台灣當代藝術家董陽孜自2016年發起《讀衣》計劃，以時尚設計為媒介，喚醒大眾對中華文字的重視，每年陸續攜手華文圈時尚設計師，用服裝傳達文字故事，展現漢字的藝術與文化底蘊；2021年《讀衣》邁入第五屆，此次策展人董陽孜以「至大無外」作為命題，邀請陳劭彥、周裕穎、蔡宜芬、詹朴、齊振涵五位服裝設計師提出各人有感的字詞延伸創作，於5月8日至5月23日在華山1914文化創意產業園區展出作品，更找來草字頭操刀展場空間，以飛舞的筆墨線條引領觀者進入遼闊的文字世界，解讀衣裳裡的字詞信號。

第五屆《讀衣》最終章，向世界展現中華文字藝術底蘊

《讀衣》用「讀」字暗示「衣」中有深意，用服裝的流行樣態深入淺出傳達文字的藝術和智慧，2021年來到第五屆，亦是「讀衣」計劃的最終章，策展人董陽孜以「至大無外」為題，點出文字的「無限制、無盡藏、無處不在、無所不達、無可限量」，「至大無外」同時也是董陽孜內在心境的投射，他認為文字藝術內涵深遠廣闊、沒有界限，而文字不單只有溝通的功能性，亦有美學與悠久的藝術性，如果只講究應用而忽略其藝術內涵，太可惜了；而共同策展人暨創意總監馮亞敏則提出：「語言文字是人們最輕便的裝備，它流淌在血液裡，也時刻出現在日常之中，然而這看似輕便的裝備卻有著撼動世界的力量，既能記錄歷史，也能形塑人與文化。」無非就是希望透過「衣」這項世界共同語言對國際發出中華文化訊號，也為當代華人樹立標竿，期許喚醒觀者對文字的意識，重新看見遍佈在我們生活裡、早已司空見慣卻不凡的文字重量。

陳劭彥、周裕穎、蔡宜芬、詹朴、齊振涵五位設計師作品亮點

常說「衣」是自我認同的一環，穿著會默默體現一個人的想法與個性，文字亦是，第五屆《讀衣》找來陳劭彥、周裕穎、蔡宜芬、詹朴和齊振涵，各自挑選有感的字詞與「至大無外」對應，並以此為創作靈感，延伸至服裝設計上。連續參展五年的陳劭彥，這次以「山」字為主軸，「董老師的『山』字中有『人』，這個『人』字對我來講很重要，因為服裝跟人有很大的連結，也蘊含了人跟大自然的關係。」陳劭彥運用大大小小的山形延伸出不同的服裝輪廓，再將半透明布料上的「點」與墨暈層次般的「線」化為山中的流水、星辰與生態，呈現「山」的多重意境；此外，陳劭彥也大量運用堆疊，製造重量，除了思考支撐衣服的輪廓跟型態，也思考了色彩的運用，包括藍色、黑色、粉紅色、黃色等，都不是一般人對山巒所聯想的大面積綠色或大地色，希望呈現大自然的多種樣貌，激發觀者更多想像。

周裕穎的創作靈感則源於《莊子》開篇之作《逍遙遊》中莊子對人生觀的神奇想像，希望將其哲學中「乘物以遊心」中「遊」字的重要性與價值觀，透過三套服裝呈現出「遊覽、遊戲、遊玩、遊樂」的創作態度；而身為改造好手的周裕穎，這次充分落實永續再造的精神，使用工作室廢棄的包裝氣泡袋、不同年代的二手皮衣、丹寧外套與運動夾克回收分類，透過解構、重組，打破既有的版型限制，轉化為帶有西方符號細節的東方袍服；再以塗漆、褪色等手工處理方式，打造光照下顯現的全白視覺，並循著文字線條畫上淡藍色蓄光塗料，在燈光變換下，「逍遙」二字躍上全白服裝，彷彿夜間幻蝶飛舞般浪漫美麗。本次亦是周裕穎第五年參展，他將「至大無外」比擬成對量子領域的理解，即人的意識會組成世界，各自的意識又會創造各自的宇宙，而選擇「逍遙」進行創作，他說道：「隨著人的成長，那種逍遙的心態會逐漸消失，人越來越逍遙不起來，因為有太多的事情會去框架自己，我慢慢體會唯有放開，打破框架方能逍遙。」他更強調，在《讀衣》的專案裡，從不打安全牌，而是盡情去思考新的可能性，挹注新的觀點。

