2019漁光島藝術節「海島新樂園」台南登場!8組台灣藝術家、11組裝置藝術奇幻島、秘鏡亮點

2019漁光島藝術節-游文富《奇幻島》、漁光島白馬

來去台南漁光島放空一下!2017年底登場的首屆台南漁光島藝術節,為期短短一個月的展覽,即吸引不少人走進台南美麗海上後花園,感受愜意風情與藝術薰陶。如今睽違一年多時光,第二屆2019漁光島藝術節將在3月30日再度登場,並從「樂園回憶」出發,以「海島新樂園」為主軸,試圖結合「兒時回憶」與「自然地景」及「樂園想像」來討論漁光島的過去、現在及未來!

 

擁有迷人海景、無敵夕陽,位於府城安平港南側的漁光島,多年來僅藉著漁光橋與府城相連,對外地人來說,它像是藏著美好能量,充滿神祕韻味的淨土,然而這片擁有特殊人文地景的海邊秘境,其實在歲月之間存載著許多四、五年級生歡樂的兒時回憶,秋茂園內的八仙、西遊記、十二生肖、母子像、牧童騎牛等雕像,都曾是紅極一時的熱門拍攝景點,儘管時光流逝,回憶卻不滅。

 

 

為了重現這股海島新樂園熱情,在台南都市藝術工作室規劃下,廣邀七組台灣藝術家、團隊,包含在第一屆漁光島藝術節打造出高人氣作品「迷霧森林」的創作者游文富,及曾經參與威尼斯建築雙年展的建築繁殖場團隊主要成員鄭乘騏,所帶領的南藝大建築所 場域.結構.行動組外,還有梁賴昌、參與阿姆斯特丹藝術燈節的UxU有用主張、新銳設計團隊彡苗空間實驗,以及與當地居民、國小生共同為漁光島創作等11組台灣藝術作品。

 

 充滿天馬行空想像力的創作,搭配上當代藝術家們的視野,團隊盼望漁光島藝術節能開展屬於每個人與島對話的獨特方式,以此路徑讓觀眾重新理解漁光島人文、生態豐富多元的面向,並與當地學校、社區、產業合作,在藝術節期間每個週末安排各類演出及工作坊、島上小旅行等,期使漁光島成為臺南有特色之離島藝術文化秘密景點,再次成為一個能不斷共創美好生命經驗的新世代樂園!

 

2019漁光島藝術節作品

1、游文富《奇幻島》

媒材/ 竹籤上彩(由黃漸層至白) 

 

在首屆打造出迷霧森林的藝術家游文富,這回將帶來大片竹籤裝置藝術。他表示自己曾在國小五年級造訪漁光島秋茂園,當時在斑馬上的照片更是令他印象深刻。《奇幻島》作品無疑是他對40年後的漁光島秋茂園心中的呼喚,在月牙灣的沙灘上,一個迷離又招喚不回時光的狀態,一隻白馬,配上如雪般的大量竹籤,是夢亦幻真,亦可能在網路上留下不少的足跡,相對於那時代小五的自己,是奇幻。

 

2、民眾照片徵集+都市藝術工作室《回憶成山》

媒材 / 木材邊框、鐵件、鏡面 

 

出來玩的當下人們最常做的就是拍照合影,從前到現在無一不是,此件作品由大大小小的相框象徵回憶組成一座山形,有些框出漁光島美景及正在島上嬉戲的人們,有些則為鏡面貼上老照片輸出,同時反映著正在島上玩耍的人們及舊時秋茂園老照片裡的元素及內容:例如奇異的神仙雕塑、牧童騎在水牛身上等。

 

本件作品為策展團隊都市藝術工作室與民眾參與活動,於前製期辦理「徵選老照片」活動,最後集結選出7張最具代表性與秋茂園經典的合影,將這些老相片中的元素整合濃縮,重新輸出進大大小小的框中鏡面上,而兩面不同的效果,也使島上遊憩的人們與秋茂園風光時代的風貌同時合影,讓曾經的歡樂出現於現在,將現在的合影留在未來。

 

3、彡苗空間實驗《海風Disco》

媒材 / 金屬鐵件、彩色壓克力、彩透門簾等

 

陽光、海風、餘暉,在每個造訪的人心中留下被溫柔色彩包覆與海風輕拂的美好記憶,串聯起從前與現在,是漁光島難忘而愉悅的身體經驗。跟著逐漸攀升的風車,《海風DISCO》像是個小小漩渦,把人們吸進這色彩交疊的萬花筒,隨著太陽緩緩移動到海平面,風車帶動光線的位移與顏色自由變化舞動,將沙灘的美好時光,轉化成風和光交織韻律的場所,在漁光島的海濱落印下斑斕的漁光。

 

4、UxU 有用主張《虹樹林》

媒材 / 烤漆彎管、五金、尼龍繩吊床

 

漁光島擁有濕地生態,過去也是漁民捕魚避風、臨時棲息之所,海域周邊有許多定置漁網及養殖棚架,可以想像漁民走進海裡打木樁及捕魚的鮮明畫面。

 

作品《虹樹林》就像一支支打在海裡的木樁,也像潮間帶上的虹樹林棲息在海陸之間,以一百多隻的金屬彎管,構築出仿若林間的空間感,並特別以彩虹色調營造作品的總體感,創造出繽紛的虹之林,讓人體驗驚喜夢幻的潮間場域。作品內部也設置四張吊床,讓民眾可以更悠閒的姿態在漁光島享受樂園般的追憶氣息。

 

5、梁賴昌《彩色泡泡》

歡樂的回憶時總是在出遊中發生,小時候跟著長輩出門玩,才有機會擁有一顆彩色的糖果,含在口中慢慢融化時伴隨著甜蜜的滋味跟許多泡泡的感覺。那些甜蜜的回憶,總在來漁光島時被勾起,彩色球體是回憶與彩色糖果味道的印象結合,透過球體內的彩色畫面,收納現在漁光島的歡樂風景,一點一點圓形窗景,格放出泡泡的畫面。

 

6、南藝大建築所 場域.結構.行動組《鯤》

媒材 / 木材、鐵件、網材等

 

漁光島的原地名為三鯤鯓,「鯤」原意為古代傳說中的大魚,而沙洲遠觀就像是大魚隆起的背部,所以「鯤身」延伸為沙洲之意。物換星移,黃秋茂先生於民國67年於漁光島興建海邊秋茂園,好幾代人因此有了童年在台南海邊遊玩的回憶。

 

此次團隊以鯤(大魚)作為概念發想,透過平台浮起於沙灘上,讓人坐臥於其空間感受裝置動態及風與浪潮的起伏,體驗漁光島最單純的人文風情,而你可以選擇走上平台,或是坐在舞台下方,各自享受不一樣的海灘樂趣。

 

7、UxU 有用主張《秘鏡》

媒材 / 鏡面不鏽鋼、金屬結構、鋼纜、五金

 

《秘鏡》一作品,在防風林之間利用矩陣排列的鏡面裝置圍塑出一個圓形空間體,整件作品因鏡面裝置反射週邊的景象,並使風景交疊在一起,形成奇幻的視境;鏡面裝置也使得作品本身彷彿融化在環境裡消失了一般,以一種最低的存在感去反映並且突顯環境的存在。

 

當靠進作品時,會看見自己的影像反射在被分割的鏡面裝置裡面,呈現出的不完整的形體,在存在與不存在之間,體現與自然不可分割的關係。 

 

8、漁光島居民+李提+都市藝術工作室《海中絮語》

媒材 / 蚵仔殼、麻繩等 

 

將漁光島的蚵殼編織成海浪設置於入島後第一個端景,暗示蚵仔養殖產業對於漁光島的重要性,此件作品為民眾參與作品,工作室將與島上居民運用島內推砌成山的蚵仔殼編織成一條大魚,吊掛於防風林樹中。

 

風從中吹過將這片片蚵簾拍打使其發出聲響,編織動作如同蚵仔漁民利用採收後牡蠣的空殼,以堅韌的繩子綁成一串,然後不斷垂掛在海水中,使蚵苗自然附著在空殼上稱為採苗的過程。藉由此作品展現片段的島上居民生活風貌。

 

9. 億載國小漁光分校 集體創作《虹橋》

安裝位置 / 漁光大橋

 

本屆漁光島藝術節也邀請漁光國小小朋友一起完成此件作品,運用透光壓克力板作為畫板,將關於樂園的想像塗鴉佈滿於漁光大橋上,陽光照射透過壓克力板將進島的步行路徑渲染成彩色,開啟人們對於樂園的想像。

 

10. 陳麗如&陳思涵《回憶拼圖》

媒材 / 金屬結構、壓克力、卡點西德、五金

 

為進入島內出入口的意象,《回憶拼圖》以過去漁光島秋茂園內的水牛與牧童為創作靈感,使用層層堆疊的壓克力色塊,組成抽象且色彩繽紛的水牛與牧童畫面,作品以相近於原物件的尺寸呈現,讓民眾有機會再次體驗當初水牛雕塑的巨大尺度。早年黃秋茂先生製造水牛與牧童的塑像,是希望勸勉世人勤讀精進,這次展覽藉由不同的手法詮釋水牛與牧童,除了緬懷過去的精神,也期許能夠為漁光島揭開更美好的未來。 

 

11. 徐婷&陳瑜辰《想摸海平面上的雲》

與虹橋相伴,漂浮在橋上方的《想摸海平面上的雲》,隨風優雅飄盪,作品由2019台南新藝術獎得主徐廷與陳瑜辰共同打造。如同寄居於漁光島的浮游生物,漂浮在海與天空之間,遊蕩在城市與自然的交界處。

 

呼應本次主視覺的漸層色彩,在陽光充足與日落時各自有特色,當人們踏上漁光大橋時,它像是熱情地與每一個人招手,而日落黃昏時,則以心滿意足的姿態做出道別手勢。  

 

 

2019漁光島藝術節周邊活動

為期23天的2019漁光島藝術節,除有11座融合地景的藝術創作,另外還有16件來自波蘭、荷蘭、巴西、澳洲於2018年與台南市政府文化局、台北教育大學與桑德基金會合作的「Ar/t/chitecture環境藝術創作展」作品。

 

展期間也將舉辦多場週末活動與工作坊,盼讓遊客在充滿藝術的氛圍中創作,在小島上感受不一樣的生活體驗。

 

「隨漁飄揚 」手繪風箏工作坊,適合親子同樂,可讓孩子選擇喜愛的色彩,在空白風箏上描繪夢想;「藍晒映像」則是採集漁光島當地植物,將腦海中建構的想像畫面,藉由藍曬氰版工藝顯影,紀錄當地之美。「漁光。海:漁網再生工作坊」使用回收的舊漁網,製作獨一無二的網編吊燈。

 

漁光島藝術節期間週末皆舉辦「漁光小旅行」導覽活動,帶領大家一同拜訪青蚵嫂,參訪地方宗祠、廟宇,透過地方耆老了解當地的故事,重新探索漁光島之美;最後伴隨海潮聲、漫步在木麻黃防風林裡,遇見美麗的月牙灣,細細品味漁光島上擺放的藝術作品。

 

2019 漁光島藝術節

展期:2019年03月30日(六) - 04月21日(日)

開幕活動 :3/30(六)

時間:16:00

開幕演唱會:徐佳瑩 

地點:漁光島月牙灣

https://www.facebook.com/yuguangartfestival/

 

文字整理:Ian Liu

via 漁光島藝術節

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雕塑藝術家何宇森個展《骨骼與根莖》即日起至2025年4月12日於谷公館展出,展覽由8件全新雕塑與相呼應的架上創作組成。長滿細毛的面容、柔軟坍塌的側臉、如毛怪的不知名生物體、下肢與植物交纏的健美先生……,何宇森將消融的人體雕塑骨架與根莖意象結合,以寫實的手法,創造出現實世界裡的超現實人物,挖掘隱於形體之下的內在力量。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森個展《骨骼與根莖》展覽現場。(圖片提供:谷公館)
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何宇森,《樁接》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,21x18x23cm/何宇森,《裂接》,2024,鋼鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,18x15x37cm。(圖片提供:谷公館)

