日本工業設計師柴田文江成名已久，自去年起她接任 Good Design Award 評審委員會主席，如何扮演總 舵手的角色？這座指標性設計大獎又如何定義「好設計」？這位設計天后給出了真誠而坦率的答覆。

設計出許多人氣作品的柴田文江，近期在台灣最具知名度的品項，莫過於與品牌「JIA品家家品」合作的「虹彩鋼賞味」食器，材質採用以專利技法製成的不銹鋼琺瑯；形體的設計上，顯然對於生活忙碌，居住空間狹窄的現代人生活情境有所省思，因此具備多種尺寸與深度規格，讓食器有如變形金剛，既能作為鍋具、餐盤，也能當成保鮮盒或便當盒來用，讓料理、上菜、收納、外帶，都能一「器」呵成！如同柴田過去的優秀設計作品，「該怎麼用」都交由使用者來定義。

喜歡台灣，設計天后為JIA設計模組化食器

「接下這個設計案，很主要的一個原因是能夠來台灣出差。」談到與JIA合作的經驗，除了向來喜愛居家類用品、對琺瑯創新技法感興趣之外，柴田也特別提及「喜歡台灣」亦是她迅速決定接下合作案的原因，「每次來到台灣都覺得很放鬆，完全不像是來工作。」她爽朗地笑談，甚至自認「也許上輩子就是台灣人！」

事實上，柴田的確對台灣不陌生。除了與JIA合作，近年來不少台灣的設計作品都參加了日本設計大獎Good Design Award的海外徵件，因此，於2016年開始擔任副評審長，且於2018年接任評審委員會主席的她，自然也對台灣設計有一定程度的印象。「台灣的作品給我一種輕鬆、愉悅的感覺，比較多元與開放，但又能兼具深度。」柴田提及台灣將老舊市場翻新的做法與概念令她印象深刻，「像新富町文化市場保留原有的建築物，修復它，但建築物內部也有所翻新，讓新與舊的事物、文化能有所交流。」她認為在這類新舊交融的案例上，台灣甚至比日本更為先進。

隨著2019 Good Design Best 100結果揭曉，值此之際，她對於透過評審工作來帶動Good Design Award對日本設計的發展與影響力，有哪些想法呢？

非典型領導，比較像是社團裡的社長

「我不是一個搖旗吶喊，要大家往哪個方向走的主席，而比較像是社團裡的社長。」柴田並不認為自己是一般認知下，以強烈作風主導組織走向的「領導」，她認為自己的主席職責在於促使評審委員們能透明公開的討論意見，令眾人在表達想法與彼此溝通上能夠更順暢，「讓每個聲音都能被聽見」，當眾人達成共識，她便會順著大家給出的方向來做。

這樣的領導風格，令人聯想起柴田為人稱道之處，正是擅長讓事物呈現原本的面貌，亦將「使用的自由」還給使用者。例如無印良品的經典商品「懶骨頭沙發」，當初品牌方給她的設計要求是一個簡單的概念：很舒服的沙發，最終她卻設計出「把坐的自由還給消費者」的懶骨頭沙發，這個懶骨頭可以坐又能躺，在各種場域裡都能使用，遠不只是一張「舒服的沙發」。當柴田擔任評審會主席，她也盡量將討論的自由還給委員，不過度主導，而是致力於協助眾人達成共識。

在評審委員都能自由表達立場的情況下，Good Design Award的走向無疑代表著相當程度的日本設計界共識。由於2018年的年度大獎頒給了由奈良安養寺住持松島靖朗所發起、旨在解決貧困問題的「寺廟零食俱樂部」；發起人既不是典型設計獎項得獎者，這項活動也不是一般印象中的設計物或專案，因此當時獲得了極廣泛的關注，不僅令設計領域以外的大眾津津樂道，也讓關切設計趨勢者對Good Design Award的走向有更多想像，例如將來是否更加推崇具有社會性意涵的計畫或設計物？

「奈良的寺廟計畫的確得到很廣泛的關注，但其實Good Design Award這個獎項內的設計全都帶有社會性。」柴田解釋，所有入選作品，細究其意涵都觸及了社會性，即便是一個小小的釘書機，在生產過程中的種種講究與探索，也是在回應使用者、大眾的需求；更重要的是「入選的設計，不是因為那是一件好設計所以選擇它，我們著眼的是設計能帶給未來改變與價值。」她說Good Design Award有如一份guideline，要帶領著社會與大眾朝著未來的方向前進。

有如Guideline，著眼於未來

說到這裡，她特別提出2019年Good Design Award的兩大主題「美」與「共振力」，以及台灣品牌作為案例來進一步說明，「美不是侷限在外型的漂亮上，像Gogoro，一台電動機車不只是展現外型的設計感，背後是針對人類正面臨的運輸和能源問題，提出一套切實可行的新方案，這樣的概念就是一種美；有越來越多人開始接受這個方案，這就是共振力的展現。」

「什麼才是好設計？」的提問，不僅是一座重要的獎項對業界、社會帶來的遠見與箴言；更是一個夠好的從業者在職業生涯中，時刻不間斷的捫心自問。「以前曾經認為只要設計一件好產品，就能讓大家得到幸福，漸漸的，我發覺事情好像不是這樣。」柴田坦言九○年代自己剛從學校畢業時，當時日本的社會，乃至於整個大環境都尚稱平穩，後來世界一再發生滔天巨變，經濟、環保、產業等種種壓力對人們的生活帶來重大影響，「一度我也疑惑著『還可以這樣一直設計產品下去嗎？』」這些思考促使她不斷地深化設計思維。

「並不是說，關切大眾或社會，因為想解決問題，就去接一個相關議題的案子。」柴田的革新實踐在每一個手上的設計案，為使用者著想，也讓設計物升級，賦予新的價值。這樣的設計就像是一場不動聲色的革命，消費者無需經歷外型與概念上的強烈衝擊，卻能得到「用的自由」，在充斥著各種壓力的消費生活中，這樣的革命的確是如沐春風。「雖然隨著經驗累積，對設計的理解有所轉變，但也有一些始終不變的心意。」她堅定地說，透過設計來使人的生活變得更美好，這樣的自我期許一直都在。

柴田文江

被喻為其設計宛如一股溫暖微風的工業設計師。畢業於武藏野美術大學，曾任職於東芝集團，於1994年創立工作室「design studio S」。設計生涯不僅獲獎無數，亦為諸品牌設計出經典商品如OMRON的溫度計、無印良品的懶骨頭沙發皆為代表作。2016年起擔任日本最著名設計大獎「Good Design Award」副審查委員長，2018年接任該獎項正審查長。

文│賴韋廷　攝影│黃少柔　
圖片提供│JIA 品家家品、Design Studio S、忠泰建築文化藝術基金會

（完整內容請見《LaVie》2019年12月號）

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN