德國柏林風格餐廳不下少數，座落普倫茨勞貝格區（Prenzlauer Berg）的KINK Bar & Restaurant，這間前身為19世紀中葉Pfefferberg釀酒廠的風格餐廳，隨著時代更迭與戰爭因素，從釀酒廠蛻變為承載美食、藝文與設計的特色餐酒館。

1990年柏林圍牆倒塌後，原為東柏林城區的Prenzlauer Berg因匯聚兩德文化的地域獨特性，吸引喜愛另類生活方式的中產階級移入。而落腳於此的Pfefferberg釀酒廠在荒廢多年後，當地居民集結力量，一掃其廢棄姿態改造為擁有藝廊、藝術工作室和展演場所的複合式空間，像是丹麥裔冰島藝術大師Olafur Eliasson便選擇於此打造個人工作室，而磁吸效應同時也讓室內設計師雙人組Oliver Mansaray和Daniel Scheppan在一年前決定進駐。

兩人用一年半的時間進行規劃KINK，以現代設計的手法裝修這個充滿歷史感的空間，挹注當代藝術的美感卻同時保留住舊建築原貌，為新空間營造出獨特的復古氛圍，並將餐廳、酒吧、烹調實驗室的驚喜體驗結合在一起。在KINK室內空間規劃上，品牌運用截然不同的色調，巧妙做出餐廳與酒吧兩大區域的區隔，同時營造出白天和夜晚的定位氛圍。

室內餐廳空間挑高格局，以白色調搭配溫暖木質的家具，並藉由大片落地窗引入自然光線，讓整體用餐空間寬敞明亮。因為重視空間中人與人之間的交流，兩人特別讓角落的座位緊鄰著開放式廚房，除了讓客人看到廚房內料理過程，更進一步加深廚師與客人在空間設計裡的互動頻率。

為了讓客人感到放鬆自在，在酒吧的專屬空間，磚牆使用木炭色營造出優雅慵懶的神祕情調，酒吧中島中央天花板懸掛著瑞士藝術家Kerim Seiler的霓虹燈裝置作品《Spaceknot》，超過100公尺的霓虹燈管以不規則的線條恣意纏繞，其狀似輕盈而律動的姿態，成為燈光幽暗中的最佳點綴。

喜愛老件的Oliver Mansaray和Daniel Scheppan也在大廳空間裡擺滿了懷舊經典家具，其中有部分擺設來自鄰近的古董市場。在酒吧空間裡啜飲一杯，可以選擇坐在色彩繽紛的Roche Bobois 經典Mah Jong sofa沙發區，欣賞背後牆面懸掛著德國藝術家Philipp Emanuel Eyrich的流蘇金屬雕塑作品，或者在開放式櫃檯的高腳椅與調酒師聊天，由當地工作室Hidden Fortress設計的黑色吧檯，由數個L型櫃檯巧妙組合而成，只要在L型的缺口擺放上桌椅，就像為客人專屬打造的獨立餐桌空間。

一座老式鑄鐵階梯連接著酒吧的上下層空間，拾級而上來到獨立包廂，隨時能拉上藍綠色窗簾進行私密對話。

一樓烹飪實驗室緊鄰著酒吧，餐廳所供應的各種創意餐點，都在這裡進行開發和實驗。喜愛實驗探索的兩人固定每個月舉辦一次實驗日派對，邀請所有想精進廚藝和調酒技術的人一起激盪火花。而不定期舉辦的演奏會、舞蹈和劇場表演，更是Kink Bar&Restaurant的一大亮點。在舊建築中添進當代藝術並融合復古元素，KINK讓每個人在享用餐點同時，也能在歡愉的氣氛下品味舊時代的韻味。

