奧山由之的魔幻視覺之外!不停解構自我風格的攝影歷程

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日本寶礦力水得廣告的青春瞬間,膠捲底片下的街頭日常,米津玄師、星野源等藝人的魔幻視覺,這些都是奧山由之的攝影風格,但也不完全是。2021年步入攝影職涯第11年的他,在台出版《BACON ICE CREAM台灣限定版》,用攝影集直面現階段的自己,再不斷解構以迎向未來的自己。

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水花反光的效果,是目前奧山由之攝影作品的醒目特色之一。

日本寶礦力水得2021年的夏季篇廣告中,15歲女星中島Sena奮力為青春奔跑的身影,在粼粼水波與光影變幻間留影在觀眾心中。執導此一廣告的奧山由之,2017年即以寶礦力的一系列春夏廣告形象照,用鏡頭捕捉近300位高中生在海邊揮舞青春的魔幻一瞬而走紅亞洲。從攝影師到影像導演,如今坐擁豐富作品質量的奧山由之,其實是1991年出生、今年剛步入30代的新銳世代,靠著18歲自學攝影,以底片的高濃度色彩和顆粒走出個人風格。如今回首過往,他將2015年出版的攝影集《BACON ICE CREAM》重新編輯、加入30多張新作,在台灣推出《BACON ICE CREAM台灣限定版》。他認為這本攝影集象徵了自己踏入攝影的初心,睽違6年重新面對自身,La Vie特別專訪奧山由之,聽他道來長年的攝影歷程與哲學。

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攝影集書名BACON ICE CREAM(培根冰淇淋)源自1970年代英國整人遊戲的懲罰食物,迥異元素搭在一起也別有風味。奧山由之藉此隱喻看待攝影的多重視角,書中風格各異的作品也是他不斷進化的攝影旅程。

La Vie:請和我們分享《BACON ICE CREAM台灣限定版》的出版契機!和日本原版有哪些不同,是否有個人特別推薦的亮點?

奧山由之:2015年《BACON ICE CREAM》在日本出版後,我收到許多來自台灣讀者的回饋,告訴我他們也非常想看這本攝影集。我一方面感到十分榮幸,另一方面也苦惱於這本攝影集在台灣的取得不易。幾經思量後,決定與其在台灣鋪貨,不如直接透過台灣的出版社製作限定版。當台灣限定版確定能夠實現時,心中便想著:難得有這次的機會,不如製作一本與原版截然不同特色的作品。

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《BACON ICE CREAM台灣限定版》當中可見日本原版的舊作,奧山由之也認為這是本可以代表自己初心的攝影集。

對我個人而言,日本原版的書名也好、整體概念也好,都已經是我傾盡全力的成果。既然如此,那就得在裝幀設計上下一番功夫才行。大概在8年前,我從朋友手上拿到了聶永真設計的筆記本,在設計的同時傳達了製作者的美感品味與強烈個性,讓我留下深刻印象。因此在討論設計師人選時,腦海中最先浮現的便是他。台灣版的設計、排版,甚至是用紙全權委由聶永真操刀,最終誕生的作品抑揚頓挫分明、具有強烈節奏感。台灣讀者們在翻閱時,還請務必特別留意書籍裝幀設計上的巧思。

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奧山由之認為底片可以跳脫方形螢幕箝制,盡可能貼近觀看者的角度審視照片。

La Vie:您曾經將攝影集比喻為「送給10年後、20年後的自己的時空膠囊」,睽違6年重新面對這本攝影集,是否有和過去不同的感觸?

奧山由之:6年後的我重新翻開《BACON ICE CREAM》,能夠更清楚地指認出某些照片「因為這樣那樣的因素,所以這是奧山由之的作品」。比如說我一直將目光投射在「矛盾」之中,試圖捕捉日常中的非日常、科幻與寫實的交界點。對我而言,攝影集除了是放在書店裡的商品之外,更是一種可以重新梳理自我的時空膠囊。10年後、20年後翻閱過去出版的攝影集時,一方面能夠冷靜地回顧:「啊,原來當時的我是這樣拍照的啊」,一方面也能夠重新擾動自己當下的攝影觀點。攝影集往往在一陣慌亂中製作而成,過程很難保持客觀,完成後也會留下許多疑問。在攝影表現上,我認為所謂「深入了解自我」正是毀滅的開始。創作者必須不斷地對自己提出質疑,否則將會失去表現自我的意義與目的。因此某種層面而言,攝影集也是一種讓自己擺脫穩定、陷入混沌狀態的裝置。如果沒有這樣的裝置,攝影師很容易就會安逸於現狀,甚至就此停滯不前。身為攝影師,如果不對世人以及未來的自己發出「這本攝影集等同於現在的我」這樣的宣告,我想很難持續地按快門下去。透過製作攝影集,逼迫當下的自己面對「何謂攝影?」「何謂自我特色?」這些模糊不清的命題,多年後再藉由攝影集本身,去印證自己現在和當時的差別。

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攝影集書名BACON ICE CREAM(培根冰淇淋)源自1970年代英國整人遊戲的懲罰食物,迥異元素搭在一起也別有風味。奧山由之藉此隱喻看待攝影的多重視角,書中風格各異的作品也是他不斷進化的攝影旅程。

La Vie:您的影像多呈現底片顆粒感及鮮豔高濃度色彩,這樣的風格是如何形成的呢?為什麼不傾向數位拍攝?

奧山由之:我最一開始拍照其實是使用數位單眼相機,直到大學一年級跟朋友借了底片相機,才拍攝了人生第一捲膠捲底片,也第一次嘗試在暗房沖洗。當時大概只有1/3的底片成功顯像,可以說是失敗了也不為過。但過了一段時間再重新拿起那些失敗的相片時,卻覺得「啊,這些照片⋯⋯其實挺不錯的呢。」當時才領悟到,和數位相片檔案相比,膠捲底片是一種有形的物件。因為有形體,讓人能夠反覆把玩、觀看,藉由不同時間點的反覆觀看,也讓照片產生了多重的意義。如果是數位相機的話,按下快門後就會忍不住想立刻確認成品好壞,視野也被侷限於四方形的螢幕之中。對我來說,以底片拍攝時能夠更冷靜地審視照片的魅力與本質。照片是一種捕捉瞬間的藝術,會隨著觀看者的視角而產生不同解讀,也因此如何以觀看者、讀者的角度挑選照片非常重要。以底片相機進行拍攝,就是一種盡可能地貼近觀看者角度的方法。但我也會隨著不同的攝影手法需求改用數位相機,最近數位拍攝的作品也逐漸增加。只是我自己沒有數位相機,都得跟別人借就是了(笑)。

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奧山由之認為底片可以跳脫方形螢幕箝制,盡可能貼近觀看者的角度審視照片。

La Vie:例如寶礦力水得的廣告,您的商業作品經常表現出強烈的瞬間和速度感;另一方面攝影集《As the Call, So the Echo》、雜誌《家族》的作品,則傳達了濃厚的生活感與時間的緩慢流動。創作不同取向的作品,有沒有心態上的差異或特別注意的細節?

奧山由之:我不會因為作品取向、商業委託與否而改變自己的拍攝心態。專注於以真摯、誠懇的態度進行拍攝,我認為這就是最有效、也最具個人特色的創作方式。稍微誇大一些,不僅限於創作,面對生活、人生亦同。儘管非常困難,最關鍵的永遠是如何時刻保持正直、誠實的態度。至於為什麼我的作品看起來會有某些不同的傾向呢?我想是因為我沒有在那些作品中強調「自我」。換句話說,是因為將主題或拍攝對象放在第一優先順位的緣故。所謂作品,往往很容易直接反映出創作者本身的思想。但我認為作品是一種創作者和他人互動下所積累的成果,比起表現自我,在創作時最好竭盡所能地將目光投射到自己以外的他人之上,並且將他人反映到自己的作品之中才行。

