葉忠宜和貴婦一起上紅茶課，林唯哲熱愛組裝遙控車；前者是創作型設計師，後者以操刀品牌策略為設計主力。不禁讓人好奇，在設計養成的路上，他們各有哪些充電法寶？採訪當天聊不完的兩人，真的必須再揪一攤。

兩人的共通點是赴日求學與生活。林唯哲在東京GK設計集團的3年間，不斷被灌輸「任何一個設計都要說得出理由」，爾後獨立接案時發現，與客戶的溝通的確必須建立在「策略」之上，因此養成現今的理性設計風格。說到策略，曾在京都攻讀當代藝術的葉忠宜分享，日本藝術論述之扎實，藝術的策略在於掌控觀者情緒，設計何嘗不是？兩位在一次又一次的論述中，覓得更清晰的設計之路，至今未完待續；至於設計邏輯的培養，當然得從日常做起。

Q：聊聊你們與靈感的共存之道。

林唯哲　接觸相機5年下來，我拍的照片都不是依照日期分類，而是感覺，比如幸福的、憂鬱的。我長年在研究「感覺視覺化」，像以前住在中野住宅區，房子都不高，每戶都照得到夕陽，我就會把感受到的靜謐感拍下來，並且歸檔、分析，為什會往往只要有一台老機車、植物、陽光灑落，人們就能感覺到靜謐感？或許靜謐的條件是金黃色加上一個老舊的物件？啊，也就是一個強烈的物件、加上植物這種比較軟性的對比。總之我會把照片裡的元素給抽出來，用很理性的方式分析。

葉忠宜　透過底片相機的觀景窗，我每天都在訓練構圖，好像日常生活中的每個畫面都是一個layout，所以後來跳到文字排版的世界時，發現一切是通透的。記得當時為了攝影，還跑去大阪攝影工作室學習傳統暗房手沖洗技巧，工作室的老闆告訴我們，只要有畫展就去看，要我們去了解藝術家創作裡頭理性的那一部分。攝影是理性構圖的成果，而觀察周遭光影變化是絕佳訓練方式，每次按下快門前，我們都要先畫草圖、設想光源，比如這個物件想要呈現什麼氣氛，所以要在哪裡設定多少光源等，類似你在腦海模擬設計layout，無時無刻都在累積靈感。

Q：要如何從興趣中獲得設計啟發呢？

林唯哲　我玩遙控車的契機是兩年前做玩具品牌的branding，藉調查之名，買了非常多玩具，一栽入發現不可思議，剛好我一直很喜歡質感QQ的東西，超愛各種QQ類的食物，對軟軟的東西真的無法抗拒。避震器就是這樣的存在，比如攀岩車底盤很高，你就可以看到避震器在各種崎嶇的路面，彈來彈去的QQ狀態。遙控車都可以自由改造，我都是自己摸索並上網請教前輩；很有趣，我並不善於使用社群，可是卻在玩了遙控車之後， 加入無數個國內外遙控車社群。其實組裝遙控車跟做品牌很像，因為品牌就是一個系統，而車子是一個機器， 只要有一個小地方不對勁，就要找出問題然後調整，又或是由於輪胎胎紋不一，面對不同地形便要懂得更換； 而且幾乎每一款車在歷史上都是真正存在，可能來自二戰期間、某年歐美賽車賽事，透過玩車的過程也吸取許多額外小知識。其實設計師所擁有的，與其說是技術， 倒不如說是融會貫通世間萬物的技能，和洞察錯誤、解決問題的能力；此外，從組裝機械的過程中也能有效訓練專注力。

葉忠宜　因為對攝影很有興趣，我學了色彩學，也是和設計的一個交叉點，雖然那時候只是為了不讓攝影耗材太兇才學（笑），可是國家色彩檢定也是一路考下去。有趣的是，通常感性、理性都是背馳討論，但色彩可以理性、同時也是人的心理知覺裡頭最感性的一部分；我漸漸發現，理性建築在感性之上，就好像人會有視覺錯差，這是感性的東西，而當你變出一套理論時，就可以告訴大家怎麼做才能騙過視覺錯差，也就是用理論去補足感性，所以其實兩者是互相結合的。而且色彩學很講究對比，在這樣的訓練下，使我後來觀看景物時都可以很自然地把它切換成黑白畫面、深淺對比，對於日後做設計時的顏色、色塊拿捏很有幫助。

