從公開於世集體的歷史回憶，到潛於個人意識的私密故事，時尚攝影拓展了時代美學視野，也在人們心中留下深刻的印象，一張照片通往一個世界，讓人眼界大開的。

創造力出於自我表現的慾望

身為當代時尚圈最頂尖的攝影師，德國時尚攝影大師Peter Lindbergh與世長辭，享年74歲。崛起於1970年代，黑白人像是Lindbergh是最為擅長且廣為人知攝影手法，而他風格40年來如一日，直白、純粹又真實，「現實世界是彩色而平凡的，黑白攝影給人感覺很真實，我想從平凡中捕捉到不平凡的世界。」。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PDT 2019 年 9月 月 4 日 上午 1:31 張貼

從早期為德國生活雜誌《Stern》作品，到去年掀起話題的電影《一個巨星的誕生》（A star is born)劇照，更不用說無數超模與好萊塢影星，皆在他鏡頭下展現出最為自然、貼近自我的一面。黑白光影配上不多作修飾，富有詩意感的畫面，Lindbergh標幟新寫實主義風格深深影響時裝界，彷彿他能夠透過鏡頭捕捉那藏在上萬張面孔後的千絲萬縷。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PDT 2019 年 8月 月 9 日 上午 10:47 張貼

「當代攝影師的責任，就是要從對青春與完美的恐懼中釋放女性、最終解放所有人。」

在商業與藝術之間取得完每平衡，Peter Lindbergh是不少國際雜誌與品牌欽點指定的攝影操盤手，有如「影像詩人」般，細數他鏡頭下的繆思，凱特摩絲（Kate Moss）、娜歐蜜坎貝兒（Naomi Campbell）、辛蒂克萊馥（Cindy Crawford）、凱特布蘭琪（Cate Blanchett）等人，在過度修圖美化當道的年代，當凝視其作品，那份近乎原始，有如被看透靈魂的震懾攝像，更顯得難能可貴。作為成功塑造90年代超模形象的重要推手，他曾經如此形容當前時尚圈所遭遇的問題，「我們應該向世人展示和提醒這個世界處處擁有不同的美，然而美卻被商業綁架了。大眾開始相信那些刊登在時尚雜誌上才足以象徵美麗，我不麼認為，那些多的是過度修飾的怪物，它讓每個人並太地追求完美。」。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PDT 2019 年 3月 月 14 日 上午 10:29 張貼

黑白鏡頭下的真實之美

因此多年來，他始終秉持捕捉真實面的宗旨，多以女性攝影為主的Lindbergh，總能捕捉下最好的時刻，讓鏡頭下的被捕捉者能夠從容面對，也許形象百變卻相當堅毅自信，讓女性從青春和完美的恐懼印記中解脫，「失去了真實就沒有美麗，那些虛假修飾使人不再是原本的人物，不能稱之為美麗，留下的不過是荒謬。」。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PST 2019 年 2月 月 6 日 上午 10:08 張貼

若說近期最能體現他經典的創作風格，則非屬他受梅根王妃（Meghan Markle）之邀，為英國《VOGUE》所拍攝的2019年9月封面專題，在這個時尚界最重要月份刊物中，聚集了15位推動變革且具有正面能量的女性，包括推動罷課救地球、關注氣候變化的倡導者瑞典少女Greta Thunberg、 英國皇家芭蕾首席舞者Francesca Hayward、愛爾蘭作家兼社會運動者Sinead Burke和奧斯卡影后珍芳達（Jane Fonda）等人，通過鏡頭詮釋「改變的力量」（Forces for Change），一格格如明鏡般，充滿深沉強大力量的肖像照，重新寫下劃時代的新時尚語言。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PDT 2019 年 7月 月 29 日 上午 9:08 張貼

在Peter Lindbergh充滿人味的鏡頭底下，即便是模特兒群像，卻各自彰顯獨立性格，「他幫助許多女孩表達自己與眾不同之處，藉由鏡頭，她們發覺真實和原始的自我。」已故時尚老佛爺Karl Lagerfeld曾這樣形容Lindbergh獨樹一幟的風格。對於大師突然其來的驟逝消息，Peter Lindberg家人透過IG宣告悲傷消息，寫道「Peter Lindberg已於9月3日以74歲之齡逝世。他留下了巨大的空無。」，巨擘殞落惹人哀傷，然而其生前留下的美麗作品，終將永遠流傳，並持續影響著攝影創作者。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PST 2019 年 1月 月 4 日 上午 10:01 張貼

用鏡頭記錄柏林

除了攝影外，他也是電影與紀錄片導演，更被盛讚為「影像詩人」。在他的創作歷程中，曾受電影、記錄、街拍與新聞攝影等相關領域影響，作品往往傳遞出極為溫潤的人文關懷；回望當年，他也是首位將故事脈絡放進時尚大片裡的藝術家。

 

 

 

 

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Peter Lindbergh（@therealpeterlindbergh）分享的貼文 於 PDT 2017 年 11月 月 2 日 上午 10:10 張貼