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攝影集書名BACON ICE CREAM(培根冰淇淋)源自1970年代英國整人遊戲的懲罰食物,迥異元素搭在一起也別有風味。奧山由之藉此隱喻看待攝影的多重視角,書中風格各異的作品也是他不斷進化的攝影旅程。

La Vie:您對於好照片的定義是什麼?在當今人手一機、人人都能夠輕易拍照的時代,您如何看待攝影的意義?

奧山由之:針對照片的主題或概念沒有多餘的算計、以誠實的態度所拍攝的照片,我想都是好照片。而這個時代的攝影,最有趣的在於人們接觸影像的管道變得越來越多元。螢幕裡的照片、攝影集裡收錄的照片、雜誌上印刷的照片、海報等,因為展示環境條件不一、尺寸大小的不同或用紙的差異等等,這些都會影響著人們解讀照片的方式。就算是同一張照片,用手機看,以及放大輸出後在美術館展示時,偶爾也會產生彷彿判若兩者的錯覺。換句話說,只在電腦或手機螢幕裡觀看影像,是一件很可惜的事。正因為身處於這個時代,人們更應該活用不同媒材的特性,持續探索更多未知的表現方式。

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水花反光的效果,是目前奧山由之攝影作品的醒目特色之一。

奧山由之(Yoshiyuki Okuyama)

1991年生於東京。2011年以攝影集《Girl》獲第34屆寫真新世紀優秀獎。2016年以攝影集《BACON ICE CREAM》獲得第47屆講談社出版文化獎寫真獎。其他攝影作品集包括《flowers》、《As the Call, So the Echo》、《君の住む街》、《POCARI SWEAT》等。重要個展有《Girl》Raum1F(2012)、《BACON ICE CREAM》PARCO MUSEUM(2016)、《君の住む街》表參道Hills空間O(2017)等。近年專注於電視廣告、MV等影像導演工作。

文|廖怡鈞

圖片提供|原點出版《BACON ICE CREAM 台灣限定版:奧山由之的攝影初心》© yoshiyuki okuyama

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也趣藝廊推出《漂流(序曲)-沈昭良攝影展》,本次個展為藝術家自榮獲2024日本寫真協會國際獎,並於日本東川町文化藝廊舉辦大型回顧展後,首次於台灣完整展出「漂流」(Drifting)系列。

沈昭良於2015年啟動「漂流」系列,開啟地景攝影之路,展開對台灣近代歷史的敘情式書寫。此系列梳理過去十年來台灣內部包含殖民主義、國家認同、族群、冷戰、人權、原住民、生態、環境、能源等潛在課題,這些複雜且龐大的議題,都在沈昭良兼具寫實與敘情的拍攝視野中,轉為深邃的情感訴諸。本展邀請觀眾參與這場「漂流」,共同思索在歷史、政治與文化的漩渦中,台灣應如何尋找並確立自我認同與未來走向。

沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,屏東。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

地景,是歷史記憶的載體

「對台灣人來說,特別是在解嚴之後,國家認同與疆界一直是內部分歧和爭執的根源。包括過往的歷史和印記,這些看似不見卻又潛藏的真實,正在形塑我們的命運發展和可能願景。」 —— 沈昭良

在「漂流」系列中,沈昭良將台灣的地理景觀和文化符號,視為國家認同與歷史記憶的載體,跨越時空與歷史縱深,表達了不同族群在變遷中的情感波動與生活面貌,並折射出台灣在多重歷史脈絡中的複雜命運。

沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,嘉義。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)
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沈昭良《漂流》系列,新北市。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

「漂流」系列作品在歷史發展的脈絡下,援引直接或間接與具體歷史事件相關,或象徵、意喻和指涉的景觀,在視覺的編串中進行意義的置放,探討議題從殖民歷史到現代化的衝突、從族群關係到生態環境的變遷,所有這些台灣內部錯綜複雜的社會、文化與歷史面貌,皆在作品中得以交織,引領觀者進入一場具有強烈時代感的視覺旅程。

沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,台東。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)
沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,新北。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

熟悉地景中藏有鄉土情愁、文化痕跡

「漂流」第一眼抓住你的或許是熟悉的天空、台灣特有的體感濕度、路燈;而後還看進了鄉土情愁與文化的斑斑痕跡,盡在細節裡隱隱發酵。每一處地景既是對台灣土地的真實呈現,更是對歷史記憶如何影響台灣人民的身份認同與文化傳承的細膩描繪。

沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,台東。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

透過沈昭良的影像語言,《漂流》將台灣的地理與文化景觀帶入全球視野,並在全球化與當代政治歷史爭議的背景下,梳理出台灣在當代藝術語境中的獨特地位與深遠意涵。

沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,新北。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

《漂流 (序曲) - 沈昭良攝影展》

展期|2025.02.13-03.22

地點|也趣藝廊(臺北市大同區民族西路141號)

日本攝影家水谷吉法專訪:拍下怪誕東京鸚鵡與罕見自然現象,捕捉日常生活裡的非日常瞬間!

日本攝影家水谷吉法專訪:拍下怪誕東京鸚鵡與罕見自然現象,捕捉日常生活裡的非日常瞬間!

La Vie雜誌2月號以「跟著光,尋找創作靈感」為題,封面照片選自日本攝影家水谷吉法的《Voices of flowers》系列作品,看似太陽的柔和光暈,其實是一朵刻意失焦的鬱金香。他因《Tokyo Parrots》裡怪誕的東京鸚鵡廣受國際矚目,並持續以快門記錄下都市裡微不足道卻充滿張力的瞬間。談起攝影不可或缺的「光」,他說:「我選擇不以言語去定義光為何物,希望透過攝影來表現並呈現某種形式的光。」

來自日本福井縣的水谷吉法,18歲時離開家鄉赴日本大學經濟學系就讀,在此之前,他不曾接觸過攝影或藝術。直到畢業前夕求職不甚順利的過程中,偶然接觸到攝影師羅伯.法蘭克(Robert Frank)的攝影集《The Americans》後深受吸引,自此開啟了對攝影的興趣。於是在大學畢業後,他進入東京綜合寫真專門學校,就學期間持續將作品上傳TumblrFlickr等社群媒體。儘管並無師事任何知名攝影師,但靠著網路世界的傳播,他漸漸在海外展露頭角。

《Tokyo Parrots》(2013)為水谷吉法的代表作。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Tokyo Parrots》(2013)為水谷吉法的代表作。(攝影:Yoshinori Mizutani)

2012年從專門學校畢業,短短兩年後,水谷吉法獲得荷蘭《Foam》雜誌「Talent Call」、LensCulture年度50大新銳攝影師等殊榮,20152017年間更陸續在東京、比利時、北京、瑞士、倫敦及巴黎等全球各地舉辦個人攝影展。首部攝影集《TAXI DIRTY BOOK》,也是他向瑞士的出版社自我推銷,最終在海外成功發行。這也是為什麼水谷吉法的日文訪談中,常常可以在標題看見「逆輸入」一詞,意指其揚名海外後,才在日本國內受到矚目的「反向輸入」特殊經歷。

在不起眼的都市角落打上一道道聚光燈

廣受海外矚目的《Tokyo Parrots》系列作品,毫無疑問也是水谷吉法的生涯代表作。從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡?」此一疑問出發,他花了一年時間追蹤群聚於東京住家附近的野生鸚鵡。他在傍晚至夜間時分朝著樹枝、電線桿打上閃光燈,捕捉了羽毛顏色鮮豔的鸚鵡們,在振翅時帶有些許神祕、怪誕的氛圍。

水谷吉法從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡?」此一疑問出發,拍下《Tokyo Parrots》(2013)。(攝影:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡?」此一疑問出發,拍下《Tokyo Parrots》(2013)。(攝影:Yoshinori Mizutani)

水谷吉法提到,每一張照片都是即興拍攝,「拍了整整一年,大概可以掌握到鸚鵡會在什麼時候、從什麼方位回到鳥巢,也曾嘗試過定點拍攝,但永遠沒辦法完全掌握鸚鵡的習性。」他也說明,最一開始其實並沒有加入人造光源,但發現打光才能呈現出夕陽西下時鸚鵡的鮮亮螢光色,便決定在拍攝中採用閃光燈,加強作品炫目、迷幻的要素。

《Tokyo Parrots》(2013)的鸚鵡品種來自印度和斯里蘭卡,原本商人引進日本作為寵物卻遭棄養或自行逃離,如今在東京繁衍成龐大族群。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Tokyo Parrots》(2013)的鸚鵡品種來自印度和斯里蘭卡,原本商人引進日本作為寵物卻遭棄養或自行逃離,如今在東京繁衍成龐大族群。(攝影:Yoshinori Mizutani)

正如《Tokyo Parrots》所示,水谷吉法十分擅長從都市中發掘題材。除鸚鵡之外,他也曾拍攝過計程車司機的執業登記證、罩上防塵罩的汽車及爬滿常春藤的建築。他說:「踏上攝影之路後,我開始仔細地『觀看』周遭,對映入眼簾的所有人事物都充滿好奇。」他一一捕捉這些散落於都市角落、易於被眾人忽視的光景,再帶來令人眼睛一亮的呈現。

《YUSURIKA》(2014)以閃光燈捕捉到肉眼難以發現的搖蚊。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《YUSURIKA》(2014)以閃光燈捕捉到肉眼難以發現的搖蚊。(攝影:Yoshinori Mizutani)

2014年《YUSURIKA》及2016年《Voices of flowers》系列作品,也是水谷吉法在擷取都市風景時所誕生的。「YUSURIKA」意指常棲息於水邊的搖蚊,某一天,他在白天以閃光燈拍攝自然景致時,突然發現了映照在成像中如雪花般的白色光點,才發現是相機捕捉到了搖蚊的身影。「雖然攝影常是為了忠實地記錄下映入眼簾的景象,但這系列作品透過捕捉自然中的光點,更有巧思地重新詮釋了自然神祕之美。」

《YUSURIKA》(2014)重新詮釋了自然神祕之美。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《YUSURIKA》(2014)重新詮釋了自然神祕之美。(攝影:Yoshinori Mizutani)

Voices of flowers》系列則擷取了在東京、倫敦等公園拍攝的花草景緻,以色彩豐富的自然風景,重現水谷吉法心中春天的柔和景象。本期雜誌的封面正是收錄於此攝影集中的亮點之一,他在東京某處以長焦距鏡頭取景,讓畫面中央的鬱金香刻意失焦,藉此呈現出獨特的光暈美感。

La Vie雜誌2月號封面選用《Voices of flowers》(2016)此張系列作品。(攝影:Yoshinori Mizutani)
La Vie雜誌2月號封面選用《Voices of flowers》(2016)此張系列作品。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Voices of flowers》(2016)在倫敦、東京的公園拍攝,水谷吉法說:「花能帶來幸福的感覺,是我最喜歡的拍攝對象。」(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Voices of flowers》(2016)在倫敦、東京的公園拍攝,水谷吉法說:「花能帶來幸福的感覺,是我最喜歡的拍攝對象。」(攝影:Yoshinori Mizutani)

探索數位相機獨一無二的表現方式

水谷吉法從20歲開始接觸攝影,除了初期曾短暫嘗試過底片相機外,近乎所有的作品都是以數位相機拍攝。他說明,這或許和他從15歲就開始用手機拍照有關,自然地更習慣操作數位相機。此外,他也積極活用數位相機獨有的功能,如2018年的《HDR_nature》正是使用HDRHigh Dynamic Range Imaging,高動態範圍成像)技術之下誕生的作品集。

《HDR_nature》(2016~2018)以數位相機的HDR技術拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《HDR_nature》(2016~2018)以數位相機的HDR技術拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)

HDR指的是透過組合不同曝光程度的照片,用以保留照片明亮和陰影部分的細節,生成出最接近肉眼所見畫面的功能。水谷吉法在HDR拍攝的曝光過程中刻意地移動相機,任由相機從數個不同焦距、曝光的瞬間,拼湊出肉眼不可見的流動構圖和魔幻氛圍。「和相機忠實紀錄影像的特質正好相反,HDR功能可以創造出新的色彩、光線與世界觀,是數位相機獨有的創作方式。」

《HDR_nature》(2016~2018)組合不同曝光程度的照片,保留照片明亮和陰影部分的細節。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《HDR_nature》(2016~2018)組合不同曝光程度的照片,保留照片明亮和陰影部分的細節。(攝影:Yoshinori Mizutani)

2021年的《Higashikawa》系列作品中,水谷吉法更嘗試了在鏡頭前加入彩色膠片。此系列作品是參加北海道東川町駐村計畫時的紀錄,他提到,駐村期間曾有藝術家說:「看著彷彿畫布的雪白大地,就很想在上頭揮灑色彩。」對這句話深有同感,水谷吉法最終摸索出的解答正是使用彩色膠片,替東川町的冬日景緻染上一道道光彩。

《Higashikawa》(2021)為水谷吉法在北海道東川町駐村時的拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Higashikawa》(2021)為水谷吉法在北海道東川町駐村時的拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法使用彩色膠片,替東川町的冬日景緻染上一道道光彩,拍下《Higashikawa》(2021)。(攝影:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法使用彩色膠片,替東川町的冬日景緻染上一道道光彩,拍下《Higashikawa》(2021)。(攝影:Yoshinori Mizutani)

持續捕捉自然的罕見現象

比起攝影師的頭銜,水谷吉法或許更適合被稱為都市裡的觀察者、記錄者,所有映入眼簾的人事物,都有可能成為他快門捕捉的對象。他對於童年時期穿透樹葉間隙灑下的陽光、反射在水田上的粼粼波光都記憶猶新,也熱衷於從建築中找出攝影題材。他特別鍾愛墨西哥建築師路易斯.巴拉(Luis Barragán)的作品,時常觀察其在空間中如何分配、調和色彩以及計算光線。

問及未來是否有任何想拍攝的題材,水谷吉法的回答依舊富有其個人風格想拍攝「鐵氧化細菌」。這種微生物會在河川表面形成看似油脂的薄膜現象,在自然光的折射下,於水面映照出彷彿彩虹的光圈。他說:「這種自然的神祕現象非常有趣,但因為罕見,也很難發現。」儘管至今並沒有直接以「光」為主題的創作系列,但透過每一幀照片,他已為許多習以為常或難以察覺的生活一角,映照出炫目光景。

水谷吉法經常以都市裡各式自然為題進行創作。(圖片提供:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法經常以都市裡各式自然為題進行創作。(圖片提供:Yoshinori Mizutani)

水谷吉法

1987年出生於日本福井縣。以都市裡各式自然為題進行創作。2013年獲頒JAPAN PHOTO AWARD2014年入選Foam magazine Talent Call。在日本國內、英國、法國等世界各地舉辦個人攝影展。

企劃|張以潔 文|廖怡鈞
攝影|Yoshinori Mizutani

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光,尋找創作靈感

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