蔡宜芬從「一沙一世界，一花一天堂」進入創作思考，「有一次去海邊，看到沙灘上的小螃蟹吐沙，壯闊而齊整，沙丘被挖的地方很像書法字。對我來說，董老師的字就像大自然的生物一般，像雲、像海、像螃蟹吐沙，都會讓我聯想到主題裡。」不過面對此次的命題，蔡宜芬反其道而行，從反面「至小」來解讀，意即世界由很多小物質所組成，遠看則是宏觀的大世界；而蔡宜芬過去的作品色調以黑灰白居多，為了因應主題壯闊的意象，挑戰高彩度創作，將天空、河流、草地搬進服裝，呈現一個童趣感、色彩斑斕的世界；有趣的是，三套服裝拆開看各自成形，放在一起便會成為一幅畫，呈現出一個個小世界的概念。

首度參與《讀衣》的齊振涵有感於「萬物生於有，有生於無」，以「無」字為靈感創作，傳達自身對未知探索的無窮無盡而至於窮盡至無；對齊振涵來說「至大無外」有種走向宇宙、走向太空的氛圍，再從董老師回寫的「無」字看到了一艘飛行器形象，好似即將前往一片未知之地，因此以充滿未來科技感的太空服呈現「無」字意象，並運用衝擊性的色彩與布花排列，呈現出文字迷彩的時代潮。

三度參與《讀衣》的詹朴，此次借「湍流」對應命題，既反應了詹朴對時間議題的情有獨鍾，亦從「湍流」看到對時代變化的心境。擅長以不同織品技法訴說服裝故事的詹朴，此次運用緹花、印花、針織、梭織體現「湍流」的狀態，詹朴希望用紗線感受並詮釋董老師所寫「湍流」線條的轉折、弧線、力道、濃淡，再透過織品的排列組合，保留服裝上線條分佈的呼吸感，讓人感受到文字的筆觸波動。

看更多五位設計師創作草圖

➔董陽孜《讀衣V》5月華山開展！攜手5位設計師探索文字博大精深

「草字頭」操刀展場空間、「博物映項」彭冠傑執行視覺設計

本屆《讀衣》展覽團隊集結了「草字頭」操刀展場空間，以飛舞的筆墨線條烘襯氣場，圍塑出五大服裝展區，與幅寬近八米的「至大無外」題字相呼應，結合薩克斯風名家張坤德專門製作的展場音樂，從鋼琴的律動到薩克斯風果決的句法與留白，交響出明媚而詩性的空間氛圍；不僅如此，由主展區過渡至副展區，S型架上展示了30幅由實踐大學服裝設計系學生創作的印花作品，繽紛的色系與構圖持續激發觀者對文字藝術的想像，沿著S型架的兩側安置了數張僅容單人體驗的習字桌，「草字頭」更發揮巧思，特於S型架上設計多串小水桶的掛置點，每一位觀者都能拎著水桶到座位上，以輕鬆好玩的方式重溫毛筆書寫的溫度。而本屆也找來「博物映項」彭冠傑執行視覺設計，主視覺以活潑奔放的桃紅渲染，營造視覺張力，也象徵《讀衣》即使來到最終章，仍帶著期許，將中華文字的藝術延伸至觀者內在、生活、甚至未來的世代。

《讀衣V》藝術時尚跨界展

展覽日期｜2021年5月8日（六）-2021年5月23日（日）

展覽時間｜11:00-19:00

展覽地點｜華山1914文化創意產業園區紅磚區西一和西二館

（臨北平東路與杭州北路口）

展覽票價｜免費參觀

圖片提供｜團團創新社

由沿岸制作於2023年發起的品牌「p.n.g.」，帶來的首檔企劃展覽《招牌：》（SIGN: Promotional Narrative Guidance），透過重新定義「招牌」於社會中的角色，以不同面向角度深入探究，逐一拆解招牌在社會長期累積的文化意涵。本展於3月22日至3月30日於 PPP 時尚藝文空間展出。

p.n.g. 為沿岸制作發起之品牌，希冀作為反射生活價值概念的萬花筒，以社會學研究為本的設計品牌，透過對於生態、社會文化、歷史、政治、科技與哲學議題的關注，加以解構與設計轉譯，挑戰人們認知當今社會的想像。而《招牌：》作為p.n.g.的首檔展覽，期盼從自身關注的議題開始，研究梳理而後簡化成大眾可以消化的內容，也期待在未來能夠與更多專業的研究單位合作，一起使關注的議題被看見。

什麼是招牌？

《招牌：》從議題的根本「什麼是招牌？」展開，透過展覽的四個子題切向——「Promotional」、「Narrative」、「Guidance」、「Aesthetic Iteration」，揭示著「招牌作為一種審美價值觀的映照」。而在此次的議題研究中，得以發現招牌的形式與概念逐漸萌芽，建構在「商業活動」的形塑之下，p.n.g.試圖回溯著人類歷史上的「第一個招牌」，透過勾勒出招牌的「前世今生」，描繪招牌在社會中的文化表現，其符號如何建立出共通語言，表述招牌背後的目的並與大眾產生連結。

Promotional／招牌象徵不斷傳達我是誰

展覽第一區「Promotional」，陳述著招牌被視為一種外顯的店家名片，既可以等於品牌本身，更可以透過招牌形體的表現設定，形成一種對外的溝通語言，與社會普遍價值觀進行連結。當招牌在回應「我是誰」的同時，它所指涉的形象本身，也試圖透過各種大聲喧嘩的方式，在社會群體中強調個性、突顯自我。同時，展區藉由三部不同敘事角度的影片：〈台灣招牌的現況〉、〈為什麼會有這樣的招牌？〉、〈我們怎麼認知現在的招牌？〉」詮釋大眾、招牌廣告店家、以及普遍現況的視角論述，提供觀眾不同觀點論述的可能，試圖回應「臺灣招牌從何而來？」。

Narrative ／招牌進行式

展覽第二區「Narrative」，展示著「手繪招牌」、「霓虹燈」、「發光招牌」、「動態招牌」各別呈現的形體，與當下所形構出來的「字體」與「顏色」不同，代表著每個時代反映的價值觀論述，而這些梳理過後的審美結果，完整地融合成我們現今看見的城市街景。《招牌聚落》藝術裝置，乘載我們對於「招牌即為一城市聚落」的想法。聚落（settlement），象徵著人們聚集所形成的所在地，而招牌則是人類社會活動所演進與推動的，我們現今所見的街景，充斥著各種不同的招牌個體，聚集所形成的城市是一個龐大、歷史悠久的聚落，附載著數百年來的人類活動、思考的痕跡。

招牌聚集所形成的城市街景，也正恰好回應著社會、群體與個人之間的交互關係。p.n.g.透過招牌的轉變歷程與系統性的歸類、勘查，釐清不同招牌樣式所產生的緣由與時代背景長遠的影響，於此「臺灣招牌年表」則作為計畫中舉足重要的內容之一，透過相互對照的臺灣／國際歷史與招牌時代演變，成為了每個時間段的連續關係，同時也有著不同程度的斷層存在，臺灣招牌年表作為探究臺灣招牌的一種途徑，提供一個更宏觀、全面的視角使我們建構起招牌與臺灣審美價值觀的年代地層。

Guidance／這是招牌嗎？

展覽第三區「Guidance」，以招牌其中一項意義——指引（Guidance），作為城市中的指引標示，作為店家被大眾認知的載體。然而梳理招牌的歷史脈絡中發現，招牌作為一種城市中的符號象徵，它原始所代表的符徵與形式，在歷經時代變革後逐漸弱化，取而代之的是，當面對社會狀態與科學技術的更替後，延伸變化出的全新樣貌——包括：招牌呈現形式、使用語彙、被認知的意涵，這類型的招牌超越傳統招牌的純指引性功能，轉以另一種意涵的指引為訴求，成ㄊ城市空間或個人經驗的一部分。〈聲音招牌〉則代表著這樣的轉變，以聲音作為招牌符號，透過聲音的震動與傳播，將聲音招牌具象化，那些習以為常的聲音招牌存在於我們的之間，建構起我們對於這些商家的想像與認知。

