2020年之於寶藏巖，是正式以「共生」概念，與各種「關係」相處的10週年，以此延展，每年在此為展覽腹地的寶藏巖光節，今年2020台北寶藏巖光節以「相依的總和」為命題，將注目回望初衷，凝視累積的相互陪伴，邀集16組藝術家及團隊，透過現地製作的親密連結，藉由當代藝術的呢喃話語，誘發觀者成為故事中的角色；並串連「簡單生活節」，於開展首個週末以音樂演出及市集拉開序幕，更於兩個月的展期中，邀請民眾參與影像徵件，紀錄作品與你的相依場景。

傍山臨河的依偎

寶藏巖聚落裡可見山河相鄰，南面的新店溪是劉秋兒機車獨行計畫之地，其錄像作品《窮繞-新店溪流域》，紀實著前往未知面向的軌跡，以身體力行丈量出生命現況。

河流沖積出的沙洲是邱承宏渡河探查的地景所在，以外來種小花蔓澤蘭作為創作源頭，發展出裝置作品《福和寶藏》探討河流、地形與生物之間的敘事關係。

再行至蜿蜒小徑的高點，在寶藏巖中眺望著都市光亮，與高德亮撒下的破碎光點的《時而有影》，有著視覺連結，藉此觀看邊境與城市的依存面貌。寶藏巖曾因獨有的聚落形式而面臨被遷拆命運，此作品以想像建物被拆除樣貌與現今保存狀態互相對照，藉由一面反光鏡，如同「違建」一般搭建在建築物本體之上，並透過光與單面反光鏡交互作用，進而模糊內外空間，使部分建築像是消失般，卻又無所不在，氛圍曖昧。 (圖片來源：藝術家高德亮FB)

重現歲月的承載

歷經居民開拓、遷徙，寶藏巖的空間伴隨著住民更替而有所變化，謝佑承X 王中原《圓垣不絕》試圖重建、完整原有的樓層結構，加上自聚落中蒐集而來的燈具與聲樣，串連起時間與地方的紋理。

把日子重回六〇年代，當時還有火車行駛到公館，車站就在寶藏巖山下的汀州路上，擅以剪紙的成若涵，以《城南紀事，台北既視》進行歷史爬梳、在地探勘與田調訪問，將故事以鐵雕鑄成影，順著舊有萬新鐵路的方向，展示出過往光景及今日繁榮，宛若時光迴廊。

採集風土與人情

在2011年公告為文化資產後的寶藏巖，仍是日常與共的場域，吳修銘的互動裝置《說一道彩虹》，收集村內居民口述故事為基礎，以程式分析出口吻中的色彩與頻率，在展覽期間邀請來訪觀眾與裝置互動，與在地住民的光譜融合成色彩豐富的彩虹影像。

陳松志《無題-TPE》藉以透明玻璃、明鏡與人造水晶石構成，探索著物質在時間、空間中的穿透、映照與折射，反映著現代人在媒體屏幕中的多重身份、視角以及慾望的無垠擴張。

不歸鹿《茻芔艸屮》與朱淑宛《在還在的時候》皆以採集植物為本，再製或翻鑄的創作脈絡，呈現出介於真實與虛假的狀態，探討與地貌自然共存的命題。

尋光的運行軌跡

《光電獸#21-痕跡掃描》建置在寶藏巖的歷史斷面，姚仲涵在其特殊地景設置出兩條平行軸線如框架般，透過光與影的律動，使觀看者將視線注目於每個變化瞬間，敘事出人造物件與自然生態間的相處法則。

當視角望向天際，月相盈虧圓缺之現象，居然同時出現在寶藏巖的天空，何理互動《觀月計劃 #define Moon_ 》，其裝置運用殘影留存的視覺魅力，同時展現月亮的各種姿態。2020年版本由7顆直徑70cm x 70cm月形裝置所組成，作品隱身於樹林環繞當中，巧妙融入寶藏巖的高低起伏山丘，以「光」作為媒介，透過月亮召喚你我心中對於寶藏巖的情感記憶。

作品巧妙融入於寶藏巖的山城地景之間，觀者須反覆切換觀看視角、移動於漸次聳起的地形，才得以參透裝置的全貌，而在遊歷的過程中，觀者也勢必經歷一場「探尋」和「冒險」的旅程。

探究自然變化是人與環境互相理解的過程，因此自古觀月也追日。葉澈的錄像裝置《夸父離日》講述古老神話的寓意，如同創作者本身的尋光之路。我們所知光照範圍與速度無遠佛屆，而人們能以影像記錄光的行進，攝影專長的黃正裕，使用機械光柵動畫的作品《華麗雨林》，引導觀者使用沙漏操作機械平衡，詮釋個體之於環境的共存關係。

持續醞釀的公眾參與

寶藏巖自藝術村進駐，推及至每年光節藝術展演，帶進多樣性視角，更乘載著眾人的想像，成為一處持續成長的有機體，當外界注入養分之餘，在地也蓄足能量蓄勢待發，寶藏巖文化村協會邀請同在村子裡生活、工作的朋友們，對於過往至今的點滴進行創作，周邊的萬福國小，以孩子的五感體驗探訪自己的原生家庭，蒐集共有的土地記憶，透過傳統技藝剪紙與皮影戲，轉化為生命裡最初的共創作品，與藝術家之作相互輝映於寶藏巖起伏的景色間，本次展期為9月19日至11月8日，共計51天，每週更有延伸限定活動，邀請民眾共同參與，乘著秋日微風，和家人朋友相依前來，踏著光漫步同遊。

2020寶藏巖光節 相依的總和

展期：2020.9.19(六)-11.8(日) (周一休館)

時間：11:00-22:00 

參與藝術家團隊

姚仲涵、何理互動、謝佑承 X 王中原、羅智信 X 鄭任翔、陳松志、吳修銘、高德亮、劉秋兒、邱承宏、不歸鹿、朱淑宛、黃正裕、葉澈、成若涵、萬福國小、寶藏巖文化村協會

https://www.facebook.com/artthav

via 寶藏巖國際藝術村、何理互動、高德亮FB

將於日本大阪舉辦的「安藤忠雄展｜青春」，為繼2017年東京國立新美術館「挑戰—安藤忠雄展」之後的大規模個展，本展將全面呈現這位建築大師從過去到現在的創作歷程。

出生於大阪的安藤忠雄，透過自學習得建築知識，並於1969年開始建築設計活動。自此之後，他不斷打破既有概念、接連打造嶄新的建築作品；90年代起，他不僅活躍於全球建築界，還積極投身於環境再生與與震災復興等社會公益項目，影響力早已超越建築家的領域。

睽違16年在大阪的大規模個展

而這場將於3月20日至7月21日在大阪新文化設施「VS.（ヴイエス）」登場的「安藤忠雄展｜青春」，更是安藤忠雄睽違16年在大阪舉辦的大規模個展。如同其展覽名稱，半個世紀以來，安藤忠雄始終站在第一線，仍懷抱著「青春」之心，奮戰不懈，而作為一名不斷挑戰的建築家，他所傳遞的人生訊息，也將為觀者帶來極大的啟發。

從挑戰的軌跡到安藤忠雄的現在

本展將分為「挑戰的軌跡（挑戦の軌跡）」與「安藤忠雄的現在（安藤忠雄の現在）」兩大區域，前者將完整介紹安藤忠雄過去的住宅、教堂、美術館等文化設施的代表性作品；後者將呈現其目前的建築作品，包含長期進行的「直島計畫（直島の一連のプロジェクト）」、以「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」為代表的歷史建築再生項目，以及如「童書之森（こども本の森）」的社會公益項目。

原尺寸重現「水之教堂」

值得一提的是，本展也將打造高達15公尺的沉浸式影像空間，引領觀者遊覽安藤忠雄的代表作，同時展場也將以原尺寸重現其早期經典之作「水之教堂」，讓人們能以五感體驗這件建築作品。此外，本展也將透過模型、影像與音樂裝置，呈現安藤忠雄與直島共同走過的37年軌跡。

安藤忠雄展｜青春
展期：2025年3月20日― 7月21日
展場：VS.（大阪市北区大深町6番86号 グラングリーン大阪 うめきた公園 ノースパーク VS）
休館日：毎週一；開館時間：10：00 - 18：00（五・六到 20：00）
票價資訊請點此

資料來源｜VS.共同事業体

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）