骨骼與根莖,糾纏而生的力量

《骨骼與根莖》系列作品的出發點來自偶然的瞬間。陽光灑進工作室放置已久的油土人體雕塑,雕塑在光和熱的作用下逐漸融化,形體慢慢消失,最終露出裡面的骨架。這個過程,好像是關於生命的,也好像是關於結構本身的。融化的一刻,骨架,或者說支撐結構,開始變得突出,成了形體最後的痕跡,成了某種持續的力量。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《皮接 2》,2025,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,15x18x26cm。(圖片提供:谷公館)

作品以金屬和樹脂為材料塑造,同時使用了翻模技術。何宇森將這些消融後的骨架重新塑型,讓它們和根莖的形態融為一體。在塑造過程中,骨架和根莖之間慢慢滲透彼此,逐漸模糊了邊界;而翻模的過程,彷彿是一種記錄,將暫時性的形體固定下來,但那又不是靜止的——因為那些形態本身是在生長的。而隱藏在形體和結構裡的,是人們很少關注、藝術家希望能召喚出的內部力量,而不只停留在形體的表面。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《皮接 1》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,38x23x81cm。(圖片提供:谷公館)

「讓材料自己說話,塑形的過程由材料引導」

何宇森的雕塑語彙獨特,他的創作聚焦於材料與形態之間的關係,藉由流體材料的液化與固化過程,探索雕塑材料與造型的不同樣態,並挖掘物質世界中的隨機性與未知可能,試圖在自然與人工之間找到平衡。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《疊接》,2024,鋁、鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,58x56x120cm。(圖片提供:谷公館)

他曾在展覽自述中寫道:「我喜歡讓這些材料自己說話,讓它們的重力、流動和凝固自然發生,像是塑形的過程由材料來引導。」就如《南方雪》系列雖以植物形象為創作起點,作品像是從一根乾枯的花開始生長,不銹鋼骨架是其支撐;但創作過程中,何宇森讓流動的石膏與水混合,形成不可預測的狀態,讓石膏的曲線、鋼索的拉力、多層漆面的散光共同塑造作品。他認為這並不是在「復刻」植物,而是在建構一種新的結構和形態。《骨骼與根莖》系列也承襲同樣精神,讓消融的人體雕塑骨架與根莖糾纏、生長,表現出人的肉體與內心世界連結的狀態——時而堅韌發達,時而纖細柔弱。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森《南方雪》系列作品。(圖片來源:谷公館官方網站)

《骨骼與根莖 Skeletons and Rhizomes

展期|2025.03.0104.12

地點|谷公館(台北市松山區敦化南路1214樓之2

營業時間|週二至週六 11:0019:00,每週日、週一公休

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

在一部動畫中,背景美術通常被視為功能性大於藝術性的存在,但從2007年至今,德國策展人Stefan Riekeles持續探索、推廣這個領域,將一幀幀本沉默的風景帶進歐美也展回日本,而畫面中的建築,更是他關注的核心——這其中,是什麽讓他著迷?

20年前,世紀剛翻篇的2005年,Stefan Riekeles首次造訪日本。來自德國的青年立即被眼前截然不同的文化與美感所吸引,但還想不到,除了現實世界,即將對自己敞開大門的,還有更深邃無邊的另一個次元。

當時,他渴望能停留更久,卻眼看要沒有經費,恰巧一位正策劃動畫展覽的友人遞來邀請,順勢成為研究助理的Stefan,人生初次接觸日本動畫,便奇妙地走進東京多家動畫工作室,走進動畫幕後製成的核心。

一次,在《攻殼機動隊》(1995)美術指導小倉宏昌的工作室,那座虛構的2040年代巨型賽博龐克城市,以原作手稿的方式鋪展在他面前,極其複雜細膩的畫工和細節布局,憑空創造出一個既真實又異質的世界,那一刻,Stefan強烈意識到,「它們不只是動畫中的功能性元素,本身就是了不起的藝術。」

《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

但大眾普遍將動畫背景視為敘事的一部分,更關注最終的影像效果。不忍無數精美畫作,在動畫上映後似乎就這樣結束生命,Stefan動念,並在往後的日子漸漸確立方法:透過策展和出版,保存、推廣這個在日本動畫藝術中被低估的面向。

