台中國立臺灣美術館（國美館）於2021年2月26日至3月28日舉辦第2屆「臺灣國際光影藝術節」，並以「黑暗之光」為主題，邀請台灣、日本、法國等8組國內外藝術家團隊參展，打造出依美術館自然環境所創作的大型戶外光影裝置，不僅呈現出光的不同樣貌，亦盼望藉由藝術之光，讓人們感受到作品欲傳達的正向能量。

2021臺灣國際光影藝術節 2月26日～3月28日臺中國立美術館戶外園區登場

在被不安籠罩的2020年，生活頓時蒙上陰影，而身處最黑暗的時刻，更需要有光、有希望，點亮每個人灰暗的心，因此，本屆的光影藝術節以「黑暗之光」為題，將帶領人們窺見藝術裡的光與希望。於2月26日～3月28日在台中國立美術館戶外園區展出的2021臺灣國際光影藝術節，邀請國內外共8組創作團隊參展，創作出呼應大自然現象的大型戶外光影裝置，當中亦包含程式控制的互動裝置、配合國美館5Ｇ環境設置的互動裝置等，讓人看見光的不同樣貌，相當精彩。

直擊「黑暗之光—2021臺灣國際光影藝術節」8組作品！

1. 萊普斯團隊《影格 - 電玩情節》（播放時間：每15分鐘播放一次，每次約7分鐘）

來自法國的萊普斯團隊以LED照明裝置結合音樂及科技聞名，且擅長運用空間，並進行程式編排融入裝置劇情；此次替光影藝術節打造的作品更運用了台灣人耳熟能祥的音樂，讓人相當驚喜。

情節一開始如同電玩遊戲在一片混沌中展開，牆上跌跌撞撞的燈管小人，正如同努力適應疫情時代的我們，最後能看見110個燈管小人攀爬在國美館牆上，不只是重現慶典的情形，亦是回應在疫情下，群聚是如此困難的事。

2. 有用主張《狂收藏－龍捲風》

由陳冠宏與陳映竹共同成立的有用主張，此次打造出以光構成的龍捲風，藉此也讓人去反思，有些人追龍捲風，把它視為美好的存在，而多數人把他視為自然災害，究竟龍捲風是如何的存在？則靠觀者來定義。

而當美術館中出現光龍捲風，代表的是人們克服恐懼，或是將其當作展示品般展示宣揚？進一步引領大家思考，未來盼能好好運用人類的力量，造福全世界。

3. 蔡宜婷《對稱加速度
》

為動力藝術家、新媒體藝術創作者的蔡宜婷，以不平衡的老車懸起一顆巨大的石頭，建構出這帶有一股緊張力量的作品。而民眾可以透過掃描說明牌上的QRcode，上傳自己生命中有意義的照片或影片，讓車輛前投射出來的光，與映射在地面上、由大家上傳的影像所構成的風景，共同建構出作品，也行成專屬此刻的影像之詩。

4. 黑川互動媒體藝術《光廊》

擅長透過互動科技、電子機械、網路、燈光為媒介的黑川互動媒體藝術，打造出一道沈浸式的光廊；觀者拿起手機掃描說明牌上的QRcode，走進作品中後，腳下隨即出現專屬自己的光圈及色彩，而當腳步移動，光點亦會跟著改變，有趣的是，與他人交會時，光也會隨之產生迴響，正如同人之間的互動過程。

5. 謝佑承 X 王中原《高壓電》 

電是生活中不可缺的能源，但它卻是隱形般的存在。謝佑承與王中原透過想像20世紀以前，人們是如何目擊這個大自然的龐大雷電能量，而在現今，我們又是如何看待人造光與夜晚所帶來的改變？藏在巨大黑暗中的《高壓電》，以突如其來的閃現，在文明進步或災難將至的預兆之間，重新思考自然與光的關聯。  

6. 安可工作室《環形邊境》（播放時間：每15分鐘播放一次，每次約7分鐘）

來自瑞士的安可工作室擅長帶入當代建築空間，將聲音視覺化及分散至空間之中，這他們以光影使得水池與周圍環境相映反射，黑暗中，首先是嚴謹的幾何形狀，鏡像的表面傳遞出有序的訊息；一旦鏡像的水面開始出現震盪與波浪，燈光線條也旋即扭曲變化，工整的環境開始變得凌亂，在秩序與失序間交雜，現實與詮釋開始對話。

7. 高德亮《座標系列 - 樹林》

來自澳門的高德亮善於運用雷射和光線，投影製造自然又科幻的空間，此次將水平儀投射在樹上及旁邊的一堵牆上，紅色的雷射光線在空間中交織出特別的視覺效果，宛如樹披上了紅衣，也讓人有走進紅色花林之感。

有趣的是，原本有些葉子已脫落的樹木，在作品建構期間，慢慢冒出芽來，讓自然環境一同造就這件藝術裝置，不同時間來，亦有不同感受。

8. 千田泰廣《日行跡》  

日本藝術家千田泰廣以自然經驗為基礎，擅長以「空間意識」和「身體感覺認知」為主題創作沉浸式藝術裝置，此次打造的《日行跡》，使用白色尼龍線隨機編織在空間中，在黑暗中，交織而成的結構與投影出的白色光線，宛如一片星空之景，而以不同速度移動的光點，就如同流星，也讓人一抬頭，便見證到美麗的「流星雨」。而其實不須過多的說明，靜靜享受這片星辰就能感受光的最大魅力。

