每年集合家居設計、室內裝飾和生活美學的國際指標性展會的MAISON&OBJET，不僅是各大品牌新品的重要發布展會，想要在國際設計圈浮出檯面的新銳設計師們更是卯足全力。

展會期間，大會都會針對新一代的設計人才和來自特定國家的設計新秀「Rising Talent Awards」 ，2020年則回歸本屆展會—法國，並由著名藝廊總監、備受推崇的產品設計師或法國名聲最響亮的設計學院之一的校長，精心挑選出獲獎的五位設計師和一對雙人組設計師。

從Jean-Michel Frank到Joseph Dirand、Charlotte Perriand到India Mahdavi，法國設計一直以來在設計史中佔有極重要的地位。如今，這幾位被挑選出的設計師接下歷史的傳承，並帶來新的設計思惟和無數創新作品，而這些作品看似獨特的美學背後，通常具有相似的觀點和理念。卡蒙多學院（Ecole Camondo）校長René-Jacques Mayer說道：「目前法國設計的新興領域有兩個主要趨勢。首先，設計師與工藝技術之間建立了更緊密的連結，他們以傳統技術限量生產的作品為名，而非工業技術產品。第二個趨勢則是，這些年輕的設計人才對於椅子的簡約設計不再感興趣，而是致力於創造更具社會意義的作品。他們的主要目標是提供解決方案和產品的新用途。」

與工匠的協作　Adrien Garcia

設計師Adrien Garcia將自己形容為「一個野蠻且世俗之人」。Adrien居住在巴黎和南特地區之間的一棟17世紀城堡遺址，並從中汲取了大量靈感。他說道：「我需要像這樣一個沒有人的空間，甚至有點破爛，可以讓我一直充滿幻想和想像力。」；參賽的橡木長凳是最好的證明，其設計靈感來自他在教堂看到的一個15世紀的樣品，他使用城堡周圍倒落的橡木樹幹製作了許多家具。

Adrien正在開發他的第一個完整家具系列，其「簡樸的雕塑」風格深受Andy Goldsworthy等大地藝術家的影響，並偏好細緻且和諧的產品比例，以及使用如木頭或鋼制的珍貴材料。與法國工匠一起工作的經驗對他有很深刻的啟發，並致力於創造具持久性且可世代相傳的產品。

在重複中追尋變化　Julie Richoz

2020年一月展會所有的新銳設計師中，法籍瑞士設計師Julie Richoz絕對是最知名的。她與巴黎Galerie kreo藝廊和倫敦Libby Sellers藝廊合作，為歐洲重要的設計公司打造產品：與Tectona合作設計的戶外傢俱、為Alessi設計的收納產品Fierzo，以及為Louis Poulsen設計的吊燈Cité。

Julie Richoz表示：「我喜歡重複的概念，但必須搭配細微的變化。」Julie對於曲線的偏好十分明顯，並著迷於彩色玻璃，這個材料是她在馬賽玻璃與造型藝術國際研究中心（CIRVA）為一個住宅設計花瓶Oreilles時首次接觸，「光透過玻璃的方式能完整呈現玻璃之美。」。近期她也投入織品設計，而Binaire是代表作品（為La Manufacture de Cogolin設計、具不規則圖案的酒椰地毯）。至於她理想中的設計委託為何，她表示：「我無法從各式各樣的物品中選出一個明確的目標。」

色彩先行的新創作模式　Laureline Galliot

Laureline Galliot稱自己為「設計師和畫家」，「我顛覆了既有模式，色彩在設計中不再只是裝飾。對我來說，色彩將成為媒介。」Laureline使用新技術為作品賦予生命，她使用iPad和專為動畫設計研發的VR眼鏡與軟體進行電腦手繪。她用遊戲搖桿作畫的模樣，就像正在表演一段複雜舞蹈的舞者。Laureline對於作品的最終樣貌從未有先入為主的想法，而是讓螢幕上的虛擬筆觸引導她進行創作。

在巴黎ENSCI-Les Ateliers學習產品設計前，Laureline Galliot曾接受舞者和調色師的專業訓練。受到野獸派和德國表現主義畫派的啟發，她的作品既強調手的自發動作，又具鮮豔色彩和繪畫性。其作品包含一系列名為Contour et masse的彩色陶瓷，以及由Laureline設計、Nodus製造的獨特地毯Tufty。

跳脫具體美學的設計　Mathieu Peyroulet Ghilini

設計師Mathieu Peyroulet Ghilini於作品核心提出一個主要問題：為什麼每個產品都呈現一種特定樣貌？他在一組四件的支架產品Sophistication詳細研究了這個概念，「這四個支架的設計風格相異，傳達不同美學概念，但都出自我手。」他的作品有些莫測高深，偏好簡單的幾何形狀，不以具體的美學為目標，並對繪畫特別感興趣，他認為那是一種能獨立研究物體形狀並脫離生產過程約束的創作方法。

他曾為著名的Galerie kreo設計了Elephant Mirror，一面以象鼻形狀燈管為裝飾的鏡子。然而，他最富趣味的創作絕對是Mur de Sèvres，由繩子和瓷器所組成的懸掛式格狀隔板，其靈感來自藝術贊助者Marie-Laure de Noailles在巴黎宅邸內用來懸掛畫作的方格繩制牆面。

反思家電設計的二人組　Natacha & Sacha

巴黎雙人設計師組合Natacha & Sacha的Natacha Poutoux說道：「我們希望將設計帶往現今無法完全預測的層面。」她與合夥人Sacha Hourcade致力於反思家用電子設備的設計，認為以往的製造都過於依賴工程師。他們排除使用塑膠材料，竭力將其他材料融入創作中。其中一件作品為玻璃製的空氣加濕器，具有花瓶的流線外觀，同時配有陶瓷制的可攜式資料硬碟，不需安裝風扇，而是透過其形狀產生自然對流。

他們於2017年共同創立工作室，並於設計項目中展現對暖氣設備的高度興趣。於是Briques和Parterre誕生了，前者為配有帶電軌道、懸掛式的耐熱磚制分隔狀暖氣機，後者為繡有導熱電線的發熱地墊。其設計理念為讓位於產品附近的人體感到溫暖，而非讓高溫充斥著整個空間，且消耗的電量比傳統暖氣機少了16倍。

探索材質的秘密 Wendy Andreu

Wendy Andreu致力於探索各式各樣的材料。她說道：「我喜歡物品的重量、質地和氣味。」她的Regen「雨」系列產品，由深具創新性的材料製成。該材料由具乳膠塗層的棉質纖維組成，並包裹在由雷射切割的特製鋼材外面。

Wendy Andreu最初研發這種材料是為了製作一系列的手提包、帽子、雨衣和配件，上述產品如今已難以取得。最近，她開始使用自己研發的織品，設計多張體積龐大的坐墊式椅子，總共需耗時300多個小時製作。然而，Wendy Andreu最喜歡的就是創作過程本身，能透過產品表達理念對她而言是一種榮耀。她解釋說：「我並不認為缺陷需要隱藏，我也不追求完美或改善。否則看起來會很假。」

via MAISON&OBJET 

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN