台北國際藝術村於2021年成立滿20年，並將於2023年離開北平東路7號的基地遷居城南，因此以藝術採集計畫「是名詞是動詞也是形容詞」拉開序幕，藉由展覽、漫談等活動，邀請民眾一同探討藝術進駐的過去、現在、未來。

「駐村」作為創作的途徑

「是名詞是動詞也是形容詞」計畫概念以試想駐村詞性的改變作為策展方向，演練藝術進駐的過程與目的。若駐村是個名詞，是藝術家在創作途徑中的一個選項，或許也是個肯定，曾至何處駐村，它可以成為藝術家經歷中的某段過去；若駐村是個動詞，駐留某處採集、感受，體驗未知後選擇面對或逃避，選擇留下什麼或不帶走一片雲彩；若駐村是個形容詞，形容某種對空間、對基地、對城市的想像，當實體空間被虛擬雲端取代，各個角色的參與又成為怎樣的存在。

台北國際藝術村成立於2001年，以「閒置空間再利用」的概念，將舊有建築物打造成藝術家創作與居住場域的秘密基地，至今已營運逾20餘年。數年來接待500餘位國內外藝術家進駐，選送近百位臺灣藝術家出訪異地，並藉由展覽和藝術家駐村，促進國內外藝術交流，推動在地藝術文化邁向國際化。

同時，2021年TAV藝術採集計畫作為棲息此處最後三年的首部曲，分別邀請陳以軒、周書毅、陳曉朋、吳芊頤及倪灝五位藝術家，以過往曾在藝術村的駐村經驗或是於此所實踐或延伸的創作脈絡。

作品1｜靜物研究II：島民

藝術家｜陳以軒

這是陳以軒，2015年在台北國際藝術村駐村期間所發展出來的一系列創作，透過橋下各種「物件」的採集與拍攝，他感興趣的是人在公私領域分界上的居處，以及自然與文明的交互佔領、消長、直至最終被抹除，抹除即佔領。

作品2｜無用的行動I：此刻與過去的消逝《無用之地》影像紀錄檔案

藝術家｜周書毅

這件作品是周書毅，重返台北國際藝術村的第一步分享，循著展示的物件及影像的敘事，如開啟記錄檔案，將藉由他所面對何謂曾經的有用與無用，旅跡於那切實感受到的衝擊，進而反思在藝術與社會發展關係中，那密不可分的關係究竟是什麼？

作品3｜可折疊的時間（二十年的距離）

藝術家｜陳曉朋

這件作品以陳曉朋，當年駐村成果展〈線裡線外：陳曉朋、林一中雙人展〉（2002）的展場空間配置為畫面結構，作品位置位於走入藝術村必經通道（藝術村心臟位置）的長方形牆面對切為兩個直角三角形。藝術家試圖把時間折回去，再打開來，這個動作的意義不只在於回顧過去，也期待未來，亦即對於下一個二十年的期待。而牆面繪畫最上方，由（政治）色彩所暗示的時間長度刻度，似乎有可能是決定未來二十年方向的關鍵。

作品4｜時光之窗、窗中之窗

藝術家｜吳芊頤

吳芊頤將原為藝術村的玻璃與窗戶，視為一個個視窗，它們是二維與三維的詩性空間，想像以此分界的內與外，通過此開放性的視野與觀看方式，將圖像與記憶連結在一起。〈時光之窗〉、〈窗中之窗〉兩件作品的創作以拼貼形色風物再加以轉換媒材，在這裡切出通往另一個窗景空間的時空，返照於建築與自身，與其相融合，是對曾經的留戀，並探尋未來的可能。

作品5｜旋轉

藝術家｜倪灝

作品則是延伸義大利未來主義派的美學影響，他把破屏電視想成繪畫，並播放自行攝錄的許多「動作」錄像。這些錄像剪輯之後被播放在當地各處所收集的半破屏電視上，集體形成了一種現代速度感的縮寫。而裝置作品「格」則是考慮到現代世界全球的「網格化」的壓迫及身體的政治，藝術家使用微波爐把肥皂底基加熱後和室內用的人工芳香油，以翻模的方式和不同IKEA的傢俱網籃結合製作成雕塑。肥皂的顏色變化是由不同微波加熱的時間燒焦造成的。

倪灝作品_格Grid	倪灝作品_格Grid

茶几漫談：藝術進駐在臺灣的開始、發展與未來  

在臺灣藝術進駐的發展中有許多不遺餘力的決策者、實踐者、紀錄者與參與者們，與我們一同見證這一路來所發生的點滴。在過往，台北國際藝術村多年來吸引超過40個國家的藝術家來此駐村創作；在未來，2023年配合整體開發遷移至寶藏巖，並以其為基地結合文化資產，串連周邊煥民新村及嘉禾新村，共同連結城南人文生態及歷史的新據點，同時延續藝術村創立20年來、近千位國內外創作的能量，提供藝術家更有特色及地域風貌之創作空間，進一步使藝術深根臺北人文風土，創造城市多元文化面貌。

【茶几漫談】

地點｜台北國際藝術村，游藝廳

時間｜11.20(六)-11.21(日) 13:00-15:00、16:00-18:00（共四場）

藝術採集計畫「是名詞是動詞也是形容詞」

參展藝術家｜陳以軒、周書毅、陳曉朋、吳芊頤、倪灝 

藝術總監｜李曉雯

展覽日期｜10.30(六) – 11.28(日)

圖片提供｜台北國際藝術村

文字整理｜Peggy Weng

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}