忠泰美術館《聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代》!亞洲首度公開Zaha Hadid、Rem Koolhaas等建築大師珍貴原稿

*7/15(四)更新

忠泰美術館自7/15(四)起恢復開館,並採線上預約制, 7/15(四)~8/15(日)凡成功預約平日參觀《聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代》展覽,即可於成功報到後,享免票參觀優惠。更多預約參觀細節資訊,請參考忠泰美術館官網:https://tinybot.cc/jutbooking/ 

此外,因應疫情考量,為提供民眾更寬裕的看展體驗與時程安排,展期將延長至12/5(日)。 

忠泰美術館年度重點建築展《聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代》從5/8開始至9/5止,呈現AA倫敦建築聯盟(Architectural Association School of Architecture,簡稱AA)前院長阿爾文.博亞爾斯基(Alvin Boyarsky)於1971至1990年掌舵期間,充滿前衛性的辦學理念,透過教學、展覽與出版品等計畫,讓AA一躍成為培育建築大師的搖籃。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
AA倫敦建築聯盟前院長-阿爾文.博亞爾斯基

展覽規劃六大主題,展出阿爾文.博亞爾斯基個人將近百件的珍貴典藏,包括繪圖作品、AA絕版出版品與紙本資料,其中包含雷姆.庫哈斯(Rem Koolhaas)札哈.哈蒂(Zaha Hadid)等建築大師新銳時期的繪圖原稿,同時也是這些珍貴原稿首次在亞洲公開!期待透過回顧當時建築新銳們的建築繪圖創作,引領觀者從建築教育的創新與前衛性去探究建築與創作的本質。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
本次展出將近百件的珍貴典藏,其中包含札哈.哈蒂(Zaha Hadid)等人,於新銳時期的繪圖原稿,同時也是這些珍貴原稿首次在亞洲公開展出。

AA前衛時代的紙上攻防戰:從建築繪圖、實驗策展,培育建築人才

「繪圖(Drawing)」一詞不僅是表達設計與形式的語言,更是傳遞思想與探索建築的重要媒介,同時也是1971年至1990年間擔任AA倫敦建築聯盟院長的阿爾文.博亞爾斯基所推崇的建築教育核心。《聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代》與阿爾文.博亞爾斯基典藏(Alvin Boyarsky Archive)合作,透過展現這位將AA推上國際頂尖建築學府地位、培育出多名國際建築大師的關鍵人物,其辦學理念與紙上作品收藏,來剖析建築繪圖與創作本質的教育議題。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
「繪圖(Drawing)」一詞不僅是表達設計與形式的語言,更是傳遞思想與探索建築的重要媒介。

阿爾文.博亞爾斯基曾以「牆上作圖,我們作戰。」這句話,表達自己透過繪圖來反抗、變革建築教育的精神。在其擔任AA院長期間,十分推崇繪圖的藝術與概念,大動作拓展出版品定位,收錄當代建築師充滿前衛思潮的紙上創作。此外,由他開創的前衛教學制度「設計教學分組單元系統」(Unit System),要求各單位指導老師向院長「推銷」設計想法應聘成功後,再向學生「簡報」概念,並「募集」學生,篩選學生繪圖作品錄取單元學員後,才算正式開課。從教學方針變革,提供新銳建築師各自對話交鋒又充滿實驗性的合作交流平台,同時,繪圖的影響力也在手繪圖稿的傳播便利性、出版品蓬勃發展與課程系統的重要地位中,逐步擴大。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
忠泰美術館現場展出包括繪圖作品42件、AA絕版出版品16件與多件紙本資料。

阿爾文.博亞爾斯基的兒子,同時也是這次共同主辦單位代表暨展品提供者的尼可拉斯·博亞爾斯基(Nicholas Boyarsky)提到:「這些繪圖作為一種『對話』交流,無償致贈給我父親。透過展覽中回顧我父親不同的人生階段,與建築師間長達數十年的對話,亦能看見他們作品的發展歷程。」

