本文選自La Vie雜誌2020/11月號《街拍人間》

街拍說起來容易，還是有幾個可掌握的操作技巧，讓拍攝更順利。擅長各類影像拍攝、色彩風格濃郁的攝影師林科呈，提供4個自己的攝影心法，並推薦色彩獨特的底片相機拍攝供大家參考。

保持最佳距離

紐約街拍攝影師布魯斯吉爾登（Bruce Gilden）擅長近距離、鏡頭貼近路人拍攝、拍完就走，不打招呼或徵求對方同意，故意捕捉被攝者被嚇到的驚恐表情，這種帶有侵略性、粗暴的攝影方式，現代攝影師就算想模仿也很難，基於禮貌大家還是習慣與被攝者保持拍攝距離，一來不會打擾對方，二來也能捕捉最自然的生活畫面。林科呈喜歡使用定焦鏡，全片幅相機搭配85mm定焦鏡頭拍攝，大約和被攝者距離10∼20公尺的距離，是他認為最適當的觀察角度：「我不喜歡用變焦鏡，變焦反而會讓我猶豫要用哪個焦段，多拍幾張，往往好畫面就消失了。」

通常大家旅遊時習慣使用廣角鏡，能一次捕捉到更多風景，林科呈卻選擇冷門的85mm、有他自己獨特的取景技巧：「我喜歡聚焦有主題，這個焦段捕捉到的畫面有限，卻能讓主題更突顯，尤其在台灣街頭取景，有時候看到好的主題，旁邊的干擾和複雜的物件太多，這個焦段，能夠避免雜亂入鏡。」

拍路人的禮貌

有「人」的街拍畫面，會讓整個照片更有張力，卻也最難，現代人對相機警戒心高，察覺到鏡頭會刻意迴避，會擔心自己的照片，被挪用在不好的用途上，如何有禮貌、不會讓被攝者不舒服地拍攝？林科呈回憶，到泰國旅行時曾經給自己一個功課：到街頭拍攝100個人，拍完後還必須和對方交談，取得拍攝許可，最好能把照片再寄回給被攝者，這麼做最大的好處是，旅行後能認識更多朋友。

相機模式設定

很多相機會針對街拍需求，而有特殊設定模式，最知名的是森山大道早期作品，多使用RICOH GR系列相機拍攝，它輕薄好攜帶的輕巧機身、內建不需要半按快門對焦、自動測距測焦的Snap模式，在街上抓拍的速度可以更快更精準（不會迷焦）。但每個攝影師都有自己慣用的設定值，不見得會依賴相機模式，以林科呈為例，他不會刻意調整相機的拍攝模式，習慣使用光圈先決，拍攝時只要稍微改變光圈數值，「機器設定愈簡單愈好，因為我要把注意力放在構圖上。」

他也發現，除了長鏡頭是比較沒有攻擊性的遠距離街拍外，近幾年新相機的翻轉螢幕對街拍也非常有利，相較於看著觀景窗，低頭從翻轉螢幕構圖，降低被攝者防禦心，取景姿態類似薇薇安邁爾（Vivian Maier）使用的雙眼腰平相機，除了像過去攝影師把相機藏在衣服裡，利用新科技優勢創造獨特的街拍取景，也是可以善加利用的功能。

「手機的景深不如單眼相機，平面的圖面思考反而重要，如果是用手機拍攝，我會選擇大片對比色，就能拍出有主題的畫面。」他也建議可以試試手機的高倍數位變焦，「雖然畫質會變差，但有些畫面就是要變焦拉近構圖才好看，可以試著把它當作一幅圖，去做後製修飾，反而會有不同的味道。」至於濾鏡，他喜歡使用SnapSeed App裡的效果，如果只調整色調，喜歡濃郁色彩的他，則推薦iPhone內建的「增豔」效果，「調出來的色調很自然，不會讓飽和度過頭。」只要微調參數就能提升照片氛圍。

練習捕捉光影的技巧

很多街拍攝影師喜歡使用光影明暗創造不同的構圖趣味，「尤其是下午兩三點，光線45度斜射的時候最好看。」林科呈則非常推薦使用黑白濾鏡練習拍照，強迫自己檢視畫面中的光線，「我在修圖時常遇到不錯的照片，轉成黑白卻完全不吸引人，仔細觀察才會發現，是因為光影不對，如果直接用黑白色階拍攝，就能馬上發現這個問題。」陳婉寧也說：「黑白照片比彩色更難處理，不容易把主題拍得好，尤其光線不明顯的狀況下，有些細節會消失，而讓照片失去重點。」無論哪一種拍攝類型、使用哪一種拍攝工具，說穿了都需要多練習，即使手機就能記錄生活，但想拍得好，還是得熟練後才能發展出屬於自己的風格與視角。

欲追蹤攝影師精彩作品，可至林科呈Instagram

文｜詹筱苹　

圖片提供｜林科呈

完整內容以及欲知更多拍攝幕後，請見La Vie2020年11月號《街拍人間》

也趣藝廊推出《漂流（序曲）－沈昭良攝影展》，本次個展為藝術家自榮獲2024日本寫真協會國際獎，並於日本東川町文化藝廊舉辦大型回顧展後，首次於台灣完整展出「漂流」（Drifting）系列。

沈昭良於2015年啟動「漂流」系列，開啟地景攝影之路，展開對台灣近代歷史的敘情式書寫。此系列梳理過去十年來台灣內部包含殖民主義、國家認同、族群、冷戰、人權、原住民、生態、環境、能源等潛在課題，這些複雜且龐大的議題，都在沈昭良兼具寫實與敘情的拍攝視野中，轉為深邃的情感訴諸。本展邀請觀眾參與這場「漂流」，共同思索在歷史、政治與文化的漩渦中，台灣應如何尋找並確立自我認同與未來走向。

地景，是歷史記憶的載體

「對台灣人來說，特別是在解嚴之後，國家認同與疆界一直是內部分歧和爭執的根源。包括過往的歷史和印記，這些看似不見卻又潛藏的真實，正在形塑我們的命運發展和可能願景。」 —— 沈昭良

在「漂流」系列中，沈昭良將台灣的地理景觀和文化符號，視為國家認同與歷史記憶的載體，跨越時空與歷史縱深，表達了不同族群在變遷中的情感波動與生活面貌，並折射出台灣在多重歷史脈絡中的複雜命運。

「漂流」系列作品在歷史發展的脈絡下，援引直接或間接與具體歷史事件相關，或象徵、意喻和指涉的景觀，在視覺的編串中進行意義的置放，探討議題從殖民歷史到現代化的衝突、從族群關係到生態環境的變遷，所有這些台灣內部錯綜複雜的社會、文化與歷史面貌，皆在作品中得以交織，引領觀者進入一場具有強烈時代感的視覺旅程。

熟悉地景中藏有鄉土情愁、文化痕跡

「漂流」第一眼抓住你的或許是熟悉的天空、台灣特有的體感濕度、路燈；而後還看進了鄉土情愁與文化的斑斑痕跡，盡在細節裡隱隱發酵。每一處地景既是對台灣土地的真實呈現，更是對歷史記憶如何影響台灣人民的身份認同與文化傳承的細膩描繪。

透過沈昭良的影像語言，《漂流》將台灣的地理與文化景觀帶入全球視野，並在全球化與當代政治歷史爭議的背景下，梳理出台灣在當代藝術語境中的獨特地位與深遠意涵。

《漂流 (序曲) - 沈昭良攝影展》

展期｜2025.02.13－03.22

地點｜也趣藝廊（臺北市大同區民族西路141號）

La Vie雜誌2月號以「跟著光，尋找創作靈感」為題，封面照片選自日本攝影家水谷吉法的《Voices of flowers》系列作品，看似太陽的柔和光暈，其實是一朵刻意失焦的鬱金香。他因《Tokyo Parrots》裡怪誕的東京鸚鵡廣受國際矚目，並持續以快門記錄下都市裡微不足道卻充滿張力的瞬間。談起攝影不可或缺的「光」，他說：「我選擇不以言語去定義光為何物，希望透過攝影來表現並呈現某種形式的光。」

來自日本福井縣的水谷吉法，18歲時離開家鄉赴日本大學經濟學系就讀，在此之前，他不曾接觸過攝影或藝術。直到畢業前夕求職不甚順利的過程中，偶然接觸到攝影師羅伯．法蘭克（Robert Frank）的攝影集《The Americans》後深受吸引，自此開啟了對攝影的興趣。於是在大學畢業後，他進入東京綜合寫真專門學校，就學期間持續將作品上傳Tumblr和Flickr等社群媒體。儘管並無師事任何知名攝影師，但靠著網路世界的傳播，他漸漸在海外展露頭角。

2012年從專門學校畢業，短短兩年後，水谷吉法獲得荷蘭《Foam》雜誌「Talent Call」、LensCulture年度50大新銳攝影師等殊榮，2015～2017年間更陸續在東京、比利時、北京、瑞士、倫敦及巴黎等全球各地舉辦個人攝影展。首部攝影集《TAXI DIRTY BOOK》，也是他向瑞士的出版社自我推銷，最終在海外成功發行。這也是為什麼水谷吉法的日文訪談中，常常可以在標題看見「逆輸入」一詞，意指其揚名海外後，才在日本國內受到矚目的「反向輸入」特殊經歷。

在不起眼的都市角落打上一道道聚光燈

廣受海外矚目的《Tokyo Parrots》系列作品，毫無疑問也是水谷吉法的生涯代表作。從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡？」此一疑問出發，他花了一年時間追蹤群聚於東京住家附近的野生鸚鵡。他在傍晚至夜間時分朝著樹枝、電線桿打上閃光燈，捕捉了羽毛顏色鮮豔的鸚鵡們，在振翅時帶有些許神祕、怪誕的氛圍。

