繼開館首檔展覽《荒島工神》後，台中工家美術館則選在春日到來之際，推出第二檔展覽《如果卡車頭是我家X檳榔攤是我的7-11》正式展開，扣合著工家美術館的精神與目標，這項展覽由東海醫院工作室負責人徐景亭設計師策畫，將工地中裝載原物料的重要交通工具「卡車」作為發想，以詼諧的形式將為工家美術館建構出一座充滿幻想的生活情境！

承襲首檔展覽作為開路先鋒與守護神祇般的形象，「卡車」與「司機」成為工家百工群像中的第二個想像，卡車與司機作為一個連結都市異質空間的橋樑，有著獨特的流動性，織起各地之間綿密的網絡，是隱於市場下的物流經濟學。而彼此之間的緊密性，不同於工地中的師傅，司機存在於卡車內的一方天地，形塑出各國卡車文化的樣貌，也成為策展人徐景亭在此展中的創作靈感。

結合現實與幻境 組構幽默奇異的生活情境

文化與各種形式的精髓，來自於他們對於各類社會關係的再生產所作出的貢獻。這次工家美術館邀請策展人徐景亭策劃工家美術館第二檔展覽，出身於台中的他，2013年開始在新北市三重發起的「黑色聚落」計畫，串聯多家老工廠，希望藉由老師傅的經驗，讓更多人認識、彼此交流進而活化產業；而同樣以台中為起源的工家美術館，則是期望能翻轉、重新定義工地美學與改善工地環境，兩者相同的以職人精神為出發，促起了這場合作的契機。

對應著座落於工家美術館基地後方的「土方工程」，每天有許多卡車運輸砂石土方來回往返，策展人也藉此實際探訪卡車司機的工作樣態。擅長以設計述說故事的他，因著過往策展經驗常需與運輸司機聯繫、運補與溝通，也從中了解司機大哥所處的卡車頭裡簡直是生活百寶箱。

卡車就像是司機們的神秘小天地，隨著不同人也擁有不同個性，徐景亭以一種幻想的方式，以孩童的視角想像著卡車頭是司機的第二個家以及居住於這狹小天地裡的生活，想像著建築工地每天進進出出的卡車與司機，在這被運補的動線中如何生活？如何工作？而龐然、居高臨下的尺度，也讓人想一窺究竟，卡車裡隱藏著何種生活情境？

卡車司機在長時間的路程中，街上繽紛的檳榔攤就成為司機休息的中繼站，尤其，在策展人探訪的過程中，不難發現他們是一群勤奮工作的人，為著生活與家計而奮鬥，如同得來速般的檳榔攤就是最佳選擇，吃的喝的都能輕鬆解決；再與我們的生活對比，人生長長的旅途中，也會有一處短暫休憩的地方，成為我們歇腳喘息的中繼站，休息充電後繼續向前。

在展場規劃中，透過裝置藝術的概念與手法來呈現出卡車頭的創意，將一種主觀的視角，綜合現實與幻想的情境，想像卡車司機就住在卡車頭裡頭，幻化成家的型態，帶領大家一起揭密這個家的構成，並以詼諧的組合手法，讓卡車頭變成家，檳榔攤則是便利小站，觀者能以輕鬆幽默的方式想像空間的可能性。此外，搭配這次展覽卡車與檳榔攤的互動關係，展覽門票亦運用檳榔攤的形象來呈現，策展人將檳榔盒重新設計，以大大的雙眼，提神一下，檳榔換上咖啡糖，讓大家提神看展去。

補充氣力亦要兼具環保概念：工家餐食2.0改版與最新工家餐具袋

自開幕至今與工家美術館合作的餐飲團隊「好食慢慢」，為了提供工地與師傅更好的飲食選擇，實際調查工地師傅票選受歡迎的餐食來重新規畫，2.0版工家餐食除了平日裡製作給工地師傅美味健康又吃飽的便當外，小食也大改版，並增加「銅板價」工家小食，這是依據工地師傅的下午茶後所研發出的「酥炸炸物系列」，讓師傅隨時補充好氣力。

此外，「工家美術館」以工地餐飲文化為發想的工地小蜜蜂則加入更多創意思維，除了維持小蜜蜂快速點餐功能，還增加了工家與設計師聯名選物，同步推出工家餐具袋。工地師傅的工具袋已是不可或缺的吃飯工具，而擔任工家美術館視覺形象設計的生活起物googoods設計師莊騏鴻則取其概念轉化為餐具袋，成為大眾吃飯的傢伙，可收納吸管、餐具、手機或物件，揹上身更成為裝飾配件，讓你跟工地師傅們充滿幹勁。

如果卡車頭是我家X檳榔攤是我的7-11

展覽日期：2020年3月31日-2020年6月28日

展覽地點：台中工家美術館 （403台中市西區館前路71號）

via 勤美學

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