地址：Schönhauser Allee 176, 10119 Berlin

text/ Daisy Yang

Photography / Robert Rieger, courtesy of Kerim Seiler

via/ dezeen

國立故宮博物院攜手巴黎裝飾藝術博物館、Van Cleef & Arpels梵克雅寶，即日起至12月29日，隆重呈獻《大美不言》典藏精粹特展，台北展出結束後，2025年也將移至嘉義，透過東西方對話呈現三館藏品的工藝極致美學。展件涵蓋陶瓷、玉石、玻璃、銅器、銀器、金飾、傢飾、服飾、雕塑、平面藝術、珠寶與鐘錶等逾260件瑰寶。La Vie專訪展場空間設計師田根剛，進一步探索他如何穿越時空與地域的互動與交流， 在不同主題引領下，呈現令觀者心馳神往的觀展體驗。

《大美不言》特展匯聚多元藝術形式，是國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館和Van Cleef & Arpels梵克雅寶珠寶世家三方深度交流後的結晶，透過沉浸式「舞台場景」（tableaux）型態，呈現260餘件瑰麗作品。展覽遵循主題性探索的脈絡，展現藝術無國界的雋永魅力。儘管這些收藏品橫跨古今時空和東西地域，策展團隊悉心地以材質、工藝及視覺風格，將展品規劃為「自然萬物」、「動靜有形」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」和「五彩繽紛」五大單元。

讓展場空間成為藝術的延伸

「這次的設計融合了創意、功能和敘事觀點，對此我深感著迷。此外還能營造引人入勝的沉浸式環境，喚醒觀者的各種感官，並留下深遠的印象，無疑是一大魅力所在。從動線流向到燈光效果，每個元素皆使展覽的展出內容更豐富生動。」田根剛表示，《大美不言》特展之所以特別，是因為這項計畫讓他們能夠向大眾展示各項作品的歷史與藝術價值，以及相關的精湛工藝。

第一單元聚焦於「自然萬物」，展示藝術家捕捉大自然瞬息萬變的美。第二單元探討「動靜有形」，通過展件媒材及造型，展現作品多樣化的姿態與靈動感。第三單元「奇幻仙境」中的作品，則揭開虛幻神奇的超凡世界，揭露一隻隻奇珍異獸或令人驚喜不已的奇幻生物，反映不同文化與時代對宇宙萬物的獨特想像。第四單元聚焦於「神祕莫 測」，包含乍看無法理解其功能的展品，有待觀者細細賞析洞察其奧妙之處，甚至可能蘊含可變化外型的隱藏用途，或體現出神祕且精彩萬分的工藝技術。最後，第五單元「五彩繽紛」，展現繽紛多元的色彩語彙，呈現不同時空背景下的色彩涵義與詮釋。五大單元不僅展示不同主題的相似連結，也展現獨特的藝術創意，打造引人入勝的視覺饗宴，見證傳統工藝的豐富內蘊。

田根剛強調，「本次展覽對我們而言是一大挑戰，需要整合三方的珍藏，融合各自的故事，創造和諧的互動，屬實是項令人振奮且野心勃勃的企劃。這是一次難能可貴的機會，我們設計出流暢而連貫的展覽路徑，引導參訪者踏上一場跨越時間和文化的美學之旅。」

承載文化與情感的詩意空間

由於《大美不言》典藏精粹特展的展覽規劃，最初著眼於視覺效果和美學呈現，但隨著合作愈發深入，概念便日趨細微。觀摩他方規劃作品陳列，展現不同的鑑賞力，實屬令人振奮。這項共同策展的過程，提供了國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館和Van Cleef & Arpels 梵克雅寶互相學習的機會，亦非常引人省思。

展覽的場景設計概念簡潔深刻：運用光與色彩的力量，呼應自然之美的源頭。每個區域均以特定色調為基礎，以傳統皮影戲為靈感，將色調和剪影重疊，營造一種遊離於現實與夢幻的迷人氛圍。而為了突出展品的亮點，運用透明展台搭配柔和光線，藉此彰顯展品珍稀的內涵、高貴的材質以及精湛的工藝，將展品之美全無保留地展現予觀者。