Q：作為一位設計師，好奇心的重要性為何？

葉忠宜　我會告訴自己好奇心永遠不要停下來，比如日常生活中會討論到的網路文化、網紅等題材，有人擁護有人排斥，而對我來說，就算我不喜歡，我也會很好奇別人為什麼會喜歡。我覺得這和設計十分相關，因為做設計時大家常說要去了解你的TA（Target Audience，目標對象），可是平常就沒好奇心的話，等於是拒絕了解他們。再切入到實際層面，講到學習新東西，也不要用功利主義的心態，好比我去上紅茶課，純粹是嘗鮮心態，但也還好有這個課程經歷，前陣子在做「台北最強肉桂捲」包裝設計時，因為受眾剛好和紅茶課的貴婦吻合，我就知道TA可能偏好什麼樣的下午茶體驗，最後包裝也選用貴婦很愛的莫蘭迪配色。這些事情無法透過一夕間的市場調查得出，所以很多東西還是要回歸日常生活，像我不會去diss任何事情，尤其身處創意產業，常常要去Reach不同TA，當然不可以抗拒、排斥、厭惡某種事物或某個族群，而是要對什麼都保持好奇。

林唯哲　我們不要去抗拒各種可能，「跟不同的人對話」是我一直以來最有興趣的，像我每年都會去歐洲一趟，和當地人聊夢想、聊希望，一起完成一個創作。比如有一年去愛丁堡，當時的我很徬徨，很像在漆黑當中，而其實夢想就像一個探照燈，指引我們前進，所以我就寫了一個正楷的「夢」，用破爛的英文跟當地人溝通，請他們看著這個「夢」，把它畫出來，我也希望這些人能帶領我，例如在hostel遇到一位烏克蘭女生，當時因為知識不足，做了一件非常失禮的事情，以為烏克蘭等於俄羅斯，但她很有禮貌地解釋， 我才知道原來烏克蘭和俄羅斯一直處在戰爭狀態；假設你google台灣、俄羅斯、美國，總會看到很多風光明媚的照片，但你搜尋烏克蘭，出現的是戰爭的畫面。那時我也請她用母語寫下她的夢想，她的夢想就是世界還烏克蘭和平，而且要把媽媽和弟弟也帶來蘇格蘭，我現在講到這個還是雞皮疙瘩。我發現每個人在不同性格、背景之下， 同樣一個「夢」字，都有屬於自己的樣子，潛意識完全展現出來，我把這些東西整理成小冊子，每當徬徨困惑時，就會拿出來看；每年也透過那一場旅行，獲得最棒的充電。

葉忠宜　接觸不同的人真的蠻好玩，記得旅行歐洲那年我都是住Airbnb，其中在瑞士住到一個年輕媽媽家，她每天都接小女兒下課，但白天是情色攝影師、晚上是大麻商（編按，瑞士自2011年起販售輕量大麻合法化），冰箱一打開全部都是。退房時她很開心地跟我擁抱，拿大麻出來問說這樣夠不夠，我說不用不用，她還是給了我一包。其實她給我的大麻早就超過我給她的住宿錢了吧！我想，她應該很享受和旅人接觸。

林唯哲　比起錢財，這個交集、這份認識更珍貴。我好喜歡這些人的故事，為人生帶來很多啟發！

Profile

葉忠宜

日本京都造形藝術大學研究所畢業。卵形oval-graphic 平面設計工作室負責人。台灣交通大學應用藝術研究所兼任助理教授。曾企畫、翻譯字體設計大師小林章所有著作中文版，之後統籌製作華文圈首本文字排印設計專業雜誌《Typography字誌》，並與城邦臉譜出版社共同策畫設計教育書系《Zeitgeist》，陸續引進國外平面設計經典。

林唯哲

東京藝術大學設計科視覺設計研究所畢業，後於東京GK Design設計集團任職。2012年創立選選研設計，目前擔任選選研設計總監，服務日本、台灣等設計專案。2016年與友人於東京創辦了NIBUNNO創意旅店。

採訪整理｜曾智怡

攝影｜黃少柔

圖片提供｜葉忠宜、林唯哲

完整內容以及欲知更多有趣自學之道，請見La Vie 2021年2月號《創意人的自學關鍵字》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN