每個人心中都有珍視、最無以取代之物，對設計師方序中來說，外公居住的屏東眷村老家，就是乘載著他兒時回憶、與家人親密情感的具體象徵。從二〇一五年起，方序中展開紀錄外公和眷村生活的「小花計畫」，他想提醒大家，只要我們深情地凝視並全心擁抱此些事物，無論相隔多遠，它們都不會消逝。

我從國小開始，寒暑假就會被丟回屏東東港的外公家，小時候對外公家的印象是眷村很舒服，屏東氣候很好，反而回到台北，會覺得北部常下雨天氣很不好。外公是軍官，住在共和新村的乙級宿舍，生活狀況在當年來看是很不錯的，每年夏天我都會穿著背心短褲，騎單車、游泳，當英文老師的外婆也會帶著我們看書。小時候根本不覺得屏東很熱，就像漫畫《抓狂一族》裡精力旺盛的主角小鐵，每天都在外面玩，覺得熱就泡進水裡，一直到出社會，正式開始有固定工作之前，每年都會回去很多次。

因為小時候的記憶，讓我對眷村的各種事物一直有很深的感情，我一直在擔心，眷村的房子和住在裡面的人逐漸變老，住民開始選擇離開這裡，年久失修的房子也開始腐朽倒塌，這幾十年間台灣各地不斷有拆除眷村的計畫在發生，但似乎沒有人意識到，眷村所代表的事物，是台灣很珍貴的存在。對我來說，從眷村的老屋和老物逐漸被拆毀散失時，會覺得我心裡最珍愛的家快不見了，是不是該做點什麼，開始會搜集很多關於眷村的資料，也會聽到很多聲音，知道哪裡又要被拆掉了，心裡一直很抗拒，還想過如果有人要拆掉我家，我一定會回去抗爭，一直想自己到底能做些什麼。

小花計畫的溫柔抗爭

但是我工作很忙，要為眷村做些什麼的念頭，在心裡糾結了快十年，直到二〇一五年，群眾募資平台開始盛行，人們不需要出門，只要上網就能幫助一件事情誕生以至於成功，透過募資能讓每個人都有存在感和參與感。當時我就在想，我在台北工作，如果也能透過募資行動，讓更多人在參與的過程中知道，東港不是只有燒王船、迎王平安祭典這些民俗活動，還有一個地方叫「共和新村」的眷村，它不只是老屋，它還是很多人寄託情感和記憶的具體存在，它快被政府拆掉了。我本來就是個性比較溫和的人，知道自己沒辦法聲嘶力竭的激烈表達自己的反抗，但我可以用自己擅長的展覽、作品、計畫方式，讓這裡重新受到注意。

二〇一五年第一次的「小花計畫」在信義區眷村文物館，以「小花。門裡門外家 寫真」攝影展呈現。當時我和攝影師蘇益良，在紀錄眷村的時候發現，很多廢棄、半倒塌或被剷平的房子的門和門框，都是整個建築最堅固的部分，可能當初為了支撐門的結構和重量，門框的地基也打得比較深，這些門框老物，它同時也是一個家的象徵，所以當時我們就以「門」做第一次展覽的主題。當時有人看完自己跑來告訴我，他也想回自己的老家走走，甚至有人真的在照片裡找到自己頹圮的家。當時文化部長和政府部門長官，也因為我做了這些事主動來跟我聊，雖然我沒辦法撼動政府的決策，無法左右最後拆或不拆的決定，但他們有聽到我的訴求，我們也知道這樣的做法，可以感動來看展覽的人。文化是生活的人創造的

文化從來就不是課本的硬知識，而是你一言我一句，

從大家的記憶裡拼湊起來的日常生活，也是房屋和物件使用者共同的記憶。

世界上沒有一個地方像台灣的眷村一樣，外觀是日式建築，卻有著外省人和台灣人居住的使用痕跡，房子會隨著住民的使用習慣改變，老屋和老物承載著生活記憶，點滴累積成我們所謂的「眷村文化」。當年我們搬到這裡的時候，房子的結構很簡單，因為所有人都等著要反攻大陸，一、兩年後才知道根本不可能，才開始在沒有圍牆的房子邊上，把圍牆築起來。我們家本來在後院的廚房，需要走下一個階梯，這是原本日本人的建築設計，但後來長輩年紀漸長，上下樓梯很不方便，才把廚房填高，原本日式宿舍的模樣就變了，還有人會在主屋旁，再多蓋台式住屋，增加住居空間，實體的建築和物件因此與人們的生活樣貌緊密相連，眷村的樣子漸漸變得很多元。這裡圍牆上都會留一個窺視孔，這也不是原本的設計，而是住在那裡的人，為了不用出門就和鄰居聊天，還可以窺看外面的車子特別挖的洞。這些事物的細節，沒有被記錄在教科書裡，對我來說，文化從來就不是課本的硬知識，而是你一言我一句，從大家的記憶裡拼湊起來的日常生活，也是房屋和物件使用者共同的記憶。

找回生活中的情感物件

「小花計畫」算是我的自發性活動，雖然主題很難想，當初連「小花」這個名稱也一度難產，但很明確的是，每年都是圍繞在外公和眷村事物的議題上，我很喜歡做這件事，可以讓我一直把這些東西放在心上，但手邊還是有其他的案子在忙，不太可能每年都花很多精神在上面。所以故意讓每年的規模不同，也是為了讓它自己有呼吸的空間。因為前兩年都是規模比較小，搭著其他展覽的主題呈現，去年和瑪莎、陳勇志聊到這件事，剛好跟我原本想和音樂結合的想法一拍即合，決定用流行音樂和藝術結合，讓更多人願意走進當代藝術館看展覽，也促成小花的專輯誕生。這也是「小花計畫」規模最大、籌備時間最長、最累的一次。

外公今年已經一〇四歲了，因為我持續地做這件事，讓我更常回去看他，我常常會突然出現，和他們吃個飯就離開，這樣蠻好的。「小花計畫」還會繼續發生，我也思考自己還能再做什麼，現在我會特別強調，我來自東港共和新村，久而久之這個本來沒有人認識的地方，開始因為大家接近我的作品、喜歡展覽裡創作者而主動靠近，開始對共和新村這個名字有印象，對眷村老屋有了些認識，或找回他們與自己生活中情感物件的連結，這樣也蠻好的。

口述 方序中

整理 詹筱苹

圖片提供 方序中、台北當代藝術館

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}