田根剛不吝分享，「我們的設計構思源於展覽三方深入的策展工作。目標是跨越三方收藏品之間的界限，而非強調彼此的差異，並致力於營造統一的敘事體系，促進作品之間的對話，超越其各自的源頭。除了每個區域呈現的特定色彩，柔和而流暢地進入下一個展區的作法，更加彰顯了以大自然作為跨越時空的靈感泉源。」

《大美不言》亦將在嘉義故宮博物院兩地舉行。那麼，本次兩地的展場如何配合展出，以及這兩展場各自有哪些獨特之處？他認為，將展場設計配合不同的空間，讓他得以突破創新的界限，探索建築的表達方式，並在3D空間中創新敘事手法。

「我們的目標並非簡單複製原有設計，而是思考如何讓其昇華。地點和觀者規模不同，均是轉變並完善沉浸式體驗的良機。重新審視安排每個場地的元素，確保展場設計路徑貫通統一，這點至關重要。不同場地的大小（台北場地面積約200平方公尺，較嘉義的展場空間大），加上包括天花板高度在內的空間比例差異，無疑是一大挑戰，但這些差異也是創造不同體驗的良機。」

以未來之名，田根剛的建築設計新視野

在展場空間設計之外，田根剛的所有建築設計委託，都遵循了考古研究的流程；每每面對一個場地，他都會挖掘出深深植根於其中的回憶，賦予它們新的方向。他認為建築是屬於某個場域的記憶，作為連接過去和未來的紐帶，也呼應了他的「未來考古學」（Archaeology of the Future）概念。

他於1979年出生於東京，畢業於北海道東海大學建築系，如今以法國和日本為據點進行建築創作。不同於日本建築師常規的職業道路，他在26歲時便贏得了愛沙尼亞國家博物館的國際設計競賽，並在10年後的2016年博物館落成時再次受到關注。田根剛認為建築師應如考古學家一般深度發掘地方的記憶，透過與記憶的連結回望過去，在考古的過程中迸發出創造未來建築的驅動力，並賦予地方新的意義。

他的建築向來注重由當地紋理，或借鏡過去的工法、技藝解決現代建築的問題。比如青森縣「弘前煉瓦倉庫美術館」，就是田根剛建築事務所第一次參與日本的美術館建築修復，充滿過往結合新舊的建築語彙。

「我們先像考古學家一樣回到過去，挖掘歷史，尋找嵌入某個地方的記憶。這是一個令人驚奇而快樂的發現過程，在其中可以遇見並深入了解那些因現代化和全球化而無人知曉、被人忘卻或已然消失的事物。一個地方總有一段記憶深埋在地下的某處，這段記憶透過歷史考古與深思熟慮，從過去轉向未來，並慢慢變成建築。」田根剛指出，記憶並非屬於過去的東西，而是創造未來建築的驅動力，如此一種基於地方記憶的未來建築——就是他稱之為「未來的考古學」。

問題不在於建築是否能融入這個地方，而是它是否能吸引人們來此聚集，或有意義地存在於此。現代建築的原則有其局限性，當「新」的價值變得過時，就不復存在了。田根剛思考著，「我認為記憶是當今資訊社會中最強大的訊息。如果建築能分享和傳遞一個城市的記憶，那麼它當然就會留存。換句話說，我們不能把建築看成是一種記憶嗎？」

田根剛最後提及，歷史是經過時代編輯後再發表的產物。「集體記憶隨著文明和文化的積累，會變得更加具體。有趣的是，即使在資訊爆炸的社會中，只要你深入挖掘，仍然可以找到一個場所的特定記憶，我認為這就是我們可以看到的建築未來。」

建築、城市、生活和景觀原本是相互連結和連續的，它們不斷地被使用、更新和積累，同時慢慢地再加工，空間能透過建築得到拉伸和擴大，在滲透中產生新的景觀和生活方式，「如果建築可以更自由，人們也可以透過超越僵硬建築概念的界限，而變得更自由。我想，建築仍然充滿了未知的可能性。」如同《大美不言》特展中三聯畫的形式展示作品，看見超越地域和藝術型態的文化交流如何建立，同時講述跨越文化與時間的藝術史。

