2019新光三越國際攝影聯展登場!橫浪修、晏人物等37位台日攝影師作品齊亮相

橫浪 修Osamu Yokonami-療癒影像|攝影展「1000 Children」

「2019 SKM PHOTO新光三越國際攝影聯展」將於4月3日起,於新光三越台北信義新天地A9 9F盛大開展,本次共集結37位影像藝術家、300幅影像故事,展區共分為A區以及B區!

 

A區展覽包含「2019新光三越國際攝影大賽得獎作品展」、「SKM PHOTO影像敘事特展室」、台灣攝影名家─吳東興「時序.影像」攝影展。

 

B區則以人像攝影為主題,邀請到日本空氣感療癒影像大師-橫浪修Osamu Yokonami以及三位台灣新生代攝影師-吳建衡、徐聖淵、張晏廷(晏人物)同台展出,帶來一系列撼動人心的影像盛宴!

 

A區|免費參觀

2019新光三越國際攝影大賽得獎作品展

攝影是現代生活不或缺的一環,也將是你夢想成真的起點

攝影可以是瞬間唯美的片刻、可以是時光寫實的紀錄、可以是內心情緒的傳達,更可以是藝術美感的表現,在拍攝器材唾手可得的時代,人人都會攝影,但是能清楚的傳達自我風格的攝影視覺藝術,方能稱為是「攝影人」。

 

而「新光三越國際攝影大賽」正是一個為專業「攝影人」所創立的攝影視覺藝術平台,是個能讓您夢想成真的起點,活動藉由攝影者自訂主題,五張照片一個故事的系列創作競賽,讓攝影者在創作時重新「解構」攝影視覺藝術的角度,思考作品的起承轉合,分解觀景窗中物件元素所構成的獨有視覺畫面,傳達具個人且完整的創作概念及視覺藝術風格,挑戰自我,讓參與成為您夢想成真的起點!

 

 

SKM PHOTO 特展室-林誌聰.張雅雯.朱立葦攝影展

三個人三段故事,一窺攝影師鏡頭背後的攝影日記

「新光三越國際攝影大賽」秉持推廣台灣攝影藝術的理念,除每年舉辦攝影比賽、獎掖攝影人外,更期望能為攝影愛好者打造一良善展演平台;因此,為鼓勵當年度最受青睞攝影大賽得獎者持續創作,於隔年在「新光三越攝影聯展系列活動」中,公開再發表其個人創作,繼續彰顯攝影人自我獨特創作風格。


攝影藝術裡有著不同的影像記憶,記憶的構成或許是時光表現、是追尋夢想的初衷、是旅遊時隨感覺而擷取的畫面或是自己精心安排的架構所組成,但在攝影師的影像記憶中會是個什麼樣的世界,歡迎大家來到「SKM PHOTO 特展室」,欣賞這三位攝影師的影像續事。

 


時序.影像-吳東興攝影展

掌握不同「時序」的美感

台灣攝影名家,同時也是新光三越國際攝影聯展活動創辦人-吳東興先生,此次將以「時序.影像」為主題,紀錄生活中自然美景的百變姿態、感受「時序」緩慢流逝所帶來的絕妙美感。


「風景」是攝影最受歡迎的題材之一,也是熱愛攝影的攝影人初學時入門創作的最初素材,明 王文昌 在套曲中曾言「良辰美景天付與,正四海太平時序」,生活美景由老天賞賜予我們,而「時序」這件事,卻是攝影人需切身掌握的。不同「時序」的美感,甚至巧遇最美的幻變「時序」,正是攝影帶給我最大的樂趣,而「時序」本身也是個規律者,所以當「時序」在考驗你的攝影耐心時,你大可不必亂了方寸,靜下心來等候或是享受當下,用心感受「時序」所將要交付予我們的攝影課題。


B區|購票入場

療癒影像-橫浪修Osamu Yokonami攝影展

擅長補捉自然光線與純粹的心靈的日本空氣感療癒影像大師-橫浪修,擅長將少女人像拍得出神入化,作品總是讓人有和平、恬靜的感覺;其最具代表作品為《1000 Children》系列,以穿著校服的小女孩肩膊夾著水果為創作素材,當時為泰國兒童雜誌拍攝時,突發奇想讓小朋友結合當地盛產的新鮮水果拍照,雖然每位小朋友都穿上同樣的服裝,有著同樣的姿勢,但他們的神情、性格卻是截然不同的。《1000 Children》的概念又延伸到他另一個拍攝專題《Assembly》,以身穿制服的中學生為概念,在街頭猛然一看,會覺得是一個整體,細看後會發現每個人都是獨立的個體,個性相當鮮明。回歸到整體之後,每個人的個性又消聲匿跡,只看見集體的共性。

