吳明益小說《複眼人》劇場版世界首演!四月將於臺中國家歌劇院登場

作家吳明益的小說《複眼人》2011年出版至今,已翻譯為15種語言,更深深吸引旅法德籍導演盧卡斯.漢柏(Lukas Hemleb)萌生改編為劇場作品的念頭。盧卡斯自2015年起開始與吳明益書信往返,歷經多年醞釀、籌備,《複眼人》劇場版在臺中國家歌劇院與臺北表演藝術中心共同合作下,今年4月24、25日將在歌劇院世界首演。吳明益表示,看過盧卡斯過去的作品、訪談後,相當期待《複眼人》的「再創作」。藝術總監邱瑗更期待《複眼人》是歌劇院遞向國際的名片之一。

改編複雜情節挑戰大  運用劇場多元想像力

盧卡斯與臺灣表演藝術的緊密合作關係始自2006年執導漢唐樂府作品《洛神賦》,15年來多次往返臺灣,深受臺灣文化吸引。吳明益的小說更在他挖掘與探索臺灣的過程中,扮演了舉足輕重的角色。他說:「《複眼人》呈現了很多我之前並未發現的元素,引領我認識了臺灣真實的現況,尤其是原住民文化;小說中複雜多層次的觀點涵蓋神話、科學、原民文化等元素,相互纏繞交織,體現了人類存在的真實,是讓我最受感動的部分,也啟發了想要改編成劇場作品的想法。」然而小說中龐雜的情節以及層層疊加的意義,讓改編看起來像是個不可能的任務,如何將《複眼人》帶進劇場,是盧卡斯不斷問自己、思考的問題。

盧卡斯認為小說本身的想像力範圍非常廣,是創造新語彙的無限泉源。書中魔幻寫實場景的描述結合現實世界迫切的議題,許多元素如海嘯、颱風等天災,或是摧毀臺灣東海岸的垃圾島,都讓劇場版的製作充滿了各式各樣的技術性挑戰。盧卡斯分享,在改編的過程中,音樂幫助他找到一個思考的角度,將原本不可能在舞台上呈現的部分,藉著音樂將戲劇想像立體化。劇中另外一個有趣的元素是盧卡斯藉戲偶的演變描繪書中「一個想像的人物」:來自瓦憂瓦憂島的阿特烈;另外透過影像投影技術,讓戲偶及演員置身於不同的環境,觀眾除看到舞台上的演出、更可一睹幕後技術操作,兩種複合而成的真實如何建構。盧卡斯笑稱,劇場版《複眼人》是個無法定義的表演作品,它像是一齣沒有太多歌唱的歌劇,音樂卻相對豐富的戲劇作品,同時結合戲偶、多媒體影像,現場音樂演奏及預錄音樂, 

劇場製作卡司堅強  通力整合各項挑戰

《複眼人》劇場版除了由盧卡斯自己擔任概念發想、導演、劇本改編及燈光設計,更匯集了多位資深劇場設計者及演員:包括第18屆國家文藝獎得主王孟超擔任舞台設計顧問、曾獲金馬獎最佳造型設計黃文英擔任服裝暨造型設計,旅美作曲家李元貞為這齣奇想與真實交錯的作品構思音樂、師承國寶大師李天祿及陳錫煌的製偶藝術家賴泳廷設計戲偶,及多媒體設計陳彥任;演員包括徐堰鈴、阿洛.卡力亭.巴奇辣、蘇達、懷劭.法努司、鴻狄、柯逸華、翁若珮、林立川、薛美華及于明珠。盧卡斯表示,身為導演,他就像是在營造一個化學實驗室,帶入每個人的獨特性與創造力。

劇中飾演阿莉思的徐堰鈴是最早開始參與此製作的演員,她說:「劇場版《複眼人》的演出人員還包括舞者、操偶師及歌者,呈現手法及形式多元且魔幻,這齣劇就如同『複眼人』的存在,有各種型態同時發生。」擔綱敘事者的懷劭.法努司則表達《複眼人》對他來說,就像是老鷹,俯瞰照護土地上的子民。阿洛.卡力亭.巴奇辣非常喜歡她所扮演的哈凡,她認為這個角色既美學又暴力,既幽默又浪漫,與自己很相似。飾演達赫的蘇達分享,《複眼人》象徵與寫實手法相互巧妙穿插,裡面有土地上真實存在的人,也有意象上的人物,觀眾可以人生劇展的方式來看劇中人物的故事,絕對可以感受到屬於自己的詩意與共鳴。

