你看見那道光了嗎？台中國立臺灣美術館將戶外空間變身為光影奇幻展場，藉由《光之書寫——2020臺灣國際光影藝術節》與7組國內外知名光影藝術創作者，以科技藝術、燈光藝術及跨領域創作為主軸，運用「光」媒材作品重新定義國美館場域，為觀者帶來藝術與科技交織下的視覺震撼。

以光影作為媒介與材料，藝術家打破對光既有物理特性的認知，強調空間與光影變化所造成的感官體驗，如同以光動態地「書寫」場域、觀者與作品之間的變化。藝術家透過創作向觀者挑戰經驗的不確定性，打開不同觀察視角的可能，展現藝術的價值。

有別以往多數位於室內空間的展演，此次展示以戶外作為主要設置地點，將國美館現有空間、草地、空橋、小山坡等處，藉由作品的設置，重新給予新的場域意義，使來往的觀者能夠重新體驗國美館，並在觀展的過程中，留下深刻的印象。光之書寫同時也比喻近年來所舉辦的城市型燈節，策展人們透過燈光節慶的舉辦，寫下每個城市的獨特性。

《光之書寫——2020臺灣國際光影藝術節》作品亮點

展覽序幕由台灣聲光藝術家姚仲涵所揭開，從2005年開始從事聲響創作的姚仲涵，曾獲得台北數位藝術節聲音藝術首獎，並多次受邀參與國際演出。他帶來兩組光電獸系列創作，以日光燈的噪音為媒材，融合日光燈閃爍的現場效果，透過光與聲音的呼應與對比，使觀者穿梭於日光燈獨有的聲音與光之中，經歷一場特殊而細緻的感官體驗。

光電獸系列作品，爲「現地製作」的創作計畫，藝術家利用聲音與光，與現場發生關係。《光電獸#15 東區》建築圖學的方法，讓觀眾可從不同角度觀看，唯有一個角度可以看到完整的圓形。

《光電獸#19 草與樹》燈光從草地的鋪面延伸到後方的樹叢，創造兩種視覺，一種是燈光物件的訊息，另一種是光影在樹叢間流動的視覺，聲與光穿越了兩個空間型式，透過觀眾的聲音互動，招喚光電獸，重新定義光、影與空間。

台灣跨領域裝置創作團隊「何理互動」帶來《頻道》作品，透過數個巨大不斷變化的方框，串成長型的通道，真實與虛構不再有界限，科技媒體終將成為一個與世界溝通的橋樑。

日本藝術家大西康明（Yasuaki Onishi）其作品總是圍繞著缺席與軌跡的主題，作品的呈現則都是使用簡單輕薄的材料，並與自然現象玩遊戲（如重力、結晶等）。他一邊使用日常性的素材加工作品，一邊捕捉看不見的現象和氣息並使之造型化，同時提倡極簡生活理念，用藝術詮釋「斷捨離」精神。拋棄大量五彩斑斕的顏料、繁複冗雜的裝飾，僅用塑料薄膜、線、膠水、樹枝等物料，完成一件件使人迷失在其中的作品。

此次《虛空邊緣》以塑膠袋在空間構成的大型圓柱，可隨著風扇的氣流而膨脹和收縮。螢光色的細線附著在袋子的內側和天花板。細線盤繞在塑膠袋中與天花板之間，隨著風扇產生有機的形狀，在黑暗中漂浮、發出微光並改變形狀。 

曾在去年於台北帶來光之饗宴的義大利籍設計師丹尼爾蒙特韋德（Daniel Monteverde），於1999年開始使用名為luminarie（義大利傳統輕雕塑）的藝術形式表現光影創作。luminarie是義大利南方傳統藝術，藝術家首先透過設計開始創作大型作品所需的單件作品，或透過草圖方式勾勒出大型作品的總體構想，然而設計每一個大型作品所需的單件作品, 再進行創作。這是一個相當花時間的過程，實際上所有環節都是手工完成的。

《星座》（Costellazione）這項沒有直線的作品象徵著銀河系中的一個星座，該星座由三個具有不同中心的天體組成。縱橫延伸的蛇形線象徵著星際雲。沒有直線的作品象徵著銀河系中的星座, 由三個不同天體中心所組成的星宿. 垂直跟水平延伸的蛇形線象徵著星際雲朵。《星星的使者》（Messaggeri delle stelle）這六件單獨作品象徵著星際中的旅行者，如冰冷的岩石或高智能的宇宙飛船，使我們想起了許多尚未發現的宇宙之謎。

丁建中《浮游》試圖透過光表現呼吸，凸顯人與自然環境的內在連結。裝置透過穿梭於樹林間的光體，藉由民眾接近與遠離，裝置間歇的明與暗宛如在呼吸的光般，透過「光」來探索日常生活中的場域與記憶，將當中片段、曖昧不清的心理狀態串聯成了體驗生命與藝術之間的意義歷程。

莊志維《森林裡的洋流》以光線反射、擴散使空間展現漂浮感。光是一種可被看見，卻又無法用被身體觸摸到的能量，這股能量具有「指引」的特性，不管是在黑夜中，或是心理與精神上。作品靈感來自和換環境相應的流動。在日間，作品輕盈如落於空間中的白色漣漪。當在黑夜中，流動的光照射在地面，像水波又像氣流般，一陣一陣刮起，引導路過的人在黑夜中進到安靜的園裡，黑夜冷冬中，一抹溫和的暖流，捲進人心裡。

以及位於室內201展覽廳的沉浸式藝術空間，將呈現由電波接受器（Sondes A/V Duo）藝術團隊所製作的作品《迴聲》（Échos），透過數位轉譯的方式讓更多民眾得以從不同視角理解臺灣藝術史的部分發展。

除了戶外展區的各式裝置作品外，電波接受器（sondes A/V Duo）為台法雙人音像表演團體，由台灣聲音藝術家與法國視覺藝術家林思柏（Sébastien Labrunie）組成，其創作《迴聲》（Échos）將於1月26日在室內沉浸式展廳展示，透過數位轉譯的方式，帶領民眾以不同的視角理解台灣藝術發展。

國美館林志明館長表示，期待透過台灣國際光影藝術節，將嶄新的藝術想像帶入民眾的日常生活中；希望能藉由藝術家獨特的美學，提升地方城市特色，也期望本次展演及論壇活動，能讓台灣光影藝術的能量得於國際舞臺上綻放。

光之書寫—2020臺灣國際光影藝術節

展覽日期｜2020 / 01/ 18 (六) −2020/ 02 / 23 (日)

展覽時間｜17:00－22:00 除夕及初一照常開燈 (2020/01/24-25)

沉浸式空間201展廳｜2020 / 01/ 26 (日) −2020/ 03 / 01 (日) 

展演場地｜國立臺灣美術館（正面外牆玻璃屏、迎賓廣場、E亭、星光草坪、空橋等戶外空間，與室內201展廳等）

展演地址｜臺中市西區五權西路一段2號

指導單位｜文化部

主辦單位｜國立臺灣美術館、交通部觀光局、財團法人臺灣美術基金會

展覽總統籌｜林志明館長

策展人｜賴駿杰、林長叡

策劃執行單位｜擷果創意整合有限公司

via 國立臺灣美術館

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}