漆藝家林宣宏，放棄醫學轉而深耕台中豐原，在二十餘年間鑽研漆藝創作，讓漆畫開闢出與油畫、水墨相異的獨特藝術風格。多年來他更深入在地，推動地方創生，只為讓家鄉沒落的漆器產業再現風華。

從漆器創作到地方創生，漆藝家林宣宏深耕豐原在地文化二十餘年，話匣子一開，熱情停不下來。「就像我們喝茶，知道阿里山跟梨山的茶風味有異，越南和大陸各地高海拔產的樹漆，成色塗料效果也是截然不同。」原本學醫，投身漆藝創作，多年的產業史田野調查，讓他深入了解家鄉土地，肩負文化傳承的理想。

民國六○年代是豐原漆藝的黃金時期，外銷鼎盛長達十多年，產業沒落後，豐原漆藝有沒有可能繼續往前走？

漆藝家林宣宏。

沉潛思考，林宣宏從樹漆採集、混合礦物色粉成色漆、髮刷塗漆、蒔繪紋樣各方面多重試驗，嘗試木胎、竹胎、陶胎、瓷胎、無胎（脫胎）。「天然漆的黏稠度沒有標準，我們說髮如絲，拉起來至少三十公分一條細線，太稀或太濃都不好塗抹。」

林宣宏表示，把漆一層層塗上器物，只要不碰撞出裂痕，漆的膠黏力、防水和防腐性，遠遠勝過其他塗料。漆藝學問高深，工藝程序繁複，必須控制在百分之七十到八十的濕度、二十至三十間的溫度，每塗抹一層就要陰乾一整天，塗的次數越多，漆開得越漂亮，反覆動作下來，完成一件作品，最快也要近一個月的時間。

漆樹主要生長在中國、日本、韓國、台灣、越南，天然樹漆產量受限季節，產地和品種，十足珍貴。

將漆塗刷上器物有隔絕效果，可防止木材腐壞。

「十六世紀歐洲稱瓷器China，漆器流傳自中國、在日本發揚光大，被稱作Japan，像我做的這個就叫Taiwan。」把板豆腐搗碎與漆結合，在台灣瓷器上拓製紋樣，不同顏色分次塗抹，瓷胎加麻布、貝殼，技法多重，光澤透亮細膩。他研發出專利「漆磁」，於磁磚層疊堆塗樹漆，貼附金箔、蛋殼等多媒材交融，效果繽紛多彩，近幾年林宣宏把技法運用在漆畫，呈現不同於油畫、水墨的獨特質感。

一心想著振興豐原的漆器產業，在成立品牌「漆繪仕漆器CHERIS」之前，林宣宏開創「仁社」，以整合社區資源為目標，推動「葫蘆墩社區總體營造」計畫，推廣在地文化、舊俗再翻新，舉辦「台灣情人節在葫蘆墩」、「葫蘆墩五日節」等活動。融合餅、茶、香精髓，將豐原漆藝和糕餅文化巧妙結合在一起，帶動體驗優雅吃餅不掉屑的「餅道」。

身為土生土長豐原人，林宣宏把活絡地方作為使命，一頭栽進。當傳統工藝和舊思維劃上等號，不受重視，仍有一群人努力讓自己成為翻轉的力量。

漆繪仕漆器。

光點

漆繪仕漆器CHERIS
地址：台中市豐原區東洲路6巷2號
電話：04-25280213
FB：台中豐原仁社‧漆繪仕漆器 Cheris.tw

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作者：楊芷菡

本文轉載自微笑季刊2019春季號《跟著神明去旅行》，非經授權請勿任意轉載。

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從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）