此次製作由台積電文教基金會支持,成為今年「台積心築藝術季」節目之一。台積電文教基金會每年策劃大型「台積心築藝術季」,及文學相關主題活動與獎項,透過一系列精緻展演,增進民眾對藝術文化的興趣,豐富心靈與生活。《複眼人》從臺灣海島及原住民文化出發,透過獨特的世界觀呈現臺灣與世界彼此的連結,創造了屬於臺灣的魔幻寫實,今年2月更獲選柏林影展Books at Berlinale 單元十本推薦書之一,足見其深具改編的潛力。歡迎大家4月相約歌劇院,感受《複眼人》劇場版的魅力。

演出資訊

《複眼人》

演出日期:2021/04/24 (六)14:30

     2021/04/25 (日)14:30

演出地點:臺中國家歌劇院 大劇院

購票請上OPENTIX售票平台

來自神秘海島瓦憂瓦憂島的阿特烈,依照島上習俗,出生後滿180次月圓時必須離開家鄉,出海航向未知;獨居東臺灣海岸的教授阿莉思,因兒子托托與丈夫登山後雙雙下落不明,自此一心只想尋死;布農族的達赫與阿美族的哈凡,歷經截然不同的人生歷練,不斷在選擇中尋找出路。這天,太平洋的垃圾渦流撞擊臺灣,剎那間所有命運緊密交織。現實與想像交錯的生命故事,描繪著在困境裡抉擇,在脆弱中掙扎的生存樣貌。而「複眼人」安靜旁觀,默默見證人類記憶深處的絕望、堅毅與思念。

原著/吳明益

概念發想、劇本改編、導演暨燈光設計/盧卡斯.漢柏

作曲/李元貞    

舞台設計顧問/王孟超

服裝暨造型設計/黃文英

多媒體設計/陳彥任

戲偶設計/賴泳廷

舞台助理設計/羅婉瑜

道具設計/山峸製作設計

燈光設計助理/張善婷

執行製作暨導演助理/羅尹如

劇本翻譯/賈翊君

劇本編修暨排練助理/林國峰

指揮/張尹芳

演出者/徐堰鈴、阿洛.卡力亭.巴奇辣、蘇達、鴻狄、柯逸華、懷劭.法努司、翁若珮、林立川、薛美華、于明珠

錄音樂團/北藝大管絃樂團

技術統籌/林立羣

製作單位/臺中國家歌劇院、臺北表演藝術中心

演出角色

阿莉思│徐堰鈴、翁若珮

哈凡│阿洛.卡力亭.巴奇辣

達赫│蘇達

阿特烈│林立川、薛美華、于明珠

敘事者│懷劭.法努司

鄔瑪芙│鴻狄

薄達夫│柯逸華

本節目亦為2021「台積心築藝術季」系列節目之一

異業合作:茶籽堂

資料提供|國家表演藝術中心臺中國家歌劇院

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「周先生與舞者們」周書毅 ✕ 「微光製造」李尹櫻、王宇光對談:這些年我們走下舞台,在城市山海跳舞!攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門

當「現代舞」舞出劇場,會發生什麼?與活生生的人和世界,能碰撞出什麼火花?14年來帶著舞作《1875 拉威爾與波麗露》巡演全台130場的周書毅,和創作之外持續在非典型場域帶大眾「到處跳舞」的舞團「微光製造」,聊聊跨出舒適圈,去到人群中起舞的困難與好玩、思考與軼事, 一路上給出與收穫的,又如何帶來如舞步般瞬間卻永恆的能量。

2006年,周書毅的舞作《1875 拉威爾與波麗露》誕生,於倫敦沙德勒之井劇院、紐約秋季舞蹈藝術節等現代舞殿堂得獎、演出後,回台轉向土地與人群,陸續以2010年起的「舞蹈旅行計劃」、2011年重啟的「波麗露在高雄」之名,與舞團「周先生與舞者們」上山下海、出城入市,從沿海的小港機場到茂林最深處的部落,3年來深入高雄38區,10月初,回到衛武營演繹劇場版最終場作為完美落幕。

攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門
2024年10月「波麗露在高雄」歷經3年56場巡演後,重回衛武營上演最終場「劇場重製版」,也將一路上遇見的許多觀眾第一次帶進劇院看了一場現代舞。(圖片提供:衛武營國家藝術文化中心)

另一頭,2019年舞者王宇光、李尹櫻成立舞團「微光製造」,從台東鹿野神社、崑慈堂的廟埕、墾丁南灣沙灘,跳到巡演途中的德國、日本,甚至疫情間的線上會議室,帶領全齡素人大眾探索肢體,11月底也在衛武營戶外劇場,和社區社團「省北舞藝」的媽媽們演繹《半島來跳舞》。跳了、編了一輩子舞的3人,認真相信肢體的力量,也用各自的方式大聲和世界分享。

微光製造在臺北松菸。(攝影:林育全)
微光製造在臺北松菸。(攝影:林育全)

Q:最初,走出劇場跳舞的起心動念是?

 書毅 當初海外演出回來之後,還沒有找到其他機會,但又覺得這個作品還有一些可能——所以就上街了!2010年第一次在板橋火車站演出。其實最初就是想用一個較低成本的方式,讓作品還可以活下來。

 尹櫻 常常覺得自己很幸運,雖然學舞是辛苦的,可是當我有一些想像或生活的情緒在心裡時,都可以通過身體去表達出來。但每當邀請媽媽或長輩一起動身體,大家滿常會說「啊,我不會啦!那太難了」,好像「跳舞」是為了某一特定人群而存在,那時就想,能不能撐出一個空間,讓大家也可以在裡面很自在、什麼也不用想地,用自己的身體為自己說話?

微光製造於日本城崎,尹櫻(圖中)帶領大家透過跳舞探索肢體 。(攝影:陳韋勝)
微光製造於日本城崎,尹櫻(圖中)帶領大家透過跳舞探索肢體 。(攝影:陳韋勝)

Q:這些年下來,演出/教學模式如何確立?如何選擇跳舞的地點?

 書毅 「波麗露在高雄」沒有搭台、沒有燈光,每場演出半小時多,內容約20%會因場地變化,譬如服裝、走位、進場方式。最近一直有人跟我說這計畫很「永續」,但我覺得其實就是回到一個「比較簡單的溝通方式」。舞蹈的觀眾有很大的城鄉差距,台北以外的地方,比較少有機會能去進入所謂「現代舞蹈」或是「當代藝術」的思考,但不代表他們沒有這個想像力,所以就想從民眾生活中熟悉的場域切入,讓大家對於表演空間的理解不會很有距離感。

這些年,不少地方還是會期盼看到一個「形式」,有廟宇會說:下次早點講,我們就幫你準備舞台還有雷射燈啦(笑)!大家已經離開所謂「日常的藝術參與」很遠,公共空間有很多規定,不能有金錢交易、街頭藝人只能在特定一條街道⋯⋯,某種程度也違反了藝術表演的自由。所以我很強迫自己一定要去向公園處、路燈處、海港局等等申請很難的場地,去衝撞公共空間的自由度。地點上,我們會蒐集在地人的推薦、IG發問的回覆、舞者的兒時記憶,我騎摩托車一個個去場勘、拜訪,有餘力時也會先到在地學校或老人服務中心、原住民文化健康站教舞蹈課,要費很大力氣、許多溝通才能獲得一個表演空間,但是有趣、正向的。

 宇光 我們從好小開始、跳了好久的舞,一直都是在有架高和彈性的地板上、在鏡子前跳,這是很有安全感的模式,但也希望試試去戶外,透過身體來擾動一下場域和其中的人。每一次的形式完全不同,在衛武營,嘗試因應建築的弧度線條設計隊形或動作;在松山文創園區,一邊是古蹟,另一邊是誠品現代化的商場,我們就選在中間,讓人們因為我們而停下來觀看、甚至是參與;在淡水雲門劇場,當然有非常完整的排練場,但我們刻意不要在裡面,而是在夜晚和大家一起吹風、看夕陽落下來、在草地上打滾,雖然身在劇場,但是把在劇場裡面的事搬到外面做。

有時也會和我們的創作有關聯,試過在《捺撇》德國巡演時,演出前先請觀眾嘗試舞作中的雙人舞步,兩個人把重心依靠在彼此身上移動,透過觀察施力的模式,發掘自己是不是自我意識太高或太過小心等等,更加認識自己。

攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門
「到處跳舞」在淡水雲門劇場。(圖片提供:雲門,攝影:周嘉慧)

Q:在戶外跳舞,天氣之外,最難的是什麼?

 書毅 找觀眾!我們說「跳舞給『你』看」,但那個「你」在哪裡?如果和左鄰右舍說「欸等一下那邊有抽獎」,大家都會去嘛,但如果說「那邊有舞蹈表演」,其實大家不一定會踏出門。我問了好多觀眾為何會來,多半都是因為有一些「關鍵人物」推薦,譬如老師、里長的廣播,廟和區公所的LED燈字卡,傳統海報對於社區也還是很有效,但不能貼在連鎖的喔,要找到在地人會吃的麵店、小吃攤,為此我不知道吃了多少紅豆餅(笑)。我們也突破了很多幾百人的社區LINE群組,還有混入一些臉書社團,「我是楠梓人」、「我是旗津人」,我已經當了很多種人。

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2024年於蚵仔寮藍色公路前廣場演出。周書毅分享,演出中在出現「大叫」等人們共有情緒的橋段,很容易引起共鳴,每當結尾時,舞者把一個可能是氣球或風箏的「無形」物件傳遞給觀眾,這般互動也總是讓大家莫名快樂,拉近距離。(攝影:Chang Chih CHEN陳長志)

 尹櫻 一開始真的會像「跟會仔」,慢慢往外擴散,要先找到在地一群有運動習慣的人,或許是打太極或跳廣場舞的阿姨叔叔,打聽他們什麼時候、會習慣聚集在哪個空間?然後大家真的非常習慣用LINE,會問能不能把資訊做成長輩圖比較好傳(笑)?因為對於用身體表達這件事不熟悉,大家習慣還是要找個伴一起。

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「到處跳舞」在台北松山文創園區。每堂課尹櫻都會引導大家以一人、雙人或一群人的有趣方式,感受和探索肢體及流動其中的情緒,找到和自己身體對話的自在方法。(攝影:林育全)

Q:如何消弭人們對舞蹈的距離感?

 書毅 跳舞本來就不遠,只是有沒有機會去試試看,那無論如何,我先創造「欣賞」的機會。我從來不會強調「環境劇場」之類的專有名詞,只是把那個「公共性」給喚醒,有人會自己帶椅子、野餐墊,有人站很遠,有人在他家2樓打開窗戶看——大家支持表演的自由,也是實現觀看的自由。

 尹櫻 每次在一些基本練習後,會引導大家找到身體可以「往外撐開」的空間,可能是手再往外劃一點、再跑更遠一點,或所有人共同去創造出一個自己完成不了的動作——「好玩」很重要,覺得有趣才有辦法更打開身體。然後不論前面玩得多瘋狂、多累、多髒,最後一定會選一首音樂,請大家閉上眼睛、為自己跳支舞。

 宇光 身體很容易成為一種「相對」,開始社會化後,我們的身體就不斷被比較、規範、限制、觀看跟被觀看——可在此之前,我們其實很用力地在很短的時間內,從一團肉體學會如何爬行,身體是我們的武器,是很重要的實驗、犯錯跟認識世界的方式。每次尹櫻請大家閉上眼睛,不論年齡、性別、文化背景,人們的表情總是非常吸引我,他們真的在享受自己的身體,沒有人評論你好不好看,你只跟自己的身體對話,那一刻是非常珍貴且「絕對」的。

攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門
「到處跳舞」於台東鹿野龍田崑慈堂的廟埕。宇光說,其實「有時候是我們選場地,有時候是場地選我們」,常會覺得和每個場域、地方的人相遇都是「一起透過身體來交個朋友」的珍貴緣分。(攝影:彭柏璋)

Q:這一切給不同場域的人群帶來什麼擾動?反過來對你們自身來說呢?

