卵形設計主理人葉忠宜自2013年起，引進並翻譯日本字型大師小林章的《字型之不思議》開始，他為原本平靜的字型設計書市，激起了動人的漣漪，隨後精選日本 Graphic 社編輯部的出版內容，結合自製內容的《Typography 字誌》系列、與臉譜出版社持續企劃「Zeitgeist」書系等，皆喚起大眾對字體探索的重視。

從字體風格看出歷史演進

字體正代表著時代精神，因為文字的筆畫和骨骼，會因應時代文化或地域特性而有所轉變；換言之，從「字體的風格」也能看出「歷史的演進」。近年台灣設計界對於字型設計的關注度，越來越高，像自發性討論社團林立、字體募資專案的屢屢成功、學生紛紛以字體作為畢業製作等，都可以感受得到字型逐漸受到重視。

一張象限圖，標定與字型的緣份

葉忠宜會投入字型推廣，其實是意外。他大學修習管理學院日文系，後來僅是赴日進修日文，輾轉至京都造型藝術大學時，為了學習藝術攝影開始研究色彩學，並在一本書中，發現日本討論企業識別（Corporate Identity，簡稱 CI ），不僅講究顏色，亦重視字體。書裡畫了一張象限圖，從「古典−現代」、「嚴肅−輕鬆」等四個角度剖析各種字體的風格和印象。過去攻讀設計時，總只能在茫茫字體大海自行摸索的葉忠宜形容當時宛如「被觸發了什麼」般，這是第一次知道它們的「相對關係」。從此一頭栽進其中，努力學習相關知識。學成歸國後又感於台灣在這方面的討論和研究如同沙漠，才希望把國外的資源引進來。

▲ 穿上為體排印新浪潮學派之父 Wolfgang Weingart 書籍和展覽特別設計的衣服。

先鋒者的三高：熱血、行動和專業

在台灣要推廣從未受重視的字型設計，需要的不外乎是滿滿的熱情、超強的行動力，而葉忠宜還有第三個優勢：他自己也是設計師。

例如引入《字型之不思議》時，他是直接寫信給小林章本人。小林章不僅被他的直率和勇氣打動，同時也以日本人的身份前往德國工作，感受到跨文化的難處和引入歐文字體觀念的重要性，繼而全力支持葉忠宜的想法，兩人碰面後很快便談妥授權事宜。

▲ 由葉忠宜擔任企劃和翻譯的「小林章」系列，由王志弘設計，小林章本人也曾來台演講。

掀起字型旋風

當時小林章已經先有另外兩本專業性更高的歐文字體著作《歐文字體1、2》，但葉忠宜認為要打開台灣市場，得從更大眾的角度著手。《字型之不思議》原本就是集結部落格的隨筆而成，由精品品牌LV、經典電影《窈窕淑女》等一般讀者也會感興趣的案例談字型設計，簡單又吸睛，相當適合「打頭陣」。因為葉忠宜當時決心專心於小林章全著作的企劃與翻譯，於是邀請王志弘擔綱中文版的設計，王又幫忙牽線臉譜出版社，最後成功讓書籍問世，也有理由把小林章本人邀請來台灣演講，順利掀起一大波「字型旋風」。

《Typography 字誌》華文世界第一本字型MOOK

製作《Typography字誌》時，同樣仰賴高行動力和毅力。小林章的書籍主要針對歐文，但台灣以中文為主，讀者們需要更多元的養份來想像何謂字體設計。葉忠宜於是希望透過更「雜學」、也更「即時」的MOOK（Magazine+Book，發源於日本，結合書的扎實度與雜誌豐富性的刊物類型）形式推廣，二話不說飛去日本 Graphic 社編輯部。對方沒料到竟有人單槍匹馬來談授權出版，而且不是以出版社、而是設計師個人的身份。為了取得授權，葉忠宜又飛回台灣正式成立「卵形工作室」（oval-graphic），再以該單位的名義，終於拿到簽約，也打動了臉譜，一起合作出版。

▲ 目前剛出版完第六期的《Typography 字誌》將會暫停出版，完成階段性任務。

不馬乎的內容製作

內容製作上當然也絕不馬虎。考量到能同時駕馭「翻譯」和「字型」兩個領域的譯者不多，字型又再細分領域，所以像 Web Font（網頁字型）的章節，就特別商請全台最大字型論壇「字嗨」的版主 But（柯志杰）擔任翻譯，因為他懂日文，有工程師背景，能精準了解此領域的用語，還可以監修哪些日文內容已經不合時宜。翻譯日本字游工房創辦人暨設計大師鳥海修的文章時，則由曾當過他學生、字型設計師的曾國榕來執行，原汁原味重現老師的口吻。

字體選擇有學問

至於中文內容，光是字體選擇便大有學問。《Typography 字誌》選用的是「文鼎晶熙黑體」，此字體具備「通用設計」（Universal Design，簡稱UD）的概念，亦即「同時顧及大眾及弱勢者的需求為出發點」。關鍵在於，以中文字而言，其由各筆劃所包圍出的字腔較大，或用書法的九宮格來想像，各筆劃都遠離最中間那格「中宮」，呈現出「中宮放鬆」（而非中宮緊湊）的狀態。在這種情況下，即便字級相同，視覺上也會看起來更大，因此就算放成小字可讀性也高。然而應用在生活上，也適合做為交通指示用字，或利於視力不便者辨識。

▲ 葉忠宜編排《Typography 字誌》內文的工作畫面。（卵形提供）

▲ 《Typography 字誌》選用的「文鼎晶熙黑體」具有中宮放鬆的特性，就算放成小字可讀性也高。

知名設計師們一同參與支持

為了把這些珍貴的內容傳遞出去吸引讀者買單，葉忠宜替雜誌規劃的贈品找來了具有影響力的設計師來幫忙，像是力邀聶永真、王志弘、瑞士設計師 Michael Renner、韓國設計教父安尚秀，以及日本手繪字書籍裝幀大師平野甲賀，來替刊物設計附贈海報，像第三期《嚴選字型 401》，還附贈日本百年字體公司森澤（MORISAWA）和祖父江慎授權的字級表，美觀又實用，進一步說服更多讀者掏出荷包。

 ▲ 豐富且實用的贈品，更是大家收藏《Typography 字誌》的理由。

更經典、更扎實的知識累積

有了小林章的深入淺出，又有宛如懶人包般的MOOK創造話題，下一步，就是朝更專業的知識邁進。葉忠宜再度和臉譜攜手，企劃名為「Zeitgeist」的書系。「Zeitgeist」在德語有「時代精神」的意思，葉認為字體正代表著時代精神，因為文字的筆畫和骨骼，會因應時代文化或地域特性而有所轉變；換言之，從「字體的風格」也能看出「歷史的演進」。

 ▲ 由葉忠宜擔任主編和設計的「Zeitgeist」書系。

秉持這份信念，此書系朝兩大方向進行選書：一是在全球設計界都產生巨大影響、台灣卻從未引進的大師經典，例如以 20 世紀 最偉大的瑞士字體排印曁平面設計教育家 Emil Ruder 的《本質》 和字體排印新浪潮學派之父 Wolfgang Weingart 的《我的字體排印之路：沃夫岡‧魏因加特》，是從文化、科學、政治、社會等宏觀視角與隨社會變遷的成長脈絡來談論排印形成的原理；二是知識型、工具型的技術養成類書，例如《圖解歐文字體排印學》、 《文字排印設計系統》、《歐文排印細部法則》等 ，用諸多實例分析各種字體、字級、字距、 排版的變化效果，讓讀者能進一步學習並實作 。

 ▲《本質》排版畫面。（卵形提供）

作為書系的主編兼設計，葉忠宜展現出對細節的堅持。像他很在乎翻譯，若發現編譯出來的文字不順，會先和同樣熟悉日文的責任編輯、同時也是臉譜副總編輯的謝至平討論，還有疑惑就跑去找日文版做二次確認。「因為日本人翻譯很強，很多翻譯書也都有日文版，所以如果發現哪邊怪怪的，我會找日文版，再對照原文。」葉忠宜笑道：「應該很少設計師煩人又刁鑽吧！」

而籌備過程中，也有令他大感驚喜的時刻：由於書籍原文版本通常都是由大師操刀設計，因此收到原文版的 InDesign 編排檔案時，他就能親眼一窺「大師的設定」。例如像《本質》，無論原文或日文版，都由知名瑞士設計師 Helmut Schmid 設計排版。每一個字體的大小、每一個符號往上幾單位，都能全部攤開。像 Schmid 因為思考如何讓日文完美匹配原文的視覺閱讀性，會將特別選定的日文字型再進行微幅的伸縮調整，如此葉忠宜就會知道 Schmid 要的點是什麼。

即便「內容」一致，譯本卻幾乎是得重新來過的大工程。葉忠宜往往得至少思考兩天才能正式著手，後續反覆修改、校正更不在話下。他也很感謝從小林章的書就開始合作至今的最大功臣 — — 編輯謝至平。「至平的校稿與作業超細心 ，是超典型處女座的完美主義者。 」謝至平則笑道：「『堅持』是忠宜的正字標記，很不容易妥協。但他現在已經比起四、五年前認識時要和緩很多。」編輯和設計一樣，都是一門手工藝，得無數次和細節較勁，但也因此才能產出優秀的成品。

 ▲ 臉譜副總編輯：謝至平（左）；葉忠宜（右）

謝至平表示，由於「Zeitgeist」並非封閉型的書系，會一直執行下去，並依照授權談定的順序出版。以目前一年二至三本的出書速度，手邊的書單存量至少已備齊5年以上的出版量，有興趣的讀者絕對可以拭目以待。

「字體」就是我的收藏品

推廣字型的心願逐漸落實了，但葉忠宜並未忘記除了推廣以外，自己身為設計師該做的功課。翻開電腦裡的字體簿，裡頭有學生時期一直到現在，花費重金「收藏」的各種字體，還依照年代、大師、國家等不同項目進行分類。最近則是愛上蒐集2015年以後，國外冷門小型公司出的字體，「因為他們可以很外放，做出大家少見大膽且破格，但又好用的作品。」

 ▲ 葉忠宜的字體庫宛如編年排列的百科全書一般。（卵形提供）

換言之，對於設計相當堅持的葉忠宜，在字體尋找的路途上依然不停歇。像是中文的使用，他特別講究內文字體需要的工藝性，因此還尚未發現心目中完美的中文內文字型，因此他通常會先選擇高規（漢字量較多）的日文字體，闕漏字再自己補上，甚至標點符號、數字都會混用超過一個字型，以及不同的版面設定，來構成最想呈現的版面。他特別舉例，像是字游工房出品的「游黑體」就是他常用的字體之一。「雖然有 Apple 內建，但僅有字重版本『 Regular 』和『 Bold 』，若要用這字體排中文，則是位於這中間的 Demibold 版本最好用 ， 但必須另外購買 。 超賊的！最好用的東西都得另外購買。 」

更多相關資訊 《字物 Type Matters》

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當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN