設計迷不可錯過的重磅展覽！2021年9月28日，台灣設計研究院（TDRI）推出的年度大展「極瑞士SWISS MAX—瑞士設計展」，在台灣設計館01、02展區正式揭幕，其集結上百件豐富展品，讓觀者不必出國即可近距離觀賞國際級設計作品，同時透過策展人龔維德與張軒豪的視角，一窺生活中無處不在、影響世界至深的瑞士美學。

1950年代風行至今的瑞士風格

為何會說瑞士風格深深影響全世界？強調簡潔、易讀、客觀的「國際主義設計風格」，自上世紀風行至今，為平面設計注入現代主義思維，也對建築、藝術等設計領域產生影響。有趣的是，其實它又被稱為「瑞士風格」（Swiss Style），因其在1950年代的瑞士蔚為風潮並進一步影響世界，更讓瑞士設計在國際舞台自此擁有舉足輕重的地位。

Swiss Style包容多元的特質，其實與瑞士本身的人文條件息息相關，在這國土面積僅比台灣大不到一萬平方公里的國家，卻涵蓋法語、德語、義語3個語言區，因此我們能在單一作品中，看見不同文化元素並存的線索，一如鐘錶品牌Swatch兼具藝術、實用性，承繼了德國的嚴謹與法國的優雅 ; 又或瑞士平面設計師Bruno Monguzzi，海報設計中蘊含著義式風尚的熱情與流暢性。

上百件展品一窺Swiss Style美學

本展策展人之一龔維德有著「歐洲設計觀察家」之稱，自2015年以來，每年都與台灣設計館合作，至今已共同舉辦德國、荷蘭、法國、捷克斯洛伐克、義大利、芬蘭等國家設計主題特展。而2021年以瑞士為題的展覽，展品以「百」為單位出發，分別為100位設計師、100個設計產品、100張海報、100本書等，帶觀者深入瞭解Swiss Style內涵，飽覽瑞士百年以來的設計歷史及風格美學。

3大主展區、特別場亮點搶先看！

｜第1展區：Dialogue Hall｜就算沒用過，你一定也聽過的瑞士設計

本區展出涵蓋新與舊、多元媒材、不同核心理念的平面及工業設計，從歷史悠久的瑞士刀、循環再生的行李袋、近代的膠囊咖啡機，各種耳熟能詳的瑞士設計皆可見於此，其廣納1930年代至今設計作品，讓不同年代的創意方法與媒材在此交流。

而本展最大亮點之一的柯比意（Le Corbusier）相關展品亦位在此區，將帶領民眾認識這位二十世紀最具影響力的設計泰斗。

｜第2展區：Essential Hall｜萬中選一，近距離觀賞得獎作品

來到此區，觀者可觀賞瑞士設計大師、亦是Swiss Style奠基者之一的Armin Hofmann海報及書籍作品，而瑞士極為重要的年度設計獎項「瑞士最美麗的書」（Beautiful Swiss Book）得獎作品、「瑞士設計競賽」（Swiss Design Award）作品集等，也可在這細細品味欣賞。

｜第3展區：Pioneer Hall｜上百件珍貴原版海報，首次空運來台

本區集結上百件海報作品，嚴選最具時代指標性的瑞士前衛設計師如Emil Ruder、Wolfgang Weingart、Jonas Voegeli等，讓觀眾一覽瑞士近百年來的設計風貌演變，彷彿置身時光隧道。值得一提的是，此區大多數展品皆為「原版海報」，珍稀性大大升級。

除此之外，本區亦展出「Weltformat Graphic Design Festival」歷屆25張原版海報作品，設計師Josh Schau更以動態方式呈現海報，讓觀眾體驗動靜交融的別樣感受。

｜特別場：Artistic Hall｜不只是圖書館匯流共展

「不只是圖書館」將特別展出由瑞士蘇黎世藝術大學（Zurich University of the Arts）學生與當地戲院合作設計的海報，其中特別收錄了3部台灣經典電影《兒子的大玩偶》、《牯嶺街少年殺人事件》與 《悲情城市》的全新海報設計，讓觀眾看見台灣重要文化資產，改以西方美學角度重新詮釋的樣貌。同時，亦展出瑞士知名書店兼出版社「Nieves」的藝術書展。展覽期間，台灣設計館也將推出一系列講座及工作坊，有興趣的讀者，不妨持續關注台灣設計館粉絲專頁。

▧ 極瑞士SWISS MAX — 瑞士設計展 主展區

展覽期間｜2021年9月28日～2022年3月6日；週一休館

開放時間｜10:00～17:30（最後售票時間17:00）

展覽地點｜台灣設計館01、02展區

展覽票價｜全票150元；學生票、團體票、松菸口會員票100元

▧ 極瑞士SWISS MAX — 瑞士設計展 特別場

展覽期間｜2021年9月14日～11月7日，週一休館（Nieves Zines展於10月5日開幕）

開放時間｜10:00～18:00

展覽地點｜不只是圖書館

展覽票價｜全票80元；學生票、團體票、松菸口會員票60元；持瑞士設計展主展覽票根者50元

info & photos 台灣設計研究院、台灣設計館

將於日本大阪舉辦的「安藤忠雄展｜青春」，為繼2017年東京國立新美術館「挑戰—安藤忠雄展」之後的大規模個展，本展將全面呈現這位建築大師從過去到現在的創作歷程。

出生於大阪的安藤忠雄，透過自學習得建築知識，並於1969年開始建築設計活動。自此之後，他不斷打破既有概念、接連打造嶄新的建築作品；90年代起，他不僅活躍於全球建築界，還積極投身於環境再生與與震災復興等社會公益項目，影響力早已超越建築家的領域。

睽違16年在大阪的大規模個展

而這場將於3月20日至7月21日在大阪新文化設施「VS.（ヴイエス）」登場的「安藤忠雄展｜青春」，更是安藤忠雄睽違16年在大阪舉辦的大規模個展。如同其展覽名稱，半個世紀以來，安藤忠雄始終站在第一線，仍懷抱著「青春」之心，奮戰不懈，而作為一名不斷挑戰的建築家，他所傳遞的人生訊息，也將為觀者帶來極大的啟發。

從挑戰的軌跡到安藤忠雄的現在

本展將分為「挑戰的軌跡（挑戦の軌跡）」與「安藤忠雄的現在（安藤忠雄の現在）」兩大區域，前者將完整介紹安藤忠雄過去的住宅、教堂、美術館等文化設施的代表性作品；後者將呈現其目前的建築作品，包含長期進行的「直島計畫（直島の一連のプロジェクト）」、以「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」為代表的歷史建築再生項目，以及如「童書之森（こども本の森）」的社會公益項目。

原尺寸重現「水之教堂」

值得一提的是，本展也將打造高達15公尺的沉浸式影像空間，引領觀者遊覽安藤忠雄的代表作，同時展場也將以原尺寸重現其早期經典之作「水之教堂」，讓人們能以五感體驗這件建築作品。此外，本展也將透過模型、影像與音樂裝置，呈現安藤忠雄與直島共同走過的37年軌跡。

安藤忠雄展｜青春
展期：2025年3月20日― 7月21日
展場：VS.（大阪市北区大深町6番86号 グラングリーン大阪 うめきた公園 ノースパーク VS）
休館日：毎週一；開館時間：10：00 - 18：00（五・六到 20：00）
票價資訊請點此

資料來源｜VS.共同事業体

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）