黑暗之光  2021臺灣國際光影藝術節

日期：2021.02.26（六）～2021.03.28（日） 17:00～22:00 

地點：國立臺灣美術館廣場玻璃帷幕、入口二樓戶外平台、E亭、美術館前方草坪、空橋等戶外空間

文字｜Adela Cheng    

圖片提供｜都市藝術工作室

2025米蘭設計週期間，GUCCI 攜手 2050+ 創意團隊及其創始人 Ippolito Pestellini Laparelli 共同策劃《竹藝邂逅》特展，致敬竹材在品牌設計史與美學基因中的永恆印記。

本屆米蘭設計週於4月8日至13日展開，而GUCCI《竹藝邂逅》特展在16世紀聖辛普利西亞諾修道院的絕美建築群中登場，匯聚全球當代設計師與藝術家以突破性手法重新演繹竹材的創意之作。

重新演繹竹材的創意之作

《竹藝邂逅》的靈感源自 GUCCI 於1940年代中期開創的工藝革命——當時品牌首度將竹材運用於手提包握柄設計，經典的 Bamboo 1947 包款由此誕生。此後數十年間，竹元素躍升為品牌最具代表性的設計符碼，其意義遠超越單純的裝飾細節。在 GUCCI 的歷史長河中，這種材質串聯起藝術、文化與設計的多重維度，不斷衍生嶄新內涵。因此，本展即立足於此深厚傳統，探索竹材跨越時空的演進軌跡。

瑞典智利裔藝術家 Anton Alvarez 以顛覆性的家具與物件創作聞名。而這件雕塑作品《1802251226》，如同建築系統中層疊承重的結構邏輯，竹材憑藉其纖維韌性破水沖天。Alvarez將此力學美學轉化為視覺語言——在作品中， 結構即視覺表現，視覺元素亦承擔結構功能，形成崩塌與穩定的精妙平衡。有別於傳統雕塑將材料置於從屬地位，他的創作讓「材質決定形態」，如同自然力量般不可預測。本作致敬竹材與水源這兩種既穩定又狂野的生命力載體，映照人類對有機形態的永恆迷戀。

巴勒斯坦藝術家 Dima Srouji 透過玻璃、 文本與檔案等媒介，在衝突地帶探勘文化遺產的心理空間。而這件《Hybrid Exhalations》呈現竹編器皿與吹製玻璃的對話。Srouji 在全球蒐羅匿名工匠的竹籃，交由耶路撒冷與拉姆安拉之間的 Twam 家族玻璃匠人預先吹製配件。兩種時空節奏在此交會：竹編蘊含慢速冥想，玻璃吹製則需瞬間直覺。當來自巴勒斯坦的玻璃元件抵達倫敦與竹籃結合時，創造出脆弱與堅韌並存的詩意對話。

荷蘭設計團體 Kite Club 由產品設計師 Bertjan Pot與靜物攝影組合 Scheltens & Abbenes 成立，專注單線風箏的當代詮釋，此次他們帶來的《Thank you, Bamboo》系列風箏，融合當代材質與竹結構。本作混用防撕裂尼龍、塑料膠帶等現代材料與傳統竹骨，既向竹材的強韌輕盈致敬，也證明風箏製作可融入日常物件。展場特別設置旋轉竹竿機械裝置，在無風環境中模擬氣流，讓風箏於修道院中庭凌空起舞。

奧地利設計師 Laurids Gallée 擅長將民俗元素轉譯為現代材質語彙，作品遊走於功能與藝術之間。此次他以樹脂創作作品《Scaffolding》重新詮釋竹材質感。其受竹製施工架啟發，本系列以樹脂封存竹材動態瞬間。拋光細節與深藍色調強化靜謐感，負空間軟化結構線條，形成沉浸與浮現的視覺韻律。作品刻意保持功能曖昧性，邀請觀者自行詮釋。

法國藝術家 Nathalie Du Pasquier 受亞洲屏風啟發，運用竹板與絲綢面料打造作品《PASSAVENTO》，其設計了四組可移動竹製隔屏，部分鑲印巨幅竹影絲綢簾幕。竹材未經雕琢的原始管狀特質，與精緻緞面形成粗獷與奢華的質感對話，呼應其近期對直線構成的探索。 

首爾藝術家 Sisan Lee 擅長將自然素材融入當代設計，作品平衡原始性與現代感。本件作品《Engraved》以韓國「減法美學」為核心，Lee 透過鋁鑄技術間接表現竹韻。陽刻竹紋反射流光，磨砂底面則強調虛實對比，使金屬表面成為傳統水墨「留白」精神的當代載體。 

杜林與孟買雙人組 the back studio（Eugenio Rossi 與 Yaazd Contractor）擅長結合工業製程與傳統霓虹工藝。本裝置作品《bamboo assemblage n.1》，探索竹材與冷陰極光的共生可能。快速生長的天然竹結構與高科技硬體並置，質疑工業時代的計劃性報廢邏輯，提出永續技術的未來想像。

資料提供｜GUCCI

與2025米蘭設計週同步登場的「24 Hours」計畫中，時間變成了一種可被觸碰、想像，甚至玩味的物件——由24組風格迥異的國際設計師所詮釋的24款掛鐘，打破對於「報時」的既定印象，也重新定義了設計的形式與功能。

24組設計師、24款創意時鐘

「24 Hours」由設計工作室Jamie Wolfond Studio策劃與執行，共邀請24組國際設計師參與。這些設計師在創意的光譜上各據一方，有人以研究為本、有人注重形式、有人偏好手作⋯⋯而他們收到的任務很簡明扼要：「製作一款可壁掛的時鐘，其尺寸必須能裝入一個邊長50公分的立方盒子中。」

這24個掛鐘的設計跨越不同時代與風格，把「時間」轉換成流動而靈活的元素，並邀請觀眾重新思考設計與實用性之間的關係。2025米蘭設計週期間，「24 Hours」將於藝文空間RIVIERA展出，由創意工作室Simple Flair策展，讓觀眾一覽這24個獨一無二的時鐘。以下精選了其中8款獨具特色與設計巧思的時鐘，一起來看看吧！

▸ Wrist to Wall

設計師：Chris Kabel

現在很少有人依靠手錶來看時間了。為了善用這些被淘汰的手錶，設計師發明了一個配置掛勾的放大鏡，讓使用者把舊手錶掛在牆上，透過放大鏡觀看錶面。讀取時間這件事從手腕移到了牆面，如同從私人轉變為公共的存在。

▸ Final Sale

設計師：Jamie Wolfond

這款時鐘由收據機（微型印表機）改裝而成，它每分鐘列印一次當前的日期與時間，並任其拋落在地上。而一旁閃爍的燈光，則顯示秒數的流逝。「Final Sale」每天列印1,440張收據、一週列印10,080張，每張收據皆獨一無二，快速堆積在時鐘下方。

▸ 24-hour Clock (Manual)

設計師：Sam Newman

這是一本共1,440頁的筆記本，每頁都有60個格子，對應一整天24小時內的每一秒。使用者需要像時鐘一樣，每秒在格子上打勾記錄時間。而為了保持時間精準，打勾的行為行為將全然佔據思緒、甚至帶有強迫性，最終浪費掉大量時間。

▸ Real Time

設計師：Sina Sohrab

這款時鐘由四個螢幕組成，輪播著全球約200個監視器的即時影像，包含從紐約的電梯到米蘭的教堂祭壇，從突尼西亞的服飾店到日本大阪的工廠，從印度阿布山的冥想室到峇里島的理髮店等。每個監視器畫面上的時間戳記成為「即時性」的證明；而觀看世界各地缺乏敘事性的畫面，就像是用某種抽象的方式追蹤時間的流逝。

▸ Time by Crayon

設計師：Shigeki Fujishiro

這款時鐘概念源自於設計師曾看過的一種玩具，裡面有球狀的蠟筆在盒中滾動，在底部畫出一幅圖像；隨著圖案逐漸加深，球體也越變越小。「Time by Crayon」將球狀蠟筆置於圓形框中，沿著邊緣不停地滾動，畫出越來越深的線條，象徵時間的流逝。

▸ Pendulum

設計師：Shane Schneck

尼采曾說過「時間本身就是一個圓」。他假設時間不是線性的，而是循環的，而人類所經歷的每個快樂、痛苦與喜悅，將不斷重演。這款時鐘使用舊平板電腦進行遠端編碼，呈現出觀眾所看到的畫面：最大的一圈顯示24小時制時間，而鐘擺每秒擺動一次，如同數位時代的布穀鳥鐘一般。這款時鐘不僅回應了尼采的理論，也向觀眾展現了電子垃圾的循環利用。

▸ Ravioli with butter and sage clock

設計師：Chris Fusaro

靈感源自於北義大利經典料理「奶油鼠尾草義大利餃」（ravioli con burro e salvia），這件作品以陶瓷盤為底，邊緣的紋飾作為12、3、6、9點標示，指針由兩片鼠尾草葉組成，而義大利餃則靜置於盤中，閃著奶油包裹的金黃色澤。此外，這些義大利餃皆由傳統的脫蠟鑄造（cera persa）技術製成，將工藝與飲食文化相結合。

▸ Belle

設計師：Studio Œ

「Belle」的靈感來自古老時代的報時方式。在多數人家中沒有時鐘的年代，人們依賴教堂鐘聲等聲音掌握日常生活節奏，用以區分工作時間、用餐與社交聚會等。在鬧鐘普及之前，還有一種職業叫做「敲窗人」（Knocker-uppers），他們會用吹管朝住戶的窗戶射出豌豆，叫醒早班工人。而這款「Belle」便是透過聲音引導使用者，每過15分鐘，它會模仿豌豆撞擊表面的聲音來報時。