亞洲首展:從六個主題脈絡剖析建築大師原稿與AA絕版出版品

本展是繼2014年首度於美國聖路易華盛頓大學米爾德雷德.萊恩.肯帕藝術博物館(Mildred Lane Kemper Art Museum at Washington University in St. Louis),以及次年於普羅維登斯羅德島設計學院美術館(RISD Museum, Rhode Island School of Design, Providence)展出後,首次在亞洲展出。本次將呈現將近百件珍貴典藏,包括繪圖作品42件、AA絕版出版品16件與多件紙本資料等,透過展場中六個主題:「夏季學程」、「歐洲激進派」、「繪圖的氛圍」、「繪圖實踐」、「反思現代性」、「反思歷史」,從歷史記憶、當代文化、都市主義、新科技與新媒材的實驗,映照出當時風起雲湧的國際建築文化與AA獨特的學制下,建築師們如何透過手繪圖稿去述說他們對未來世界的想像。臺灣展覽顧問曾成德表示:「(展覽中的)前衛運動雖然停在了某個時刻,不過它也開啟我們對未來想像的可能,這也是希望本展能帶給大家的。」

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
「反思歷史」主題關注於建築師透過繪圖表述對城市、歷史記憶和社會反思的一面,成為宛如集體記憶或歷史開放資料庫般的存在。

展覽六大主題搶先看

夏季學程

阿爾文.博亞爾斯基在任職AA院長前開設的國際設計學院(International Institute of Design,簡稱IID)連續三個夏季舉辦的建築聚會,匯聚各種教學方法、理論與人物,架構起建築學術交流的全球網路,成為AA獨特學制的濫觴。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
「夏季學程」匯聚各種教學方法、理論與人物,架構起建築學術交流的全球網路,成為AA獨特學制的濫觴。

歐洲激進派

展品來自於阿爾文.博亞爾斯基夏季學程期間交流所得的藏品,展出活躍於60和70年代的歐洲激進派團體如:倫敦的建築電訊(Archigram)、維也納的藍天組(Coop Himmelblau)、佛羅倫斯的超級工坊(Superstudio),同時也是此次展品中創作年代最早的作品。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
藍天組,維也納,1968年成立。《超級空間》,約1969年,彩色照相膠印平版印刷、絹印。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
本次展出「盒裝」(Box)、「作品集」(Folio)、「大開本」(Mega)等系列出版品,其中12套Folio與4套Box均為絕版珍藏。

繪圖實踐

探討繪圖將概念視覺化後,帶來的交流與對話,展場以宛如「俱樂部」沙龍座談般的空間,再現AA學院小組制教學架構中充滿對話的學習場景,同時也展出多位建築師的手繪原稿。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
「繪圖實踐」展場中規劃宛如「俱樂部」沙龍座談般的空間,再現AA學院小組制教學架構中充滿對話的學習場景。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
忠泰美術館現場展出包括繪圖作品42件、AA絕版出版品16件與多件紙本資料。

繪圖的氛圍

本區展出阿爾文.博亞爾斯基擔任院長期間,積極推展的出版品計畫,從「盒裝」(Box)、「作品集」(Folio)、「大開本」(Mega)等系列,如同紙上展覽會的出版品中,能看見建築師們充滿前衛與實驗的紙上作品;其中的12套Folio與4套Box均為絕版珍藏,本次展場特別規畫部分AA出版品提供觀眾翻閱。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
阿爾文.博亞爾斯基擔任院長期間,積極推展的出版品計畫,《聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代》展場特別規畫部分AA出版品提供觀眾翻閱。

反思現代性

於本主題中,能看見建築繪圖對於推展及促進公共空間的全球討論,是一種極為有效的媒介,透過展示、出版或參加國際競圖,持續在現代主義中挖掘發展的可能性並與國際對話,比如巴黎拉維列特公園(Parc de la Villette)競圖所繪的圖稿,其中包含札哈.哈蒂(Zaha Hadid)以及大都會建築事務所(Office for Metropolitan Architecture,簡稱OMA)、伯納德.初米(Bernard Tschumi)等在現今都極具影響力的建築大師或團體的競圖創作。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
札哈.哈蒂,英國籍,生於伊拉克,1950年-2016年。《世界(89度)》,1984年,壓克力顏料手工及水洗上色、紙本。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
大都會建築事務所,鹿特丹,1975年成立。雷姆.庫哈斯,荷蘭籍,1944年生。史蒂法諾.迪馬提諾,義大利籍,1955年生。《龐畢爾斯塔》,荷蘭鹿特丹,1980年,彩色絹印、3頁紙本。

