阿里山軸帶重塑計畫，預計2023年阿里山森林小火車全線通車，第一階段重整做為小火車入口的嘉義製材所，並邀請築點設計，肩負前導遊客中心的任務，在製材所動力室開啟「記憶・阿里山」特展，將阿里山豐沛的自然人文與歷史文化，以設計手法，讓大家能在短時間看完展後，對阿里山有更深的認識，展期從2021台灣設計展開始，一直延續到2022年12月31日，這裡將由築點設計負責人鍾秉宏，將特展的設計概念做更深入的解析：

這檔展覽有引言的作用，一方面是導覽之後的「阿里山林業暨鐵道博物館」計劃；另一方面，展覽所在的動力室，未來也會成為遊客中心，走出去不遠就是北門車站，旅客可以在搭上火車後，沿途印證展覽中的所見所聞。展覽雖以阿里山為名，但其實是想邀請大家以阿里山作為一個思考的支點，從阿里山的開發史輻射出世界上到處都在強烈開發自然資源的歷史時期；或是從紅檜來到阿里山的緣由，去回顧冰河時期的地球生態。展覽要談的空間不僅限於阿里山，時間也不只是百年來的阿里山開發史，而是從阿里山可以看到整個世界。

在知識面與感官面的鋪陳上，我希望能引導大家從時間，空間與聲音3個維度來認識阿里山，也就是從開發歷史，空間感（例如鐵道的U型路線），阿里山的聲響（例如雨滴、觀日出的歡呼聲、鄒族的吟唱、栗背林鴝的叫聲）等等，除了這3個維度，展覽空間的氣味，還有腳踏地毯的感覺，也意在模仿高山上的體感，透過這些層次，希望能更立體地呈現阿里山。

在敘事方面，陳義甚高的內涵在陳述上勢必要簡化，但又不想犧牲內容的深刻，也要顧及行文上的優美，而這一切都還要與專家學者來回確認，光是展覽文字，來回調整與修正就歷經了整整一年。這些多面向的安排，就是為了溝通阿里山的世界性，如此宏大的視角，我期待未來能讓世界知道，不過最先要溝通的，一定是國人，希望大家能感受到阿里山所蘊含的意義。

鍾秉宏

建築師、策展人，築點設計負責人。曾創辦台灣第一個建築線上雜誌《archicake daily》。

圖片提供｜築點設計、林鐵處

將於日本大阪舉辦的「安藤忠雄展｜青春」，為繼2017年東京國立新美術館「挑戰—安藤忠雄展」之後的大規模個展，本展將全面呈現這位建築大師從過去到現在的創作歷程。

出生於大阪的安藤忠雄，透過自學習得建築知識，並於1969年開始建築設計活動。自此之後，他不斷打破既有概念、接連打造嶄新的建築作品；90年代起，他不僅活躍於全球建築界，還積極投身於環境再生與與震災復興等社會公益項目，影響力早已超越建築家的領域。

睽違16年在大阪的大規模個展

而這場將於3月20日至7月21日在大阪新文化設施「VS.（ヴイエス）」登場的「安藤忠雄展｜青春」，更是安藤忠雄睽違16年在大阪舉辦的大規模個展。如同其展覽名稱，半個世紀以來，安藤忠雄始終站在第一線，仍懷抱著「青春」之心，奮戰不懈，而作為一名不斷挑戰的建築家，他所傳遞的人生訊息，也將為觀者帶來極大的啟發。

從挑戰的軌跡到安藤忠雄的現在

本展將分為「挑戰的軌跡（挑戦の軌跡）」與「安藤忠雄的現在（安藤忠雄の現在）」兩大區域，前者將完整介紹安藤忠雄過去的住宅、教堂、美術館等文化設施的代表性作品；後者將呈現其目前的建築作品，包含長期進行的「直島計畫（直島の一連のプロジェクト）」、以「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」為代表的歷史建築再生項目，以及如「童書之森（こども本の森）」的社會公益項目。

原尺寸重現「水之教堂」

值得一提的是，本展也將打造高達15公尺的沉浸式影像空間，引領觀者遊覽安藤忠雄的代表作，同時展場也將以原尺寸重現其早期經典之作「水之教堂」，讓人們能以五感體驗這件建築作品。此外，本展也將透過模型、影像與音樂裝置，呈現安藤忠雄與直島共同走過的37年軌跡。

安藤忠雄展｜青春
展期：2025年3月20日― 7月21日
展場：VS.（大阪市北区大深町6番86号 グラングリーン大阪 うめきた公園 ノースパーク VS）
休館日：毎週一；開館時間：10：00 - 18：00（五・六到 20：00）
票價資訊請點此

資料來源｜VS.共同事業体

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）