一場跨越時空的繁花盛典，國立故宮博物院《風格故事—康熙御製琺瑯彩瓷特展》與《士拿乎—清宮鼻煙壺的時尚風潮特展》兩大展覽即日起盛大開展！清宮戲裡常見皇朝帝王和妃子對御窯工藝器物的講究，皇帝自身的審美品味結合其對新科技、實驗、知識交流的博學與好求。喜愛並尊重西方文化的康熙皇帝，尤以對琺瑯彩瓷工藝特別執著。

《風格故事—康熙御製琺瑯彩瓷特展》整場展覽從作品的風格特徵著手，透過「皇帝實驗室的試作」和「御製風格」兩大主題，展出故宮典藏中原本收納於紫禁城景陽宮的珍藏試作品，並透過試作與成品的比較，展現清代康熙朝御製琺瑯彩瓷，從草創試作到發展成熟的轉變，發掘隱含其中的小故事。

專屬於清宮廷壟斷的畫琺瑯工藝

18世紀的西方世界，正值啟蒙思潮風起雲湧的年代，追求科學和知識的風氣，讓藝術表現產生改變。在這波西潮衝擊下，地處東方的康熙皇帝終也在17世紀末接見了來自法國、以「國王數學家」名義前來敲門的五位傳教士。皇帝與傳教士實際互動、交流的結果，直接且間接影響了皇家作坊的生產與創作，縱跨康雍乾三朝（1662-1795）的畫琺瑯工藝即是其中一項。

琺瑯彩瓷係屬畫琺瑯工藝下的一種，製作時是以瓷胎作為基底素材，再用各色琺瑯料彩繪裝飾紋樣，經窯爐烘烤而成。因首創於康熙朝，成品多半以「御製」款為標記，在「御」字含有「天子的」意思下，特別能呼應製作背景中皇帝主導推動的成份，展現作品蘊含的帝王審美意趣。

由歐洲傳入的畫琺瑯器所表現出來絢麗華美的貴族風格，完美符合皇室豪華富貴的裝飾需求，康熙皇帝對此的喜愛達到了醉心的程度，康熙27年正式開始研製瓷胎畫琺瑯，此後反覆實踐，不斷試燒，並把琺瑯彩瓷由紫禁城內啟祥宮移至內廷深處的養心殿西側，便於皇上的巡視和督察。
 
 

結合清麗彩瓷 繪製技法極盡巧妙

因康熙皇帝喜愛西洋畫琺瑯器，進而著手研創本土新品。在「皇帝實驗室的試作」展覽單元，展出原本收納於紫禁城景陽宮的一批試作品。其中胭脂紅彩系列，是清代本土技術效法西洋金紅彩，在釉中加入「金」元素，新創而成的粉紅色系胭脂紅彩，色澤嬌嫩鮮豔，猶如女子絳唇胭脂般高貴典雅。

在「御製風格」展覽單元，則從「皇家標記」、「山花野菊」和「宮廷潮色」視角，引領民眾認識康熙御製琺瑯彩瓷的風格特色。特別在康熙朝琺瑯彩瓷眾多的裝飾花卉紋樣中，有種「藍色菊花」是經常可見的花朵小標記，穿插於具象花叢，偶而也和粉色品種一起出現，對照康熙44年皇帝題記畫家蔣廷錫〈野菊〉軸中，以「山花野菊喜清風，塞北烟光報嶺楓」歌誦出巡塞外認識的小菊花，捕捉到皇帝將旅途記憶，轉換成御製風格的有趣軼事。

流通於宮廷與王公貴族間的士拿乎風潮

專為清代宮廷御用的畫琺瑯創新工藝，在康熙皇帝授意之下，也常用於犒賞功臣。事實上在畫琺瑯技法成功移植到瓷胎之前，使用金屬胎、銅胎又或以當時極為新穎的材質玻璃胎所製作出來的西洋畫琺瑯器，早已在宮廷與王公貴族間廣為流行。其中又以時尚小物「士拿乎」最受到士大夫以上階級青睞。

國立故宮博物院典藏許多清代宮廷製作精美的鼻煙壺，繼2012年《通嚏輕揚－鼻煙壺文化特展》，睽違7年再推出《士拿乎－清宮鼻煙壺的時尚風潮特展》，一次展出368件各類材質的鼻煙壺。從早期的各色玻璃到套玻璃，還有各種礦石牙角的雕刻，再到金屬胎琺瑯以及極難燒製的玻璃胎琺瑯，或是瓷器、甚至葫蘆工藝，到後來為裝鼻煙而發明的內繪玻璃，幾乎囊括當時各種製作工藝於方寸間的小瓶。

鼻煙（snuff）源自西方，早期翻譯成「士拿乎」，在康熙皇帝時業已傳入，發酵煙葉細末調香而成，服用時將粉末直接吸入鼻中，有通嚏輕揚之效。將鼻煙翻譯為「士拿乎」或可反映當時鼻煙稀少而珍貴。不同於西洋用盒盛裝這種輕細的粉末，清代宮廷將其改成小口、廣腹帶匙蓋的鼻煙壺，既是當時宮廷與王公貴族之間抗疲醒腦的舒心良方，也是旅行便攜、居家賞玩愛不釋手的時尚單品。

清代工藝之縮影，鼻煙壺的新藝境

在目不暇給的鼻煙壺展件中，推薦必看經典之作，如：清雍正〈玻璃胎畫琺瑯彩竹節式鼻煙壺〉，是故宮典藏唯一一件雍正款玻璃胎畫琺瑯器，器底書「雍正年製」楷體四字，全器乳白色玻璃作竹節造形，竹節上有小蟲兩隻，設色仿斑竹點點褐斑，模樣精巧可愛。

清乾隆〈玻璃胎畫琺瑯鼻煙壺四十三件貯於蒔繪漆盒〉，極其難得將眾多鼻煙壺與蒔繪漆盒一併展出，盒中每件鼻煙壺高約4.4至5.4 公分之間，從題材、配色到裝飾紋樣無一相同，處處可見匠心獨運，件件皆為乾隆時期玻璃胎畫琺瑯的藝術珍品。另有玉蜀黍、玉荔枝、玉茄、玉瓜等造形自然寫實的鼻煙壺，為古時文人生活增添一抹恬然綠意。

清 十九世紀 瓷胎黃釉玉蜀黍形鼻煙壺

清 十九世紀 瓷胎綠釉荷葉形鼻煙壺

畫琺瑯工藝起於康熙，盛於雍正、乾隆，屬宮廷壟斷的工藝珍品。從雕刻、燒製、琢磨等工藝角度理解其製作及所呈現之時代特色，且以珍藏、日常到賞賜等不同目的，看到清代工藝之縮影，更是清宮微型藝術之精典。

《風格故事—康熙御製琺瑯彩瓷特展》

展期｜2020-08-18~
地點｜國立故宮博物院北部院區第一展覽區207陳列室

詳情請見官網展覽資訊

《士拿乎—清宮鼻煙壺的時尚風潮特展》

展期｜2020-07-31~

地點｜國立故宮博物院北部院區第一展覽區303陳列室

詳情請見官網展覽資訊

文字整理 / Daisy Yang

via / 國立故宮博物院

將於日本大阪舉辦的「安藤忠雄展｜青春」，為繼2017年東京國立新美術館「挑戰—安藤忠雄展」之後的大規模個展，本展將全面呈現這位建築大師從過去到現在的創作歷程。

出生於大阪的安藤忠雄，透過自學習得建築知識，並於1969年開始建築設計活動。自此之後，他不斷打破既有概念、接連打造嶄新的建築作品；90年代起，他不僅活躍於全球建築界，還積極投身於環境再生與與震災復興等社會公益項目，影響力早已超越建築家的領域。

睽違16年在大阪的大規模個展

而這場將於3月20日至7月21日在大阪新文化設施「VS.（ヴイエス）」登場的「安藤忠雄展｜青春」，更是安藤忠雄睽違16年在大阪舉辦的大規模個展。如同其展覽名稱，半個世紀以來，安藤忠雄始終站在第一線，仍懷抱著「青春」之心，奮戰不懈，而作為一名不斷挑戰的建築家，他所傳遞的人生訊息，也將為觀者帶來極大的啟發。

從挑戰的軌跡到安藤忠雄的現在

本展將分為「挑戰的軌跡（挑戦の軌跡）」與「安藤忠雄的現在（安藤忠雄の現在）」兩大區域，前者將完整介紹安藤忠雄過去的住宅、教堂、美術館等文化設施的代表性作品；後者將呈現其目前的建築作品，包含長期進行的「直島計畫（直島の一連のプロジェクト）」、以「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」為代表的歷史建築再生項目，以及如「童書之森（こども本の森）」的社會公益項目。

原尺寸重現「水之教堂」

值得一提的是，本展也將打造高達15公尺的沉浸式影像空間，引領觀者遊覽安藤忠雄的代表作，同時展場也將以原尺寸重現其早期經典之作「水之教堂」，讓人們能以五感體驗這件建築作品。此外，本展也將透過模型、影像與音樂裝置，呈現安藤忠雄與直島共同走過的37年軌跡。

安藤忠雄展｜青春
展期：2025年3月20日― 7月21日
展場：VS.（大阪市北区大深町6番86号 グラングリーン大阪 うめきた公園 ノースパーク VS）
休館日：毎週一；開館時間：10：00 - 18：00（五・六到 20：00）
票價資訊請點此

資料來源｜VS.共同事業体

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）