 

橫浪修Osamu Yokonami  

1967年出生於日本京都,1987年進入大阪視覺藝術學院就讀,1989年進入日本文化出版局寫真部,擅長捕捉純真、空氣感,曾拍攝蒼井優、新垣結衣、小松菜奈等日本女星,是少數商業與藝術兼具的攝影師;作品常見於日本各大時尚雜誌如《裝苑》、《Figaro》。

 

他們的世界-吳建衡攝影展

吳建衡Ed Wu,以一支電音三太子走訪各國的影片廣為人知,在旅行途中有感於世界上有如此多值得、應該、需要被知道的故事,而以「期望走別人沒走過的路」開始拿起相機,在2016-2018年間走訪多國,將故事帶回台灣與人們分享。

 

首次展覽將帶來駐地印度一年間記錄下的大小節慶,包括最廣為人知的Holi彩色節、印度教暴力女神Kali慶典、「東方威尼斯」烏代浦爾特殊的梅瓦王朝新年節慶;同時也帶來阿富汗帕米爾高原上冷冽氣候、與世隔絕的環境中,只屬於當地民族生活方式。也將以一張點閱率破百萬的人物肖像,來述說一路走來這一連串無與倫比的冒險故事。

 

台灣人文紀實攝影師─吳建衡 Ed Wu

2012年帶著一尊台灣特有的電音三太子神偶,遠赴印度拍攝台灣推廣影片,於網路上引發廣大迴響,後續獲得各界幫助,花費三年時間完成台灣三太子巡迴72國影片。現為專職紀實人文攝影師,目標是走別人沒走過的路;曾獲得 MIFA、MPA、IPA、TIFA等國際攝影獎項。

 

愛LOVE-徐聖淵攝影展

曾以《哭泣女孩》一書記錄下女孩們最私密眼淚的徐聖淵;用六年的時間,跨出台灣走訪北京、上海、京都、香港、沙巴等地方,與超過五百位素昧平生的女孩相遇,用相機凝結了她們生命中最悲傷的時刻。本次展覽除展出他的成名作《哭泣女孩》外,更帶來未曾曝光全新系列創作《無條件的愛》,以人類與寵物坦誠相見的平等概念,請模特兒想像「牠有一天會離開你」的情緒並記錄下來。

 

徐聖淵認為人類選擇另外一種生物當作寵物其實是一種安全的關係,可以毫無保留、放心地付出感情而不必擔心「受到傷害」,相較之下人與人之間相處的變化因子實在太多。他曾經失去過也受傷過,於是開始想要見證這種「無條件的愛」。


台灣首位獲法國PX3攝影獎攝影師─徐聖淵 Shengyuan Hsu

英國創意藝術大學攝影碩士,曾任中華民國總統府攝影官、台北市長專屬攝影師。2006年以自費出版攝影集《STRANGERS》成為首位獲得法國巴黎PX3攝影獎的台灣攝影師。2010年開始創作《哭泣女孩》,以相機蒐集超過500位女孩的故事與淚水,並以此項作品成為首位於北京今日美術館舉辦攝影展的台灣攝影師。

 

晏人物-張晏廷攝影展

張晏廷Timothy Chang,將以其經營粉絲專頁「晏人物」為名,舉辦生涯首次展覽,帶來這些年鏡頭下各類氣質男子的寫真記錄。本次將展出他兩大系列作品,以「愛人的凝視」為題,創作首部個人攝影集《EVERYTHING》,讓閱讀者想像一趟簡單、卻因為是和喜歡的人單獨同行而顯得奢侈的旅行,讓所有閱聽人把自己曾經愛過、暗戀過、著迷過的男孩投影在書中,彷彿一場無傷大雅的療癒之夢;《NIGHT AIR》企圖要擴張眾人對日常的野性想像,男子性感不總是來自尺度,同時也在於男子的神態捕捉以及光色變化,一反拍攝男性常見的室內攝影棚或是自然風景,晏人物在街頭各自拍攝六位風格迥異的男子。透過鏡頭創作,開啟人們對於日常平板所覆蓋之下的性感想像。

 

 

博客來百大藝術類攝影作家─張晏廷 Timothy Chang

1993年生,國立台灣大學工商管理學系畢業。於20歲課餘時間接觸到攝影,著迷在男子攝影一途。2014年夏天,拍攝台大盃男排全明星賽宣傳,透過社群及各家媒體的熱烈轉發,於台灣發跡,其作品遍及台灣、日本、泰國等華人地區;2018年以個人第一本攝影集《EVERYTHING》空降各大書店該類排行冠軍,成為當年度博客來百大作者藝術類作家。


2019 SKM PHOTO新光三越國際攝影聯展資訊

4/03(三)-4/22(一) 新光三越 台北信義新天地A9 9F

5/16(四)-6/03(一) 新光三越 台中中港店10F

6/06(四)-6/24(一) 新光三越 高雄左營店10F

※ 上述各場展覽日最後一天僅開放至晚間6:00止

更多資訊可洽官網

 

via 新光三越

延伸閱讀

RECOMMEND

谷公館推出何宇森個展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏、現實也超現實的雕塑實驗

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗

雕塑藝術家何宇森個展《骨骼與根莖》即日起至2025年4月12日於谷公館展出,展覽由8件全新雕塑與相呼應的架上創作組成。長滿細毛的面容、柔軟坍塌的側臉、如毛怪的不知名生物體、下肢與植物交纏的健美先生……,何宇森將消融的人體雕塑骨架與根莖意象結合,以寫實的手法,創造出現實世界裡的超現實人物,挖掘隱於形體之下的內在力量。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森個展《骨骼與根莖》展覽現場。(圖片提供:谷公館)
谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《樁接》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,21x18x23cm/何宇森,《裂接》,2024,鋼鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,18x15x37cm。(圖片提供:谷公館)

骨骼與根莖,糾纏而生的力量

《骨骼與根莖》系列作品的出發點來自偶然的瞬間。陽光灑進工作室放置已久的油土人體雕塑,雕塑在光和熱的作用下逐漸融化,形體慢慢消失,最終露出裡面的骨架。這個過程,好像是關於生命的,也好像是關於結構本身的。融化的一刻,骨架,或者說支撐結構,開始變得突出,成了形體最後的痕跡,成了某種持續的力量。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《皮接 2》,2025,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,15x18x26cm。(圖片提供:谷公館)

作品以金屬和樹脂為材料塑造,同時使用了翻模技術。何宇森將這些消融後的骨架重新塑型,讓它們和根莖的形態融為一體。在塑造過程中,骨架和根莖之間慢慢滲透彼此,逐漸模糊了邊界;而翻模的過程,彷彿是一種記錄,將暫時性的形體固定下來,但那又不是靜止的——因為那些形態本身是在生長的。而隱藏在形體和結構裡的,是人們很少關注、藝術家希望能召喚出的內部力量,而不只停留在形體的表面。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《皮接 1》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,38x23x81cm。(圖片提供:谷公館)

「讓材料自己說話,塑形的過程由材料引導」

何宇森的雕塑語彙獨特,他的創作聚焦於材料與形態之間的關係,藉由流體材料的液化與固化過程,探索雕塑材料與造型的不同樣態,並挖掘物質世界中的隨機性與未知可能,試圖在自然與人工之間找到平衡。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《疊接》,2024,鋁、鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,58x56x120cm。(圖片提供:谷公館)

他曾在展覽自述中寫道:「我喜歡讓這些材料自己說話,讓它們的重力、流動和凝固自然發生,像是塑形的過程由材料來引導。」就如《南方雪》系列雖以植物形象為創作起點,作品像是從一根乾枯的花開始生長,不銹鋼骨架是其支撐;但創作過程中,何宇森讓流動的石膏與水混合,形成不可預測的狀態,讓石膏的曲線、鋼索的拉力、多層漆面的散光共同塑造作品。他認為這並不是在「復刻」植物,而是在建構一種新的結構和形態。《骨骼與根莖》系列也承襲同樣精神,讓消融的人體雕塑骨架與根莖糾纏、生長,表現出人的肉體與內心世界連結的狀態——時而堅韌發達,時而纖細柔弱。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森《南方雪》系列作品。(圖片來源:谷公館官方網站)

《骨骼與根莖 Skeletons and Rhizomes

展期|2025.03.0104.12

地點|谷公館(台北市松山區敦化南路1214樓之2

營業時間|週二至週六 11:0019:00,每週日、週一公休

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

在一部動畫中,背景美術通常被視為功能性大於藝術性的存在,但從2007年至今,德國策展人Stefan Riekeles持續探索、推廣這個領域,將一幀幀本沉默的風景帶進歐美也展回日本,而畫面中的建築,更是他關注的核心——這其中,是什麽讓他著迷?