反思歷史

本區聚焦建築師透過繪圖表述對城市、歷史記憶和社會反思的一面,成為宛如集體記憶或歷史開放資料庫般的存在。丹尼爾.李伯斯金(Daniel Libeskind)、約翰.黑達克(John Hejduk)在繪圖中,透過視覺反省20世紀所經歷的恐怖與災難事件。約翰.黑達克於1986年在AA校園廣場的臨時建築體《時間的崩塌》(The Collapse of Time)的模型,為其探討納粹大屠殺歷史《罹難者》系列作品之一,以真假虛實交錯的敘事方式,闡述創作與社會的關係;俄羅斯「紙上建築師」派(Paper architects)的亞歷山大.布羅德斯基(Alexander Brodsky)和伊利亞.烏特金(Ilya Utkin)的蝕刻版畫,則企圖重新捕捉被蘇聯的進步與標準化政策拒於門外的那段過往。

聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
(左)約翰.黑達克,美國籍,1929年-2000年。《柏林假面舞會》概念發想草圖,1983年,筆、墨、三張不連續的素描本內頁、一張橫線筆記本紙。(右)亞歷山大.布羅德斯基,俄羅斯籍,1955年生。《無題(捧著建築物的人)》,1984年,蝕刻版畫、Johannot紙。

本展從建築教育探問出發,展覽期間也規劃多場活動,包括開展首日(5/8)的開幕講座,邀請本展策展人伊格爾.馬里亞諾維奇(Igor Marjanović)、簡.豪爾德(Jan Howard)、阿爾文·博亞爾斯基的兒子尼可拉斯·博亞爾斯基(Nicholas Boyarsky)及過去曾經在AA就學的台灣建築師現身說法,帶我們重返那個充滿活力及競爭氛圍的現場。展期間也預計在展場中舉辦四場「ADA新銳建築師對談:建築新銳的35/45」,邀請八組2020年ADA新銳建築獎得主,以輕鬆對談的方式,分享他們人生經歷,遙相呼應AA前銳時代的對話氛圍。

 聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代
忠泰美術館年度重點建築展《聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代》將於5/8開展。

聚變:AA倫敦建築聯盟的前銳時代 

展覽地點|忠泰美術館(臺北市大安區市民大道三段178號)

展覽時間|2021/5/8 – 2021/12/5,週二至週日10:00-18:00(週一休館)

資料提供|忠泰美術館

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2025大阪世博將於4月13日開幕,除了各具特色的國家館外,主題館(Signature Pavilions)展區也不能錯過!共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜,切入生命的各個面向,用趣味的互動式探索體驗,引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being(Resonance of Lives)

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林,以無屋頂、無牆壁的設計,模糊室內與戶外的界限,傳遞開放性與共享的理念。

2025大阪世博8座主題館一次看!趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結
Better Co-Being(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係,將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術,讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區:「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性,幫助人們重新挖掘彼此的連結;「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景,鼓勵對平等與包容的深思;「人與未來的共鳴」通過互動裝置,展現環境與人類之間的動態變化,啟發對未來生活模式的想像。

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Better Co-Being(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

Future of Life(Amplification of Lives)

由日本人形機器人權威石黑浩領銜,這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性,像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命(機器人)、千年後生命的形態等,啟發性地呈現未來生活藍圖,鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

2025大阪世博8座主題館一次看!趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結
Future of Life(圖片來源:Expo 2025 Osaka)
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Future of Life(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

Playground of Life: Jellyfish Pavilion(Invigorating Lives)

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感,建築外觀採用半透明膜結構,呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性,致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

2025大阪世博8座主題館一次看!趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結
Playground of Life: Jellyfish Pavilion(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

館內,二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯,觀眾可以盡情地攀爬,喚起童年時期的純真與活力;一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」,不為年齡設限,讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

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Playground of Life: Jellyfish Pavilion(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

null2(Forging Lives)

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義,利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀,讓人感受到自然與建築的交融。走進展館,觀眾的身體將被數位化,與有機變形的自己互動。

2025大阪世博8座主題館一次看!趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結
null2(圖片來源:Expo 2025 Osaka)
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null2(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE(Quest of Life)

根據熱力學第二定律「熵增定律」,有序只會朝無序的方向移動。然而,唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量;只有生物才會主動地同時分解、重塑自己,而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

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DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃,通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象,象徵生命的循環與流動,而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子,溶解到環境之中,重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色,並重新思考生命的短暫與無限。

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LIVE EARTH JOURNEY(Totality of Life)

設計師河森正治策劃的展館,聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結,從以人為本的思考轉變回以全生命為本,強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區:沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間;五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱;4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球,與雞蛋內的生命成長情形,是人類感官所無法捕捉的時空尺度;最後一個展間則放大微生物的生長動態,揭開平日視線之外的生命循環。

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LIVE EARTH JOURNEY(圖片來源:Expo 2025 Osaka)
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LIVE EARTH JOURNEY(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

EARTH MART(Cycle of Lives)

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造,其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成,象徵過往鄉村生活的繁榮。

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EARTH MART(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集,而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等,並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅,重新塑造新時代的生活見解。

2025大阪世博8座主題館一次看!趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結
EARTH MART(圖片來源:Expo 2025 Osaka)

Dialogue Theater –sign of life–(Embracing Lives)

最後一個展館由導演河瀨直美策劃,是一座參與式的對話劇場,每日設定不同主題,隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論,藉由個人經驗交流、全球議題討論,激盪出更多互動火花。策劃團隊表示,發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話,也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存,將傳承給未來人類。

2025大阪世博8座主題館一次看!趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結
Dialogue Theater(圖片來源:Expo 2025 Osaka)
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台北當代藝術館2025年首展「No Language」:以跳脫語言文字框架的創作,直探當代藝術感官力量

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觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎?有時候,語言(文字)並不能完全表達藝術家的想法,試著用感覺來理解,而不僅是依賴語言的解釋,觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館(當代館)於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽,由黃彥穎擔任策展人,邀集14組臺灣中生代與新生代創作者,突破語言表達的束縛,透過視覺、觸覺與共同經驗的連結,帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量,發掘日常生活中微小的不平凡。

台北當代藝術館於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽。(圖片提供:台北當代藝術館)
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所有語言的確都是抽象的,只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治.歐威爾(George Orwell)

策展人黃彥穎說明:「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度,但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑,我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程,而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性,以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》,展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣,藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏」,引發對感官秩序的深刻思考。

陳松志《奢侈的墮落》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態,《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底,延續記憶的旅程,《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感,而《經過》則透過飛機雲的數位影像,將不同時空的日常經驗串聯。

黃萱《經過》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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黃萱《隨著風》《Flat #3》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點,將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象,讓平凡生活散發浪漫光彩。

蘇育賢《病毒》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置,透過光影與記憶的交疊,挖掘平凡景象中的感性張力。

李婷歡《As the Light Went Through It》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯,以抽象的畫面和符號結構,帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

江忠倫《很久很久以前》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性,展出的三件作品以紙張為主要媒材,巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋,其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來,首次公開展出。

劉文瑄 《媽媽咪呀》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象,行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭,反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象,從而喪失對深度與細節的關注。

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空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑,以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸,重新佈署精神化的身體造型。

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陳為榛《夾板實驗場:熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料,建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野,在冷峻形式的線條基礎上,將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

陳為榛《夾板實驗場:熱幾何》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象,用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

黃海欣《動物園》系列(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面,促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感,將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面,邀請觀眾以觸覺或其他感官,探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

何彥諺《席地而坐》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈:城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範,提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式,進而審視自身與周遭環境的關係。

崔廣宇《系統生活捷徑-表皮生活圈:城市精神》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間,上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化,讓時間不再是線性概念,而是身體動態與空間感知的交織。

黃立穎《轉折》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車,幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》(圖片提供:台北當代藝術館提供,攝影:ANPIS FOTO王世邦)
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另外,展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動,邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者,專注於那些平時忽略的細節,在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間:2025/01/17 (五)~05/04(日)
展覽地點:台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

資料提供|台北當代藝術館、文字整理|Adela Cheng

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