由於成長經歷，他也受路易威登（Louis Vuitton）之邀，用最道地的眼光捕捉柏林景致，推出《Fashion Eye》攝影集。在他的鏡頭之下，不夜城柏林用挑逗姿態展開雙翼，而攝影集裡的每張面容、軀體、建築甚或風景，都寫下專屬於柏林的無盡生命力。

Peter Lindberg

1944年於波蘭出生，1970年代成名於德國時事生活雜誌《stern》，之後成為諸多品牌及《VOGUE》、《Harper's Bazaar》等時尚雜誌欽點攝影師。

Photo credit ：Peter Lindbergh

也趣藝廊推出《漂流（序曲）－沈昭良攝影展》，本次個展為藝術家自榮獲2024日本寫真協會國際獎，並於日本東川町文化藝廊舉辦大型回顧展後，首次於台灣完整展出「漂流」（Drifting）系列。

沈昭良於2015年啟動「漂流」系列，開啟地景攝影之路，展開對台灣近代歷史的敘情式書寫。此系列梳理過去十年來台灣內部包含殖民主義、國家認同、族群、冷戰、人權、原住民、生態、環境、能源等潛在課題，這些複雜且龐大的議題，都在沈昭良兼具寫實與敘情的拍攝視野中，轉為深邃的情感訴諸。本展邀請觀眾參與這場「漂流」，共同思索在歷史、政治與文化的漩渦中，台灣應如何尋找並確立自我認同與未來走向。

地景，是歷史記憶的載體

「對台灣人來說，特別是在解嚴之後，國家認同與疆界一直是內部分歧和爭執的根源。包括過往的歷史和印記，這些看似不見卻又潛藏的真實，正在形塑我們的命運發展和可能願景。」 —— 沈昭良

在「漂流」系列中，沈昭良將台灣的地理景觀和文化符號，視為國家認同與歷史記憶的載體，跨越時空與歷史縱深，表達了不同族群在變遷中的情感波動與生活面貌，並折射出台灣在多重歷史脈絡中的複雜命運。

「漂流」系列作品在歷史發展的脈絡下，援引直接或間接與具體歷史事件相關，或象徵、意喻和指涉的景觀，在視覺的編串中進行意義的置放，探討議題從殖民歷史到現代化的衝突、從族群關係到生態環境的變遷，所有這些台灣內部錯綜複雜的社會、文化與歷史面貌，皆在作品中得以交織，引領觀者進入一場具有強烈時代感的視覺旅程。

熟悉地景中藏有鄉土情愁、文化痕跡

「漂流」第一眼抓住你的或許是熟悉的天空、台灣特有的體感濕度、路燈；而後還看進了鄉土情愁與文化的斑斑痕跡，盡在細節裡隱隱發酵。每一處地景既是對台灣土地的真實呈現，更是對歷史記憶如何影響台灣人民的身份認同與文化傳承的細膩描繪。

透過沈昭良的影像語言，《漂流》將台灣的地理與文化景觀帶入全球視野，並在全球化與當代政治歷史爭議的背景下，梳理出台灣在當代藝術語境中的獨特地位與深遠意涵。

《漂流 (序曲) - 沈昭良攝影展》

展期｜2025.02.13－03.22

地點｜也趣藝廊（臺北市大同區民族西路141號）

La Vie雜誌2月號以「跟著光，尋找創作靈感」為題，封面照片選自日本攝影家水谷吉法的《Voices of flowers》系列作品，看似太陽的柔和光暈，其實是一朵刻意失焦的鬱金香。他因《Tokyo Parrots》裡怪誕的東京鸚鵡廣受國際矚目，並持續以快門記錄下都市裡微不足道卻充滿張力的瞬間。談起攝影不可或缺的「光」，他說：「我選擇不以言語去定義光為何物，希望透過攝影來表現並呈現某種形式的光。」

來自日本福井縣的水谷吉法，18歲時離開家鄉赴日本大學經濟學系就讀，在此之前，他不曾接觸過攝影或藝術。直到畢業前夕求職不甚順利的過程中，偶然接觸到攝影師羅伯．法蘭克（Robert Frank）的攝影集《The Americans》後深受吸引，自此開啟了對攝影的興趣。於是在大學畢業後，他進入東京綜合寫真專門學校，就學期間持續將作品上傳Tumblr和Flickr等社群媒體。儘管並無師事任何知名攝影師，但靠著網路世界的傳播，他漸漸在海外展露頭角。

2012年從專門學校畢業，短短兩年後，水谷吉法獲得荷蘭《Foam》雜誌「Talent Call」、LensCulture年度50大新銳攝影師等殊榮，2015～2017年間更陸續在東京、比利時、北京、瑞士、倫敦及巴黎等全球各地舉辦個人攝影展。首部攝影集《TAXI DIRTY BOOK》，也是他向瑞士的出版社自我推銷，最終在海外成功發行。這也是為什麼水谷吉法的日文訪談中，常常可以在標題看見「逆輸入」一詞，意指其揚名海外後，才在日本國內受到矚目的「反向輸入」特殊經歷。

