英雄與美人的愛情故事，一向是人們樂於傳頌的浪漫美談，談起風靡世界的世紀佳偶，拿破崙與約瑟芬皇后想必是不少歷史迷腦中閃過的第一個念頭。適逢拿破崙逝世200週年，與這對愛侶淵源極深的經典珠寶品牌Chaumet，以「約瑟芬與拿破崙，一個非凡的傳奇故事」（Joséphine Napoléon, an(extra)ordinary story）為題，在位於巴黎凡登廣場（Place Vendôme）的Chaumet旗艦店，以珠寶、畫作、藝術品、信札與歷史文件為展品，呈現一場既能展現Chaumet品牌工藝、同時蘊含歷史意義的豐富展覽。

以珠寶、藝術收藏再現拿破崙、約瑟芬的傳奇故事

初入展廳，映入眼簾的即是拿破崙和約瑟芬的肖像畫，點出展覽以兩人間纏綿關係為主線的意涵，從在法國大革命初期的邂逅、結婚、攜手加冕登基攀上高峰，再到因子嗣問題而分開的過程，都在展覽中的蕭邦展廳（Salon Chopin）一一呈現。其中可見首次公開展示的數封「義大利宣傳運動」信札，暗示拿破崙作為政治強者的本質；兩人的結婚證書副本也在展品之列，雖認為僅有拿破崙是為愛結合、約瑟芬則是戀棧財富與權利的聲浪從未間斷，但不可否認的是，這只證書正是這段世紀婚姻的初始，也成了許多創作者的靈感來源，而Chaumet創始人尼鐸（Marie-Étienne Nitot）與兒子François-Régnault Nitot就是著名代表。

拿破崙與約瑟芬的御用珠寶工匠：Chaumet創辦人「尼鐸」

以約瑟芬皇后為名的「Joséphine Collection」珠寶正是Chaumet的當家招牌系列之一，作品靈感則源自於皇后曾經配戴的王冠與頭飾，由此可見Chaumet與約瑟芬之間的深刻連結。回溯十九世紀初期，當時尼鐸為教皇庇護七世（Pope Pius VII）製作的冠冕，在因緣際會之下被拿破崙夫婦瞧見，兩人對這件作品讚不絕口，也成了尼鐸成為約瑟芬皇后御用珠寶工匠的契機。在本次展覽中，尼鐸可說是不可或缺的第三位要角，從早期珠寶製作生涯、到成名後為約瑟芬皇后設計的多樣珠寶，以及過往從未發表過的製作手稿，都是值得一看的藝術亮點。本篇將精選5件珠寶作品做介紹，透過展品不僅能見證Chaumet的創意軌跡，更能窺見拿破崙與約瑟芬皇后的詩意浪漫。

一、麥穗冠冕

麥穗清新療癒的外在形象、象徵豐收富足的內在蘊意，讓它成為許多藝術創作者的愛用元素，就連拿破崙也對麥穗情有獨鍾，因此Chaumet時常以麥穗為主題為約瑟芬皇后設計珠寶。這頂麥穗冠冕約製作於1811年間，巧妙以剛硬鑽石相拼，呈現出麥穗隨風搖曳的柔和形象，約瑟芬皇后首次出席官方慶祝盛典正是配戴這件頭飾，可見其代表性與歷史意義。

二、藏頭詩手鍊

珠寶不僅能彰顯個人氣質、揭示權勢地位，其背後所隱含的詩意訊息也令人為之著迷。圖中這兩條藏頭詩手鍊以七種珍貴寶石製成，分別是鈣鋁榴石（Hessonite）、蛋白石（Opal）、紅寶石（Ruby）、綠松石（Turquoise）、祖母綠（Emerald）、藍白瑪瑙（Nicolo）及藍寶石（Sapphire），若取各樣寶石英文字首並仔細琢磨排列順序，會拼湊出「Hortense」一詞，而這正是約瑟芬之女、拿破崙三世之母「奧坦絲」的芳名。藏頭詩手鍊所蘊含的暖心意涵，也十足反映了Chaumet擅長將複雜情感以珠寶呈現的設計風格。

三、孔雀石浮雕寶石全套首飾

約瑟芬皇后尤愛孔雀石呈現出的碧綠色澤，為此尼鐸父子也常以這款彩寶為媒材，為她打造一些較適合出席非正式場合的珠寶配飾。這套孔雀石浮雕寶石首飾，是目前少數完整留存的全套配飾，在被拿破崙基金會典藏之前，它屬於約瑟芬皇后的兒媳婦奧古絲特–艾梅麗（Augusta-Amelie）。

四、珍珠耳環、雙排珍珠項鍊

約瑟芬皇后對美麗事物的喜愛顯而易見，從她對珠寶的熱愛、裝束的講究都可瞧見端倪，而她不僅醉心於人文藝術，也對植物為之傾心，更擁有一座專屬於她的自然天地—馬勒梅松花園（Malmaison），這是約瑟芬皇后擺脫宮廷生活、尋求心靈慰藉的庇護所。而約瑟芬皇后對自然的鍾愛也反映在珠寶選擇上，她對「天然珍珠」情有獨鍾，圖中左方這對梨型耳環便可見於多幅皇后肖像畫中；雙排珍珠項鍊則以7顆天然珍珠、搭配精美鑽石製成，每顆珍珠可依搭配需求拆卸、安裝，而這樣的「可變換式珠寶」傳統如今仍為Chaumet所用。

五、珍珠及凹紋寶石套裝

以典型法國帝國風格為基礎，運用珍珠、凹紋寶石並飾以金縷絲製成，配飾上可見古希臘奧林匹克山諸神的模樣，象徵愉悅與喜慶、頭戴勝利之翼的「豐饒女神」也藏身其中。這套珠寶製於1809年，為約瑟芬皇后所有，當時拿破崙在與奧地利的戰爭中取勝，但在政治成功背後，兩人的婚姻問題也逐漸白熱化，終在隔年正式結束夫妻關係，正是因為誕生於如此時代背景，更讓這件作品隱含深刻故事性、也極具傳奇色彩。

「約瑟芬與拿破崙，一個非凡的傳奇故事」展覽

日期｜2021年5月19日～7月18日

地點｜巴黎凡登廣場12號（12 place Vendôme）

資料&圖片來源｜Chaumet

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}