身為台灣重要書藝家，董陽孜即使已過人生古稀之年，但面對創作永遠不嫌累，進來不僅跨界創作玩上癮，更希冀將中文字線條與書法表現之美，藉由不同手法詮釋下，向新世代傳遞東方文字美學，如今創作歷程屆50載的董陽孜，在臺北市立美術館（北美館）邀約下，舉辦回顧個展《董陽孜：行墨》，呈現她自1960年代起至今的創作，並依時序介紹其書藝創作的不同時期演變。

《董陽孜：行墨》本次展出作品多達94組件，展覽空間含括北美館一樓展場及二樓部分展間，為董陽孜首次大規模階段性回顧展覽。展覽亮點除了董陽孜極具代表性大尺幅書寫作品，其早年留美時期油畫創作更是首度在台展出，呈現藝術家創作發展歷程及其中各階段的風格突破。今年78歲的大師，創作力依舊旺盛，近年由她率領的《讀衣》五年跨界計劃，更讓人看見她源源不絕的創作力。不過對於此次接到北美館邀約，希望舉辦自己的回顧展，大師第一個念頭是「為何要辦回顧展，我又還沒死，我還有好多事要做！」，而後知道是階段性回顧展，希望透過其精彩作品，對台灣社會留下重要歷程記錄，她才因此點頭。 

1942年出生上海、十歲來台的董陽孜，大學就讀國立臺灣師範大學美術學系，求學期間曾先後向張穀年、丁念先、臺靜農、張隆延與傅申等書畫家請益。畢業後赴美國深造藝術創作，就讀麻州大學藝術系（1966-1968），主修油畫、副修陶藝。1970年畢業後於紐約從事平面設計工作，旅美期間曾獲全美創作設計展封面設計獎。同時期也於台美各地區參與書畫展覽。1977年返台定居後正式投入書藝創作。

60至70年代，董陽孜的書藝創作從臨寫古代碑帖入手，偏重顏真卿楷書和魏碑，後導入蘇軾與黃庭堅的行草筆韻，創作中溶入西方視覺藝術構圖，書寫呈現融合現代藝術與傳統書法的美學。筆力雄渾、奔放，書寫的字形結構佈局等自成一格，以獨特的書寫與詮釋，開創「文字藝術」的新風貌。

自70年代起，董陽孜對筆墨書寫創作開始實驗探索，運用傳統筆墨媒材、當代藝術構成，合併行、草等「書體」多元創作，展開一連串的多樣化實驗，直至90年代發展出行草並用，樹立起帶有書畫合一意趣的獨特風格。本次展出最長橫寬作品為1993年作《九歌》，橫寬逾十四公尺，1998年由北美館典藏入庫，經歷二十年首度公開呈現，實屬難得。

自2002年至2018年前後約十五年間，董陽孜奠基既成創作風格挑戰大尺幅創作。展覽之中十五件大開大闔的巨幅書寫，挑戰觀眾對書法作品的觀展體驗。對此策展人張芳薇分享，「巨大書寫對於藝術家的創作與觀眾觀賞均產生與傳統書法截然不同的挑戰。藝術家的書寫由書案式創作轉為環境裡的空間運動，作品的大面積對觀眾形成環境式觀賞，改變了傳統上作品與觀眾的關係。」策展人特別建議民眾，欣賞大幅作品一定要親臨現場、才能感受畫冊印刷與螢幕影像無法傳遞的震撼與感動。

除了致力生活書寫外，大師亦參與市民社會，如「臺北車站」大廳題字、「雲門舞集」與「金石堂書店」的識別字體、桃園機場海關「出境」及「入境」字樣、白先勇小說《孽子》、《臺北人》書封題字、周杰倫《蘭亭序》MV片名和《一代宗師》等，皆已深入民眾生活記憶，可以說是促使墨藝書寫走入生活閱讀的最佳代言人。近年董陽孜多次與時尚、設計、戲劇、流行文化跨界合作，使書法藝術與時代脈動緊密扣合。董陽孜表示自身對書法藝術的推廣，是希望能讓民眾重新熟悉我們文化中的文字藝術，亦能夠讓網路時代的民眾有機會提筆寫字，以書法美學傳承文化、影響更多人。

《董陽孜：行墨》全展以時序為主軸，試圖呈現藝術家的創作歷程，同時也展現了「現代書法」藝術發展的重要選樣。北美館館長林平強調，「藝術史書寫的任務，始終是北美館傾注投入的任務。董陽孜是台灣藝壇極具代表性的書藝家，本次策展整理董陽孜的創作歷程，是為現代書法與多元文化在台發展的多重梳理。」；儘管外界習慣稱呼她為書法大師，但董陽孜也強調自己不是書法家，只是以書寫作為藝術創作「媒材」，希望讓文字藝術不只保有傳統更具有當代性，稱呼為書藝家最為貼切，「我一直希望文字藝術能夠不受侷限，傳統之下，也能結合當代」。

董陽孜：行墨

展期：2019.12.14-2020.03.08

地點：臺北市立美術館一樓1A、1B及二樓2A展區

文字整理：Ian Liu

via 北美館

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}