在不起眼的都市角落打上一道道聚光燈

廣受海外矚目的《Tokyo Parrots》系列作品，毫無疑問也是水谷吉法的生涯代表作。從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡？」此一疑問出發，他花了一年時間追蹤群聚於東京住家附近的野生鸚鵡。他在傍晚至夜間時分朝著樹枝、電線桿打上閃光燈，捕捉了羽毛顏色鮮豔的鸚鵡們，在振翅時帶有些許神祕、怪誕的氛圍。

水谷吉法提到，每一張照片都是即興拍攝，「拍了整整一年，大概可以掌握到鸚鵡會在什麼時候、從什麼方位回到鳥巢，也曾嘗試過定點拍攝，但永遠沒辦法完全掌握鸚鵡的習性。」他也說明，最一開始其實並沒有加入人造光源，但發現打光才能呈現出夕陽西下時鸚鵡的鮮亮螢光色，便決定在拍攝中採用閃光燈，加強作品炫目、迷幻的要素。

正如《Tokyo Parrots》所示，水谷吉法十分擅長從都市中發掘題材。除鸚鵡之外，他也曾拍攝過計程車司機的執業登記證、罩上防塵罩的汽車及爬滿常春藤的建築。他說：「踏上攝影之路後，我開始仔細地『觀看』周遭，對映入眼簾的所有人事物都充滿好奇。」他一一捕捉這些散落於都市角落、易於被眾人忽視的光景，再帶來令人眼睛一亮的呈現。

2014年《YUSURIKA》及2016年《Voices of flowers》系列作品，也是水谷吉法在擷取都市風景時所誕生的。「YUSURIKA」意指常棲息於水邊的搖蚊，某一天，他在白天以閃光燈拍攝自然景致時，突然發現了映照在成像中如雪花般的白色光點，才發現是相機捕捉到了搖蚊的身影。「雖然攝影常是為了忠實地記錄下映入眼簾的景象，但這系列作品透過捕捉自然中的光點，更有巧思地重新詮釋了自然神祕之美。」

《Voices of flowers》系列則擷取了在東京、倫敦等公園拍攝的花草景緻，以色彩豐富的自然風景，重現水谷吉法心中春天的柔和景象。本期雜誌的封面正是收錄於此攝影集中的亮點之一，他在東京某處以長焦距鏡頭取景，讓畫面中央的鬱金香刻意失焦，藉此呈現出獨特的光暈美感。

探索數位相機獨一無二的表現方式

水谷吉法從20歲開始接觸攝影，除了初期曾短暫嘗試過底片相機外，近乎所有的作品都是以數位相機拍攝。他說明，這或許和他從15歲就開始用手機拍照有關，自然地更習慣操作數位相機。此外，他也積極活用數位相機獨有的功能，如2018年的《HDR_nature》正是使用HDR（High Dynamic Range Imaging，高動態範圍成像）技術之下誕生的作品集。

HDR指的是透過組合不同曝光程度的照片，用以保留照片明亮和陰影部分的細節，生成出最接近肉眼所見畫面的功能。水谷吉法在HDR拍攝的曝光過程中刻意地移動相機，任由相機從數個不同焦距、曝光的瞬間，拼湊出肉眼不可見的流動構圖和魔幻氛圍。「和相機忠實紀錄影像的特質正好相反，HDR功能可以創造出新的色彩、光線與世界觀，是數位相機獨有的創作方式。」

在2021年的《Higashikawa》系列作品中，水谷吉法更嘗試了在鏡頭前加入彩色膠片。此系列作品是參加北海道東川町駐村計畫時的紀錄，他提到，駐村期間曾有藝術家說：「看著彷彿畫布的雪白大地，就很想在上頭揮灑色彩。」對這句話深有同感，水谷吉法最終摸索出的解答正是使用彩色膠片，替東川町的冬日景緻染上一道道光彩。

持續捕捉自然的罕見現象

比起攝影師的頭銜，水谷吉法或許更適合被稱為都市裡的觀察者、記錄者，所有映入眼簾的人事物，都有可能成為他快門捕捉的對象。他對於童年時期穿透樹葉間隙灑下的陽光、反射在水田上的粼粼波光都記憶猶新，也熱衷於從建築中找出攝影題材。他特別鍾愛墨西哥建築師路易斯．巴拉（Luis Barragán）的作品，時常觀察其在空間中如何分配、調和色彩以及計算光線。

問及未來是否有任何想拍攝的題材，水谷吉法的回答依舊富有其個人風格—想拍攝「鐵氧化細菌」。這種微生物會在河川表面形成看似油脂的薄膜現象，在自然光的折射下，於水面映照出彷彿彩虹的光圈。他說：「這種自然的神祕現象非常有趣，但因為罕見，也很難發現。」儘管至今並沒有直接以「光」為主題的創作系列，但透過每一幀照片，他已為許多習以為常或難以察覺的生活一角，映照出炫目光景。

水谷吉法

1987年出生於日本福井縣。以都市裡各式自然為題進行創作。2013年獲頒JAPAN PHOTO AWARD，2014年入選Foam magazine Talent Call。在日本國內、英國、法國等世界各地舉辦個人攝影展。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜Yoshinori Mizutani}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》