 書毅 有小朋友從3歲看到6歲、國中看到高中,跟著我們去過山上的那瑪夏、茂林,很多人都有因為這個計畫而移動到另一個不熟悉的區域,更認識自己出生的城市還有這座島嶼。10月在衛武營剛落幕的劇場版,很多看過的觀眾都回來了,高雄38區都有,連唯一因山陀兒颱風還沒去到的那瑪夏(編按:已於2024/12/11前往順利完成演出,至此,已完整波麗路在高雄的拼圖。)也有。那兩天加起來大概900位觀眾,其實不如有些戶外單場人數多,但我問誰是第一次買現代舞的票進劇場?超過1/3的人舉起手,已經非常感動。

「波麗露在高雄」重回衛武營上演的最終場「劇場重製版」。(圖片提供:衛武營國家藝術文化中心)
「波麗露在高雄」重回衛武營上演的最終場「劇場重製版」。(圖片提供:衛武營國家藝術文化中心)

 尹櫻 今年有到東部幾間學校分享舞蹈,很多隔代教養、或跟家裡關係不是那麼親近的孩子,上完課後家長們很開心在群組分享,孩子回去表演今天跳了什麼,舞蹈讓他們在日常對峙、凝滯的互動之外,有了不一樣的對話;還有上一堂課拒絕脫掉鞋襪、嚴肅的媽媽,下一堂課很開心拉了很多人來——找到跟身體的相處方式時,喜悅是會散發出來、想跟他人分享的。舞蹈好像就是這樣,因為有趣而一直往下滾動,看見每個人不同的樣子,對我自己來說也好像是一個不斷在換氣跟呼吸的過程。

攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門
李尹櫻。(圖片提供:微光製造)

 書毅 也有一天可能不會再有力氣,或發現這座城市已經不需要了,但「推廣」每個世代都不會停,也要靠不同藝術家發展自己的方式,像尹櫻、宇光就是很直接讓大家可以「參與」。作為一個移居者,我也一直很鼓勵在地人自己做,很開心高雄現在滿多人開始在做舞蹈公開課,不管收費與否,有多種讓民眾進入的機會,都會對未來的舞蹈打開更多選項。

攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門
周書毅。(圖片提供:衛武營國家藝術文化中心)

 宇光  書毅當年在板橋車站的那場演出,我其實有作為粉絲在現場看(笑)。那時我想,哇~這個作品可以從紐約、倫敦,帶著這麼多舞者,回到一個沒有燈光、沒有舞蹈地板的車站大廳,非常了不起,從2010年到現在我都這樣認為,也持續思考,怎麼可以透過空間和場域去試探,把作品的更多樣貌、可能性不斷打開?微光的網站有做一個地圖,只要去過就會在地圖上釘一個圖釘,希望未來越來越多地方可以有「到處跳舞」的痕跡。

攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門
王宇光。(圖片提供:微光製造)

周書毅
編舞家、舞者。從身體出發,用舞蹈作為與世界溝通的語言,關注人與社會環境之間的關係。編創聚焦叩問生命的價值,提出「屬於亞洲的身體語彙」,並以劇場、非傳統劇場、舞蹈錄像等形式呈現,持續以移地移居創作的方式遊走各地。編創作品《Break & Break!無用之地》於2019年獲台新藝術獎表演藝術獎。2020年迄今受邀擔任衛武營首位駐地藝術家,移居南方。

王宇光、李尹櫻
曾任雲門2專職舞者,擁有十多年表演經驗,2019年共同創辦舞團「微光製造」,透過長年對身體的敏感度,專注當代舞蹈創作與藝術推廣,近作《捺撇》、《人之島》備受國際矚目,同時持續為素人與樂齡舉辦課程,推動與發展「到處舞蹈」長期藝術推廣計畫計畫,對身體探索、提問,讓藝術生活化,從認識自己的呼吸開始,透過身體製造微光。

採訪整理|李尤 攝影|Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧
圖片提供|衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

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漫步美術館,與舞蹈和科技藝術不期而遇

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(圖片提供:臺北市立美術館)
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觀眾入場會得到一張演出地圖,在觀演時間內可依自由選擇觀賞順序,不僅打破傳統單一舞台的觀賞模式,每位觀眾也將獲得不同的理解脈絡和敘事。

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《漸見》演出時間

12.14(六)13:30、16:30

12.15(日)11:00、15:00

12.21(六)13:30、16:30 *北美館日

12.22(日)11:00、15:00

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首波衍生品以《2023台北雙年展:小世界》回收的展覽宣傳帆布、路燈旗布為材料,打造美術館寄物專用的「循環觀眾包」(非賣品)及輕巧的「循環隨行包」(限量商品)。此波商品由專注於循環設計的UndergroundStudio操刀,透過臺灣老師傅的手工縫紉結合當代設計美學,悉心為館內卸除的每一吋廢棄材料注入新生命。

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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹本,152 × 169.2公分,臺北市立美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)