Aesthetic Iteration／招牌是隨處可見的時代縮影

展覽第四區「Aesthetic Iteration」，透過提問「觀看招牌時所形成的評斷，其背後建構起來複雜、多元、難以分辨的『價值觀體系』是什麼？」展開，以社會學、哲學的論點切入，為一個龐大的疑問提出不同觀點，釐清我們如今所形塑的審美架構與認知從何而來。

城市街景更代表著不同時代的緊密交錯，透過招牌的內容，恰如其分地表達當下時代的脈絡與城市語言，仿佛招牌即是一龐大的岩石地層，以時間序列的方式，縝密地將美學價值觀逐一疊加，成為一種濃縮的美學價值觀。〈街道地層〉全新藝術裝置，即是源於此概念下產生，透過將「地層柱」的概念延伸為審美價值觀的迭代，將「招牌」視為表達當下社會現況的媒介，以各種招牌材質為地層的視覺語彙，剖析招牌地層柱的過程，如同揭示著臺灣招牌歷史的演進，以及社會價值觀、審美觀的累積。

在資本主義與商業模式橫行的社會下，人們其實在無形之中透過選擇購買的商品，來逐漸塑造自己成為某種形象。而這些選擇累積起來，形成個人在社會中的定位與認同。「我們穿上別人以成為自己」，這句話闡述著一種弔詭的矛盾現象——在追求獨特性的過程中，是透過選擇與組合既有的社會符號來建構自我。因此，p.n.g.也特別邀請藝術家陳青琳，透過繪畫的方式，進一步轉譯「我們穿上別人以成為自己」的概念，將街道上的招牌融入「自己」，呈現著所謂的成為自己；而在陳青琳充滿奔放、自由的創作中，我們看見招牌符號融匯社會之中的意象，也在觀看招牌的同時，望見自己。

《招牌：》SIGN: Promotional Narrative Guidance
展覽日期：2025年03月21日（六）～2025年03月30日（日）
展覽時間：週一至週日 10:00-19:00
展覽地點：PPP時尚藝文空間（台北市中山區中山北路二段26巷2號1樓）
參觀資訊：免費參觀

_{資料提供｜p.n.g.、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館兒童藝術教育中心（北美館兒藝中心）於3月22日起，推出全新教育計畫「靜 • 物」。本次計畫以「靜物」為主軸，由館內策展人王瑋婷策劃，展出王亮尹、吳思嶔、走路草農／藝團、邱承宏、張義雄、莫伊塞斯‧巴瑞歐斯、郭柏川、劉啟祥、賴九岑9組藝術家作品，涵蓋繪畫、雕塑、錄像與空間裝置等多元藝術形式，其中更包含多件北美館典藏作品。邀請大小朋友透過藝術重新審視日常物件，開啟對「物」的多重想像與體驗。

「靜物畫」（Still Life）在17世紀荷蘭黃金時代，發展為獨立繪畫類型。當時，隨著經濟繁榮，美食佳餚、異國絲綢、精緻瓷器等成為畫家筆下的熱門題材。然而，靜物畫的歷史可遠溯至古希臘，並在不同時期與地域背景下衍生出多樣的象徵意涵。本展透過「物與物的關係」、「時光定格」與「物的再創造」三個子題，拆解靜物畫的多重面向，引導觀眾探索藝術家如何運用構圖平衡、凝結時間與情感，並轉化日常經驗，讓尋常的靜物在嶄新視角中，展現更多未曾想像的可能。

「物與物的關係」

藝術家透過靜物擺設之間「物與物的關係」，巧妙營造畫面的比例與構圖，不僅成為召喚記憶、激發想像的媒介，也是本展的起始點。前輩藝術家郭柏川的《蘋果與花布》色彩飽滿鮮明，融合後印象派、野獸派的用色及精神，不僅展現對家鄉臺南燦爛陽光的回應，西方油彩顏料與中式宣紙的結合，成為思索東西融合的代表作品；張義雄1950年代的作品《吉他》以強烈的黑色線條勾勒畫面，將吉他、樂譜、花瓶等桌上物件呈現出如剪紙般的拼貼效果，作品反映藝術家當時所承受的生活壓力與內心鬱悶，也展現他對畫面構圖的精心佈局與用色技巧。《香蕉恐龍》來自瓜地馬拉的藝術家莫伊塞斯‧巴瑞歐斯，描繪恐龍在巨大的香蕉上爭吵，隱喻中南美洲長期依賴香蕉為主要經濟出口作物的情況下，未曾止息的權力鬥爭。

「時光定格」

光線在靜物作品中扮演關鍵性的角色，「時光定格」探討其中隱含的時間概念。《最後的願望》是藝術家王亮尹以著名的流動筆觸與滴流色塊，描繪生日蛋糕的外包裝及櫻桃，透過這些物件喚起觀眾對回憶與願望的聯想，營造情感與自我對話的空間。同樣取材自日常經驗，劉啟祥《桌下有貓的靜物》描繪一隻花貓趴伏在桌下層板，桌上擺放著柚子、柿子與佛手瓜等蔬果，光線自畫面右上方灑落。透過藝術家的視角，觀眾彷彿與藝術家一同凝視日常一隅，感受光影流動間的寧靜與詩意。

「物的再創造」

在「物的再創造」子題中，將自身經驗轉化為獨特觀點的藝術形式，探索物件在不同情境中的全新意義，進而激發觀者的多元聯想與情感共鳴。吳思嶔的單頻道錄像作品《I have a good doggy》靈感來自於他在工作室附近撿拾到狗的頭骨，以影像紀錄使用樹脂土逐步還原狗的肌肉與皮膚，最終塑造成迪士尼卡通中的布魯托，作品在自然物與人造物之間展開辯證，突顯生命中荒謬與幽默的本質。賴九岑《零大於壹Ⅲ》組件以微觀視角呈現拆解後的玩具，讓圖像遊走於具象與抽象之間，營造出似曾相識卻又陌生的視覺驚喜。本次展覽更首度將藝術家筆下的玩具零件與作品並置展出，深化對物件與記憶的探索。

現地製作的《採光》隧道由邱承宏精心打造，以混凝土石刻版畫形式呈現，細膩刻畫植物及光影紋理，觀眾可戴上頭燈觀看隧道裡的微觀、日常，思考現代化進程中，人與風景、景觀的關係轉變；另一件作品《水泥動物園》重現1970、1980年代常見於臺灣校園、公共遊樂空間的水泥動物塑像，樸拙的造型及表情曾經是許多觀眾的集體記憶。走路草農／藝團《靜物劇場》以充氣裝置呈現靜物畫常見的描繪對象，將芒果、釋迦和蓮霧等水果主題裝飾瓶身，探索被譽為「水果王國」的臺灣與受青花瓷影響而發展出「台夫特藍」的荷蘭之間的關聯。作品透過視覺轉譯歷史、訊息與符號，激發對「臺灣製造」的認同與新記憶。

推出工作坊與互動演出

另外，本次教育計畫，特別自作品延伸規劃4個互動裝置區域，將小工作坊轉化為「靜物畫，從擺設開始」空間體驗室，讓觀眾能實際動手參與，探索物件與人的關係。展期間除了舉辦多場定時導覽、團體導覽，亦與囝仔人、末路小花劇團、影像創作者陳含瑜合作推出「想像驚奇箱」、「顛倒物件玩玩看」、「多重感覺探索」、「行動代號：現在正好」及「Photogram 物件投影」等5個適合不同年齡層的工作坊與互動演出，相關資訊與報名辦法請關注北美館兒藝中心官網或北美館臉書粉絲專頁。

靜 • 物 Still Life
展期：2025.03.22－2025.08.31
地點：臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}