建築會說話

隨著逐年在動畫美術世界中的踏察與研究,Stefan也開始特別在意起其中的「建築」,「建築不只是裝飾布景,更能傳遞出作品的世界觀,直接影響觀眾如何感受故事的基調。 」

2016 年,Stefan於柏林建築製圖博物館策展《Anime Architecture》,並促成同名書籍(中譯:《日本經典動畫建築:架空世界&巨型城市》)在2020年出版,收錄近400張的珍貴草稿、原圖、分鏡、取材照片,空前地揭開了1988~2010年代日本科幻動畫經典的背後,美術設定與場景設計的面紗。

其中的作品,多是賽博龐克題材與風格,何以選題?Stefan解釋,「正因為賽博龐克動畫往往很依賴『建築景觀』來表達複雜的主題,它們本身就是一種敘事工具,能體現人們對於現代化的焦慮,也探索人性與科技之間的交互作用,創造出一個個既反映現實社會問題、又帶有沉浸感的世界。」

《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan舉例,導演押井守便善用建築來營造氛圍與情緒,在《攻殼機動隊》中,他大量使用標誌性的「純背景」畫面,其中的2040年代城市「新濱市」,混合了真實的香港市景和未來主義元素,「狹窄擁擠的街道、被雨水浸透的都市景觀,讓人產生迷失感,營造疏離和脫節的氛圍,呼應了故事對身分認同和科技發展的探討。」

《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

而 《AKIRA》(1988)中,設定在2019年的城市「新東京」(Neo Tokyo),則充滿高聳的摩天大樓、破敗的街區,氛圍狂亂,同時呈現出「進步」和「崩潰」,反映日本經濟繁榮時期快速都市化的集體焦慮,也鏡射出電影「破壞與重生」的主題,其中的建築設計則是受丹下健三等現代主義建築師之作影響。

還有靈感來自1927年德國同名科幻默片的《大都會》(2001),在人類與機器人共存的未來,導演林太郎將閃閃發光的烏托邦和工業化的反烏托邦並置,「這種二元性反映出社會的不平等,也是對不受控的技術革新的批判。」Stefan分析,「在其中,建築作為視覺意象,象徵城市的控制者和勞動階層間日漸擴大的鴻溝。」

《大都會》背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)

從手繪到數位

Stefan坦言,自己迷戀的日本動畫,更多是誕生自手繪時代——那些繪者一筆一畫,用鉛筆、筆刷、廣告顏料在紙張上實現的創作,讓城市景觀除了敘事功能,更多了一層真實性和藝術價值。

而自1990年代末起,數位工具興起,數位繪畫、3D建模和CGI技術讓製作流程更加高效,也提升了視覺的錯綜層次。他舉例,《大都會》和《惡童當街》(2006)便是混合手繪技術和數位工具完成,畫面前所未有地細膩,「不過,儘管數位工具能實現更高的實驗性和精準度,有時卻缺少手繪的溫度和不完美——而這種帶有手感、甚至是個人化的質地,也正是我和許多合作藝術家(Stefan視動畫背景為一門藝術,也以『藝術家』稱背景美術師們)一致認為的、『前數位時代』動畫所擁有的情感厚度。」

(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan參訪小倉宏昌的工作室,藝術家本人正翻閱與分享其手稿;Stefan目前正進行的最大計畫即是出版其職業生涯的大型專著。(圖片提供:Riekeles Gallery)

有趣的是,Stefan曾問小倉昌宏,他是否能憑藉畫風指認出自己的作品?但即便如他一樣經驗豐富、50年來繪製過成千上萬幅動畫背景的藝術家,常常也難以篤定某幅畫是否出自自己之手。

「我參訪諸多動畫工作室的其中一個目的,就是試圖釐清哪幅背景畫是由誰負責——這比想像中難得多!」Stefan感嘆,雖然繪者各有風格,但要在動畫中創造一個虛擬世界,是一項龐大的、需仰賴大量協作的工作,往往需一整個背景團隊在美術指導的帶領下緊密合作, 讓每一幀背景都達到一致的水準、呈現出統一的視覺風格。

「事實上,小倉老師的不確定,恰恰證明了一個動畫團隊的成功。」他點出,這種合作性是動畫作為一種藝術形式的重要特徵之一,也凸顯了純藝術畫家和動畫美術指導之間的一大差異,「前者發展與眾不同的個人風格,而後者則必須抑制個人性,為作品創造統一的視覺語言。」

2021年,Stefan創辦Riekeles Gallery,致力提升動畫背景美術師的個人創作地位,強調其作品的技術性和藝術價值,同時獨家發行、販售高品質複製作,希望讓這門藝術形式受到更多關注。如今畫廊代理4位藝術家——小倉宏昌、大野廣司、水谷利春、草森秀 一,前三者都出身傳奇動畫美術指導小林七郎的「小林Production」,在那裡,他們養成透過簡約畫風帶出敘事深度的創作語言。

Stefan解釋,目前畫廊作品多聚焦賽博龐克主題,是因他個人對「動畫建築」研究計畫的著力,但這些藝術家們皆善於創造多樣的世界觀,畫廊即將更廣泛地展售他們其他畫風的作品,如近期即展出大野廣司在《魔女宅急便》中繪製的古樸海港小鎮風光;畫廊今年更將迎來多位新藝術家的作品,6月將展出林孝輔的《謝謝你,在世界的角落找到我》、《蒼鷺與少年》,他也正在籌劃《神隱少女》、《藍色恐懼》等背景擔當山本二三的回顧展,將其首次帶至歐洲。

《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)
《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)

矛盾與心動

在Stefan20年來策劃的多場展覽中, 2023年於日本谷口吉郎.吉生紀念金澤建築館的《動畫背景美術中的城市景觀》展,無疑是特別的——作品們回到了它們的原產國,但不再以隱身動畫中的一個環節,而是純藝術的角色被定格、單獨欣賞。Stefan分享,當時許多日本動畫業內人士,包括部分原畫藝術家,都對於這樣的詮釋感到好奇與驚喜。

自認是一位外來者(outsider)的他觀察,相比動畫產業已經和商業娛樂高度連結的日本,來自異文化、特別是歐美的觀眾,更傾向將背景美術視為獨立的藝術作品,能跳脫情節欣賞它們的工藝與細節。

但同時,他也以「做家務」比擬動畫建築的成功,「總是做得不夠好時,你才會注意到——它們還是必須支撐故事、激發預期的情感共鳴,且不能分散觀眾的注意力。」正是如此的矛盾性讓動畫背景迷人,也激發Stefan持續鑽研下去。他也相信,動畫建築富想像力又具功能性的設計,展現了空間結構能如何形塑氛圍和情感,也能為現實世界的建築設計帶來啟發。

那探索了20年後,好奇此刻什麼樣的動畫建築會讓這位研究者心動?

「老實說,這麼多年都待在『反烏托邦世界』,我現在更渴望多一些綠意和療癒——我想這也是為什麼在長期接觸《AKIRA》後,《魔女宅急便》會這麼吸引我的原因。」沒變的是,他始終對押井守曾說的一句話深感共鳴:「角色背後沉默的世界,才是導演傳達核心理念的地方。」而其中的建築,就是Stefan提煉給大家的,走入那個世界的密碼。

(圖片提供:Riekeles Gallery)
(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan Riekeles

策展人,專注於動畫藝術領域,2021年創立位於德國波茨坦的Riekeles Gallery,致力保存與展示手繪動畫背景美術。2011年策展「Proto Anime Cut:Spaces and Visions in Japanese Animation」,是歐洲首個呈現經典日本動畫原始概念設計與背景美術的展覽;2020年出版 《Anime Architecture》 一書,現已成為動畫藝術愛好者的重要參考文獻。其策展項目還包括「AKIRA - The Architecture of Neo Tokyo」(柏林,2022;美國,2024)及「Cityscapes in Anime Background Art」(日本,2023)。

文|李尤 圖片提供|Riekeles Gallery

更多精彩內容請見 La Vie 2025/3月號《建築還能怎麼觀看?》

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