2020年之於寶藏巖，是正式以「共生」概念，與各種「關係」相處的10週年，以此延展，每年在此為展覽腹地的寶藏巖光節，今年2020台北寶藏巖光節以「相依的總和」為命題，將注目回望初衷，凝視累積的相互陪伴，邀集16組藝術家及團隊，透過現地製作的親密連結，藉由當代藝術的呢喃話語，誘發觀者成為故事中的角色；並串連「簡單生活節」，於開展首個週末以音樂演出及市集拉開序幕，更於兩個月的展期中，邀請民眾參與影像徵件，紀錄作品與你的相依場景。

傍山臨河的依偎

寶藏巖聚落裡可見山河相鄰，南面的新店溪是劉秋兒機車獨行計畫之地，其錄像作品《窮繞-新店溪流域》，紀實著前往未知面向的軌跡，以身體力行丈量出生命現況。

河流沖積出的沙洲是邱承宏渡河探查的地景所在，以外來種小花蔓澤蘭作為創作源頭，發展出裝置作品《福和寶藏》探討河流、地形與生物之間的敘事關係。

再行至蜿蜒小徑的高點，在寶藏巖中眺望著都市光亮，與高德亮撒下的破碎光點的《時而有影》，有著視覺連結，藉此觀看邊境與城市的依存面貌。寶藏巖曾因獨有的聚落形式而面臨被遷拆命運，此作品以想像建物被拆除樣貌與現今保存狀態互相對照，藉由一面反光鏡，如同「違建」一般搭建在建築物本體之上，並透過光與單面反光鏡交互作用，進而模糊內外空間，使部分建築像是消失般，卻又無所不在，氛圍曖昧。 (圖片來源：藝術家高德亮FB)

重現歲月的承載

歷經居民開拓、遷徙，寶藏巖的空間伴隨著住民更替而有所變化，謝佑承X 王中原《圓垣不絕》試圖重建、完整原有的樓層結構，加上自聚落中蒐集而來的燈具與聲樣，串連起時間與地方的紋理。

把日子重回六〇年代，當時還有火車行駛到公館，車站就在寶藏巖山下的汀州路上，擅以剪紙的成若涵，以《城南紀事，台北既視》進行歷史爬梳、在地探勘與田調訪問，將故事以鐵雕鑄成影，順著舊有萬新鐵路的方向，展示出過往光景及今日繁榮，宛若時光迴廊。

採集風土與人情

在2011年公告為文化資產後的寶藏巖，仍是日常與共的場域，吳修銘的互動裝置《說一道彩虹》，收集村內居民口述故事為基礎，以程式分析出口吻中的色彩與頻率，在展覽期間邀請來訪觀眾與裝置互動，與在地住民的光譜融合成色彩豐富的彩虹影像。

陳松志《無題-TPE》藉以透明玻璃、明鏡與人造水晶石構成，探索著物質在時間、空間中的穿透、映照與折射，反映著現代人在媒體屏幕中的多重身份、視角以及慾望的無垠擴張。

不歸鹿《茻芔艸屮》與朱淑宛《在還在的時候》皆以採集植物為本，再製或翻鑄的創作脈絡，呈現出介於真實與虛假的狀態，探討與地貌自然共存的命題。

尋光的運行軌跡

《光電獸#21-痕跡掃描》建置在寶藏巖的歷史斷面，姚仲涵在其特殊地景設置出兩條平行軸線如框架般，透過光與影的律動，使觀看者將視線注目於每個變化瞬間，敘事出人造物件與自然生態間的相處法則。

當視角望向天際，月相盈虧圓缺之現象，居然同時出現在寶藏巖的天空，何理互動《觀月計劃 #define Moon_ 》，其裝置運用殘影留存的視覺魅力，同時展現月亮的各種姿態。2020年版本由7顆直徑70cm x 70cm月形裝置所組成，作品隱身於樹林環繞當中，巧妙融入寶藏巖的高低起伏山丘，以「光」作為媒介，透過月亮召喚你我心中對於寶藏巖的情感記憶。

作品巧妙融入於寶藏巖的山城地景之間，觀者須反覆切換觀看視角、移動於漸次聳起的地形，才得以參透裝置的全貌，而在遊歷的過程中，觀者也勢必經歷一場「探尋」和「冒險」的旅程。

探究自然變化是人與環境互相理解的過程，因此自古觀月也追日。葉澈的錄像裝置《夸父離日》講述古老神話的寓意，如同創作者本身的尋光之路。我們所知光照範圍與速度無遠佛屆，而人們能以影像記錄光的行進，攝影專長的黃正裕，使用機械光柵動畫的作品《華麗雨林》，引導觀者使用沙漏操作機械平衡，詮釋個體之於環境的共存關係。

持續醞釀的公眾參與

寶藏巖自藝術村進駐，推及至每年光節藝術展演，帶進多樣性視角，更乘載著眾人的想像，成為一處持續成長的有機體，當外界注入養分之餘，在地也蓄足能量蓄勢待發，寶藏巖文化村協會邀請同在村子裡生活、工作的朋友們，對於過往至今的點滴進行創作，周邊的萬福國小，以孩子的五感體驗探訪自己的原生家庭，蒐集共有的土地記憶，透過傳統技藝剪紙與皮影戲，轉化為生命裡最初的共創作品，與藝術家之作相互輝映於寶藏巖起伏的景色間，本次展期為9月19日至11月8日，共計51天，每週更有延伸限定活動，邀請民眾共同參與，乘著秋日微風，和家人朋友相依前來，踏著光漫步同遊。

2020寶藏巖光節 相依的總和

展期：2020.9.19(六)-11.8(日) (周一休館)

時間：11:00-22:00 

參與藝術家團隊

姚仲涵、何理互動、謝佑承 X 王中原、羅智信 X 鄭任翔、陳松志、吳修銘、高德亮、劉秋兒、邱承宏、不歸鹿、朱淑宛、黃正裕、葉澈、成若涵、萬福國小、寶藏巖文化村協會

https://www.facebook.com/artthav

via 寶藏巖國際藝術村、何理互動、高德亮FB

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