穿梭在巨型的蜘蛛網中，用手輕撥絲線，會聽到空間中傳來單音──就如敲下一枚鋼琴鍵，或撩動小提琴弦那樣。不同絲線不同音階，若你巧妙掌握節奏，倒像一小段充滿極簡主義感的即興演出。

當然，真正的蜘蛛絲不會發出人類能聽見的聲響。這些可彈奏的「琴弦」，其實是打結的黑色聚脂纖維繩，彼此交纏並向四面八方延伸，同時把感受到的振動，傳導至埋藏地板下方的八隻麥克風，引發電腦軟體產生音調。

「彷彿讓大家待在同一架鋼琴上，而不是一組交響樂團。」藝術家托馬斯·薩拉切諾（Tomás Saraceno）曾如此形容這件他所製作並命名為「Algo-r(h)i(y)thms」的系列互動裝置。他表示，這件「樂器」，象徵了大至宇宙、小至迷你無脊椎動物，皆彼此相連。作品名稱也同樣指涉了遙遠星系團「PSZ2 G099.86+58.45」的頻率範圍。

現代達文西般的藝術工作者

光從「Algo-r(h)i(y)thms」，便能發現托馬斯跨越了藝術、生物、天文、音樂、以及建築等多重領域。這和他的背景有關：1973年出生於阿根廷，大學在家鄉接受建築教育，後投入藝術創作，又去NASA修學程，還駐村麻省理工學院，造就了不同於一般創作者的思維廣度。2018年他受邀於巴黎東京宮（Palais de Tokyo）舉辦目前最大個展《ON AIR》時，策展人雷貝嘉（Rebecca Lamarche-Vadel）曾指出：「托馬斯是偉大的藝術家，像杜象或甚至達文西一樣，總能用跳脫的方式思考，並整合各種領域的專業。」

儘管興趣廣泛，但托馬斯的創作軸心卻始終明確：人與環境如何更好。就像他早期提出的「Cloud Cities」概念，打造懸浮於空中的透明球，預示未來人類可以遠離戰爭和汙染，居住進騰空的城市；或投入多年耕耘的熱氣球計劃，強調只用陽光和空氣便能使之飛翔——該計劃於今年（2020）有了突破性進展，飛越阿根廷以開採鋰聞名的鹽湖，證明僅靠自然力也能移動，不需非得仰賴破壞環境的鋰電池和石油。他始終關懷環境、甚至是整座宇宙暗藏的生命秘密，並用理性且詩意的方式完成作品，因此深獲全球藝壇注目。除了巴黎東京宮，他還在包括威尼斯雙年展、大都會博物館屋頂花園、K21等地展出，更曾和英國自然歷史博物館合作計劃。其作品經常蘊含的互動性，也使展覽廣受觀眾的喜愛。

一張蜘蛛網，一座無垠宇宙

近年托馬斯明顯把專注力放在「蜘蛛網」，並發展出一系列相關的創作。今年七月底在台北文心藝所，《宇宙共振－托馬斯·薩拉切諾個展》展出其四件作品也都和蜘蛛網的概念有關。

除了「Algo-r(h)i(y)thms」之外，作品「Biosphere 05」同樣以黑色纖維繩交織成網，但包裹一粒用泵系統調節氣壓的透明氣球。另一件「GSC 06214-00210 b-M+I」，則以黑色金屬架勾勒泡泡般的結構，搭配網狀的黑色繩結，和鑲嵌其中的彩色透明壓克力板，充滿幾何趣味又帶夢幻感。兩件作品皆呼應早期「Cloud Cities」，討論漂浮、未來城市的議題，但又巧妙地用「蜘蛛網」，推展到「宇宙」的層次。

根據理論，宇宙大爆炸後，形成星系團和星群彼此連結的「宇宙網」。對托馬斯而言，蜘蛛網一如迷你版的宇宙網，藉著振動，完成物種間的溝通，背後隱藏的規則可對應宇宙運行的邏輯。人類總是太自大，繼而忽略這些重要訊息。他難以忘懷童年住過的百年老屋，閣樓爬滿了蜘蛛，當時他自問，究竟是蜘蛛住在我家，或我闖入了牠的居所？這問題如今看來，也可以說究竟是蜘蛛誤闖人類的世界，或人類始終讀不懂背負上億年歷史的牠吐露的天羅地網，其實含有太多意義？

為了讓大家更親近蜘蛛網的奧秘，展中第四件、也是位在出入口處的作品，托馬斯放了兩隻不同種的蜘蛛依序吐絲，再將蛛網藉蒸薰的方式染上微量墨色，以玻璃立方體懸吊展示。素描般的絲線，流洩出一種微妙的層疊秩序，暗示蜘蛛的社會性，也彰顯了一個安靜而神秘的生態觀和宇宙觀。

欣賞蛛網的結構也好，伸出你的手指輕撥「Algo-r(h)i(y)thms」裝置的「蛛絲」，把你的訊息透過振動發射給宇宙也好，藝術家欲透過這看似脆弱、卻又無比堅韌的纖細之物，把最渺小的，和最浩瀚的，全串在一起。面對太多環境問題而快無路可走的我們，或許便能發現，可知和不可知的，其實都在同一條線上，答案也因此就位在不遠處。

《宇宙共振──托馬斯·薩拉切諾個展》

Venue／文心藝所（台北民權東路六段180巷10弄6號1樓）

Date／即日起～10.18

Facebook／文心藝所Ｗinsing Art Place

文／歐陽辰柔  

圖片提供／文心藝所

via / 文心藝所

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}