水谷吉法提到，每一張照片都是即興拍攝，「拍了整整一年，大概可以掌握到鸚鵡會在什麼時候、從什麼方位回到鳥巢，也曾嘗試過定點拍攝，但永遠沒辦法完全掌握鸚鵡的習性。」他也說明，最一開始其實並沒有加入人造光源，但發現打光才能呈現出夕陽西下時鸚鵡的鮮亮螢光色，便決定在拍攝中採用閃光燈，加強作品炫目、迷幻的要素。

正如《Tokyo Parrots》所示，水谷吉法十分擅長從都市中發掘題材。除鸚鵡之外，他也曾拍攝過計程車司機的執業登記證、罩上防塵罩的汽車及爬滿常春藤的建築。他說：「踏上攝影之路後，我開始仔細地『觀看』周遭，對映入眼簾的所有人事物都充滿好奇。」他一一捕捉這些散落於都市角落、易於被眾人忽視的光景，再帶來令人眼睛一亮的呈現。

2014年《YUSURIKA》及2016年《Voices of flowers》系列作品，也是水谷吉法在擷取都市風景時所誕生的。「YUSURIKA」意指常棲息於水邊的搖蚊，某一天，他在白天以閃光燈拍攝自然景致時，突然發現了映照在成像中如雪花般的白色光點，才發現是相機捕捉到了搖蚊的身影。「雖然攝影常是為了忠實地記錄下映入眼簾的景象，但這系列作品透過捕捉自然中的光點，更有巧思地重新詮釋了自然神祕之美。」

《Voices of flowers》系列則擷取了在東京、倫敦等公園拍攝的花草景緻，以色彩豐富的自然風景，重現水谷吉法心中春天的柔和景象。本期雜誌的封面正是收錄於此攝影集中的亮點之一，他在東京某處以長焦距鏡頭取景，讓畫面中央的鬱金香刻意失焦，藉此呈現出獨特的光暈美感。

探索數位相機獨一無二的表現方式

水谷吉法從20歲開始接觸攝影，除了初期曾短暫嘗試過底片相機外，近乎所有的作品都是以數位相機拍攝。他說明，這或許和他從15歲就開始用手機拍照有關，自然地更習慣操作數位相機。此外，他也積極活用數位相機獨有的功能，如2018年的《HDR_nature》正是使用HDR（High Dynamic Range Imaging，高動態範圍成像）技術之下誕生的作品集。

HDR指的是透過組合不同曝光程度的照片，用以保留照片明亮和陰影部分的細節，生成出最接近肉眼所見畫面的功能。水谷吉法在HDR拍攝的曝光過程中刻意地移動相機，任由相機從數個不同焦距、曝光的瞬間，拼湊出肉眼不可見的流動構圖和魔幻氛圍。「和相機忠實紀錄影像的特質正好相反，HDR功能可以創造出新的色彩、光線與世界觀，是數位相機獨有的創作方式。」

在2021年的《Higashikawa》系列作品中，水谷吉法更嘗試了在鏡頭前加入彩色膠片。此系列作品是參加北海道東川町駐村計畫時的紀錄，他提到，駐村期間曾有藝術家說：「看著彷彿畫布的雪白大地，就很想在上頭揮灑色彩。」對這句話深有同感，水谷吉法最終摸索出的解答正是使用彩色膠片，替東川町的冬日景緻染上一道道光彩。

持續捕捉自然的罕見現象

比起攝影師的頭銜，水谷吉法或許更適合被稱為都市裡的觀察者、記錄者，所有映入眼簾的人事物，都有可能成為他快門捕捉的對象。他對於童年時期穿透樹葉間隙灑下的陽光、反射在水田上的粼粼波光都記憶猶新，也熱衷於從建築中找出攝影題材。他特別鍾愛墨西哥建築師路易斯．巴拉（Luis Barragán）的作品，時常觀察其在空間中如何分配、調和色彩以及計算光線。

問及未來是否有任何想拍攝的題材，水谷吉法的回答依舊富有其個人風格—想拍攝「鐵氧化細菌」。這種微生物會在河川表面形成看似油脂的薄膜現象，在自然光的折射下，於水面映照出彷彿彩虹的光圈。他說：「這種自然的神祕現象非常有趣，但因為罕見，也很難發現。」儘管至今並沒有直接以「光」為主題的創作系列，但透過每一幀照片，他已為許多習以為常或難以察覺的生活一角，映照出炫目光景。

水谷吉法

1987年出生於日本福井縣。以都市裡各式自然為題進行創作。2013年獲頒JAPAN PHOTO AWARD，2014年入選Foam magazine Talent Call。在日本國內、英國、法國等世界各地舉辦個人攝影展。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜Yoshinori Mizutani}

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