立以來贏得IF、紅點等眾多國際獎項。

本土創造水磨石系列，骨料源自雲浮——世界最大的石材加工基地之一。依託傳統石材產業的龐大采量和低廉造價，水磨石一度獲得快速發展，成為細分產業。細碎斑斕的花紋作為本土化的一種特徵，不僅是對中國八九十年代日常的樸素描述，還見證著在經濟全球化與科技發展衝擊下的今天，陳舊的石材生產系統乃至當中每個個體的掙扎求存。本土創造嘗試回歸水磨石在中國最原始、最深刻的形態，以現代設計思維重新定義水磨石工藝，進行量產化升級，生產出符合大眾日常生活美學的產品，這種嘗試是否又能為陳舊的石材產業鏈帶來一些創新與活力？

via MAISON&OBJET

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN