紙，輕巧、脆弱，然而那超乎形而上的強大力量，讓人不容忽視。作為繪畫史中最常使用的載具，紙的作品總以平面視角觀看、並創造虛構的透視視角，然而紙是否只能作為書寫與繪畫的載體呢？以藝術巨擘畢卡索來說，這位20世紀最偉大的藝術家就曾巧妙運用紙結合線稿做立體雕塑，創作出《Head of a Woman, Mougins》讓人驚艷的雕塑大作。無獨有偶，德國前衛藝術家安格拉格萊札（Angela Glajcar）同樣玩轉紙的可能性，她直接讓紙作為雕塑材質，顛覆傳統柔軟認知，讓它擁有光影變化、空間節奏及重量！

身為當代前衛雕塑家的Angela Glajcar，其亞洲首個大型雕塑展  《Terforation紙的顛覆與構築》於近期亮相Bluerider ART 台北•敦仁，展出自2015年起，以紙做為雕塑主題的 《Terforation》 系列。「Terforation」 一字源自拉丁文的組合：Terra 土地、Foramen孔，透過紙的裂孔表現光影與空間關係。此次個展主要作品，包括一件長達六米、由二件三米紙雕組合而成的作品，自展場正中懸吊、懸掛的紙張連續重疊，並撕裂其中部分區塊，撕裂痕跡通過層層疊疊的光線折射，在紙邊緣及表面上產生了戲劇性的光影效果，紙張邊緣線條相對銳利，與內部撕裂的空間產生了強烈的衝突感，和動人的韻律感，另外包括7件中小不同尺幅單一無版次作品，展現多樣型態紙雕塑，由藝術家現場組裝創作。

在雕塑的意義上，極簡主義（Minimalism）將型態或色彩純粹化，像是美國藝術家唐納德賈德 （Donald Clarence Judd）在 1965 年所發表的概念特定物件《Specific Object》，便將型態或色彩影響降低至最極限，作品非繪畫也非雕塑，而是特定物體，呈現作品「此時此刻、存在於此」的當下狀態。Glajcar的作品同樣流著類似理念，她使用單一材質、單色的紙，突出紙的純粹性，而她再進一步顛覆這樣的純粹性，讓造型與空間更多變化，產生觀看的戲劇性效果。

當我們對照義大利空間藝術家盧齊歐封塔納 （Lucio Fontana），那在畫布上畫一刀的經典作品《Concetto Spaziale, Attesa》，企圖把平面繪畫及框外空間的界線打破，藉此挑釁觀者對「繪畫—雕塑—空間」的構築、想像與再出發。Glajcar雕塑作品正帶給觀者「空洞」的延伸韻律，透過精確的撕裂空洞，光線得以進入洞中，觀者看到由光影構築的多重空間，開啟對四度空間的想像。透過紙的顛覆、與空洞的撕裂、構築，意味著一種破壞性，在真實空間留下了傷痕。

Angela Glajcar作品具有深層的思辨，她對於人類存在的課題提出相反的兩個面向：動態與靜態、美麗與毀壞、光亮與沉重、律動與安靜。因為紙的本質，脆弱卻堅韌，誰能想到平時所翻閱的書本及紙張，可以懸掛在高空、自由地飄浮。撕裂產生的漩渦狀空缺，像是幾何形狀的隧道，毫無止盡地延伸，彷彿冰川或岩層上鋸齒狀的山脊與深邃的洞穴。Angela Glajcar作品關乎日常生活的空間、環境，並展現「紙」在光線、動態、時間、聲音的多種面貌，如此堅韌又如此自由奔放。透過紙的顛覆與構築，作品在此成全超乎現實所有的想像。

Angela Glajcar 

於紐倫堡美術學院取得藝術學士學位，現居住創作於德國。Glajcar 以紙為創作媒材，顛覆傳統、並透過紙作品本身的質量色系、重新構築光影變化及空間場域氛圍。其作品在許多知名大型公共藝術展出，如：科隆聖彼得大教堂、法蘭克福市文化部、傑克遜維爾當代藝術博物館、美因茨古騰堡博物館等大型場域，展現媒材極大的適應性、及改變空間氛圍的能力。作品永久收藏於美國傑克遜維爾當代藝術博物館、德國威斯巴登博物館、德國美因茨藝術與科學中心和奧地利的漢滕施密特家族等。

曾接受知名英國雕塑家Tim Scott的指導，Angela Glajcar做為一位前衞雕塑家，過去以鋼鐵、木質或玻璃纖維等材料主要創作，近年則專注在使用「紙」 的材質來創作。她的創作理念，除了探索紙這個媒材，具有顛覆傳統及其構築空間的雙重特性，透過紙作品本身，帶來的質量色系、改變空間光影變化及氛圍。她使用特殊紙，跳脫傳統對紙細膩、柔軟的觀念，筆直銳利的邊緣，呈現幾何塊面及延伸性畫面，也讓原有空間創造出新的想像。展出的場域，不只限於美術館等公共空間，也在其它讓藝術物件具有特殊意涵的空間，像是教堂與紀念館，她的作品改變觀者在這些特別空間的觀看方式，產生奇妙的視覺體驗，雖是非宗教性的雕塑，卻能從空間中產生嶄新的視角觀點、令雕塑展現特有的多重能量。同時，紙作為材料，吸收了周圍環境的光與色，因溫濕度產生捲曲，擁有一種暫時性的變化，Glajcar 讓紙自由地飛翔在空間中，綻放它的姿態及溫暖。

《Terforation 紙的顛覆與構築》 Angela Glajcar 亞洲首個展

地點：台北市大安路一段101巷10號1樓（Bluerider 敦仁館）

展期: 2.15 - 4.2

時間：Mon.-Sun., 10am - 7pm

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