20年前,世紀剛翻篇的2005年,Stefan Riekeles首次造訪日本。來自德國的青年立即被眼前截然不同的文化與美感所吸引,但還想不到,除了現實世界,即將對自己敞開大門的,還有更深邃無邊的另一個次元。

當時,他渴望能停留更久,卻眼看要沒有經費,恰巧一位正策劃動畫展覽的友人遞來邀請,順勢成為研究助理的Stefan,人生初次接觸日本動畫,便奇妙地走進東京多家動畫工作室,走進動畫幕後製成的核心。

一次,在《攻殼機動隊》(1995)美術指導小倉宏昌的工作室,那座虛構的2040年代巨型賽博龐克城市,以原作手稿的方式鋪展在他面前,極其複雜細膩的畫工和細節布局,憑空創造出一個既真實又異質的世界,那一刻,Stefan強烈意識到,「它們不只是動畫中的功能性元素,本身就是了不起的藝術。」

《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

但大眾普遍將動畫背景視為敘事的一部分,更關注最終的影像效果。不忍無數精美畫作,在動畫上映後似乎就這樣結束生命,Stefan動念,並在往後的日子漸漸確立方法:透過策展和出版,保存、推廣這個在日本動畫藝術中被低估的面向。

建築會說話

隨著逐年在動畫美術世界中的踏察與研究,Stefan也開始特別在意起其中的「建築」,「建築不只是裝飾布景,更能傳遞出作品的世界觀,直接影響觀眾如何感受故事的基調。 」

2016 年,Stefan於柏林建築製圖博物館策展《Anime Architecture》,並促成同名書籍(中譯:《日本經典動畫建築:架空世界&巨型城市》)在2020年出版,收錄近400張的珍貴草稿、原圖、分鏡、取材照片,空前地揭開了1988~2010年代日本科幻動畫經典的背後,美術設定與場景設計的面紗。

其中的作品,多是賽博龐克題材與風格,何以選題?Stefan解釋,「正因為賽博龐克動畫往往很依賴『建築景觀』來表達複雜的主題,它們本身就是一種敘事工具,能體現人們對於現代化的焦慮,也探索人性與科技之間的交互作用,創造出一個個既反映現實社會問題、又帶有沉浸感的世界。」

《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan舉例,導演押井守便善用建築來營造氛圍與情緒,在《攻殼機動隊》中,他大量使用標誌性的「純背景」畫面,其中的2040年代城市「新濱市」,混合了真實的香港市景和未來主義元素,「狹窄擁擠的街道、被雨水浸透的都市景觀,讓人產生迷失感,營造疏離和脫節的氛圍,呼應了故事對身分認同和科技發展的探討。」

《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

而 《AKIRA》(1988)中,設定在2019年的城市「新東京」(Neo Tokyo),則充滿高聳的摩天大樓、破敗的街區,氛圍狂亂,同時呈現出「進步」和「崩潰」,反映日本經濟繁榮時期快速都市化的集體焦慮,也鏡射出電影「破壞與重生」的主題,其中的建築設計則是受丹下健三等現代主義建築師之作影響。

還有靈感來自1927年德國同名科幻默片的《大都會》(2001),在人類與機器人共存的未來,導演林太郎將閃閃發光的烏托邦和工業化的反烏托邦並置,「這種二元性反映出社會的不平等,也是對不受控的技術革新的批判。」Stefan分析,「在其中,建築作為視覺意象,象徵城市的控制者和勞動階層間日漸擴大的鴻溝。」

《大都會》背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)

從手繪到數位

Stefan坦言,自己迷戀的日本動畫,更多是誕生自手繪時代——那些繪者一筆一畫,用鉛筆、筆刷、廣告顏料在紙張上實現的創作,讓城市景觀除了敘事功能,更多了一層真實性和藝術價值。

而自1990年代末起,數位工具興起,數位繪畫、3D建模和CGI技術讓製作流程更加高效,也提升了視覺的錯綜層次。他舉例,《大都會》和《惡童當街》(2006)便是混合手繪技術和數位工具完成,畫面前所未有地細膩,「不過,儘管數位工具能實現更高的實驗性和精準度,有時卻缺少手繪的溫度和不完美——而這種帶有手感、甚至是個人化的質地,也正是我和許多合作藝術家(Stefan視動畫背景為一門藝術,也以『藝術家』稱背景美術師們)一致認為的、『前數位時代』動畫所擁有的情感厚度。」

(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan參訪小倉宏昌的工作室,藝術家本人正翻閱與分享其手稿;Stefan目前正進行的最大計畫即是出版其職業生涯的大型專著。(圖片提供:Riekeles Gallery)

有趣的是,Stefan曾問小倉昌宏,他是否能憑藉畫風指認出自己的作品?但即便如他一樣經驗豐富、50年來繪製過成千上萬幅動畫背景的藝術家,常常也難以篤定某幅畫是否出自自己之手。

「我參訪諸多動畫工作室的其中一個目的,就是試圖釐清哪幅背景畫是由誰負責——這比想像中難得多!」Stefan感嘆,雖然繪者各有風格,但要在動畫中創造一個虛擬世界,是一項龐大的、需仰賴大量協作的工作,往往需一整個背景團隊在美術指導的帶領下緊密合作, 讓每一幀背景都達到一致的水準、呈現出統一的視覺風格。

「事實上,小倉老師的不確定,恰恰證明了一個動畫團隊的成功。」他點出,這種合作性是動畫作為一種藝術形式的重要特徵之一,也凸顯了純藝術畫家和動畫美術指導之間的一大差異,「前者發展與眾不同的個人風格,而後者則必須抑制個人性,為作品創造統一的視覺語言。」

2021年,Stefan創辦Riekeles Gallery,致力提升動畫背景美術師的個人創作地位,強調其作品的技術性和藝術價值,同時獨家發行、販售高品質複製作,希望讓這門藝術形式受到更多關注。如今畫廊代理4位藝術家——小倉宏昌、大野廣司、水谷利春、草森秀 一,前三者都出身傳奇動畫美術指導小林七郎的「小林Production」,在那裡,他們養成透過簡約畫風帶出敘事深度的創作語言。

Stefan解釋,目前畫廊作品多聚焦賽博龐克主題,是因他個人對「動畫建築」研究計畫的著力,但這些藝術家們皆善於創造多樣的世界觀,畫廊即將更廣泛地展售他們其他畫風的作品,如近期即展出大野廣司在《魔女宅急便》中繪製的古樸海港小鎮風光;畫廊今年更將迎來多位新藝術家的作品,6月將展出林孝輔的《謝謝你,在世界的角落找到我》、《蒼鷺與少年》,他也正在籌劃《神隱少女》、《藍色恐懼》等背景擔當山本二三的回顧展,將其首次帶至歐洲。

《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)
《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)

矛盾與心動

在Stefan20年來策劃的多場展覽中, 2023年於日本谷口吉郎.吉生紀念金澤建築館的《動畫背景美術中的城市景觀》展,無疑是特別的——作品們回到了它們的原產國,但不再以隱身動畫中的一個環節,而是純藝術的角色被定格、單獨欣賞。Stefan分享,當時許多日本動畫業內人士,包括部分原畫藝術家,都對於這樣的詮釋感到好奇與驚喜。

自認是一位外來者(outsider)的他觀察,相比動畫產業已經和商業娛樂高度連結的日本,來自異文化、特別是歐美的觀眾,更傾向將背景美術視為獨立的藝術作品,能跳脫情節欣賞它們的工藝與細節。

但同時,他也以「做家務」比擬動畫建築的成功,「總是做得不夠好時,你才會注意到——它們還是必須支撐故事、激發預期的情感共鳴,且不能分散觀眾的注意力。」正是如此的矛盾性讓動畫背景迷人,也激發Stefan持續鑽研下去。他也相信,動畫建築富想像力又具功能性的設計,展現了空間結構能如何形塑氛圍和情感,也能為現實世界的建築設計帶來啟發。

那探索了20年後,好奇此刻什麼樣的動畫建築會讓這位研究者心動?

「老實說,這麼多年都待在『反烏托邦世界』,我現在更渴望多一些綠意和療癒——我想這也是為什麼在長期接觸《AKIRA》後,《魔女宅急便》會這麼吸引我的原因。」沒變的是,他始終對押井守曾說的一句話深感共鳴:「角色背後沉默的世界,才是導演傳達核心理念的地方。」而其中的建築,就是Stefan提煉給大家的,走入那個世界的密碼。

(圖片提供:Riekeles Gallery)
(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan Riekeles

策展人,專注於動畫藝術領域,2021年創立位於德國波茨坦的Riekeles Gallery,致力保存與展示手繪動畫背景美術。2011年策展「Proto Anime Cut:Spaces and Visions in Japanese Animation」,是歐洲首個呈現經典日本動畫原始概念設計與背景美術的展覽;2020年出版 《Anime Architecture》 一書,現已成為動畫藝術愛好者的重要參考文獻。其策展項目還包括「AKIRA - The Architecture of Neo Tokyo」(柏林,2022;美國,2024)及「Cityscapes in Anime Background Art」(日本,2023)。

文|李尤 圖片提供|Riekeles Gallery

更多精彩內容請見 La Vie 2025/3月號《建築還能怎麼觀看?》

延伸閱讀

RECOMMEND