田根剛（Tsuyoshi Tane）

自2006年以來長駐巴黎工作，並創立ATTA-田根剛建築設計事務所。主要代表作包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、弘前當代藝術博物館（2020）、位於巴黎海軍府的阿勒薩尼收藏展（The Al Thani Collection）（2021）、Vitra-Tane Garden House（2023），與帝國酒店東京新本館（計劃2036年完工）。職業生涯中獲得無數獎項與榮譽，包括：2022年法國文化及傳播部頒發的「藝術與文學騎士勳章」、法國建築學院頒發的Jean Déjean獎章、愛沙尼亞文化基金會頒發的重要貢獻獎等。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie、Julien Lanoo　
圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展、ATTA–、田根剛建築設計事務所、Eesti Rahva Muuseum、Vitra}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

都市匆忙的生活步調，往往將「放鬆」擺在待辦清單的末項，先吃苦後享樂。然而，HAPPYHAIR品牌概念店樂群館想提倡一個新的生活觀點——「放鬆也可以是很日常的行為」，本次聯手穆得設計打造全新品牌概念店如是誕生。

在台灣沙龍屆深耕多年的HAPPYHAIR一直以來秉持「美麗由健康開始」的理念，持續為消費者把關頭皮與髮絲的健康，擁有健康的頭皮與髮絲是打造髮型的基本要件。然而身處現今的資訊轟炸與網路發達的時代，下班後時常也會收到工作的訊息，彷彿沒有所謂真正放鬆的時刻存在，長久下來對人的心理造成負擔，甚至開始產生落髮與不健康的頭皮。因此HAPPYHAIR品牌概念店樂群館 開始思考「健康」這個概念，應該從身體的健康擴大到心理的健康才是真正的解方。

放鬆是最能讓心裡感到舒適的時刻，有些人安排出國散心，有些人安排休假時去按摩，需要特別的時刻、刻意的安排，在家休息好像又少了一點度假感，人們對於放鬆的想像是否可以有更多的詮釋？而去沙龍便是一個很日常的行為，如果在進入沙龍的那一刻，從入門的開始就讓人感受到放鬆，在店內的過程如同度假般的想法便是本次品牌概念店的核心理念，因此HAPPYHAIR邀請業界深耕14年的穆得設計構思「放鬆成為日常」的空間哲學可能性。

穆得設計透過解放人的感官視覺出發，以入口處的橄欖樹、大地色系、自然曲線設計舒緩顧客的心情，使整體視覺效果更加柔和與延展。天花板的曲線設計以自然形態為靈感，與牆面的弧形線條相呼應，模糊邊界並讓空間充滿動態與靜態的平衡感。在較低矮區域運用鏡面材質擴充視覺範圍，並使用半透明紗簾分區，保有穿透性的同時，也能讓顧客擁有舒適的個人空間。

二樓VIP區域以「深層放鬆」為設計重點，空間設計與一樓的開放輕盈感有所不同，更加注重私密性與獨立性。深色調的運用賦予空間更強的重量感，營造出沉穩的氛圍。弧形天花板巧妙地融合了空間內的高低落差，同時有效地劃分了不同功能區域，這樣的設計不僅增強了空間的層次感，顧客在得到精緻的服務同時，能享受更隱私的放鬆氛圍。

「放鬆成為日常」的全方位體現

從入口到每個角落，HAPPYHAIR品牌概念店樂群館的空間設計始終圍繞著「放鬆成為日常」的哲學。設計不僅僅是視覺上的美感，更是一種生活態度的具現化，讓每位顧客都能在這個空間中，感受到日常生活中平凡卻珍貴的放鬆時刻。無論是一天的繁忙後，還是期待轉換心情的瞬間，HAPPYHAIR品牌概念店樂群館都以健康、舒適與美感，帶給顧客最貼心的陪伴與呵護。

_{文｜Evie、Tom  圖片提供｜穆得設計}