東京銀座蔦屋書店畫廊THE CLUB，繼2021年1月後再次登臺舉辦快閃展覽，本次帶來4位日本新銳藝術家近藤正勝、猪瀨直哉、小瀨真由子及今坂庸二朗作品，選址台北複合式藝術空間LIGHTWELL，巧妙運用建築中天井引入的日光、循光布展，結合場域特色、藝術品與光線間的互動關係，策劃名為《光之域》的藝術展演。

《光之域》與展場LIGHTWELL間的連結

座落台北南西商圈巷弄的LIGHTWELL，是處以50年老屋改造而成的複合式空間， 店內一樓販售設計服飾、二三樓則為展覽場域。空間中最特別的，莫過於位居中央的天井設計，其不僅保留了老屋原有建築元素，讓訪客看見現今台北市區少見的屋房形式，從井口透入的日光與新設的壓克力板裝飾，更為空間帶來特殊、絕妙的視覺效果，恰與本次以光為題的展覽形成微妙互文關係。

直擊展覽現場亮點作品！

本展集結4位日本新銳藝術家，引領觀眾透過繪畫、攝影作品，看擁有不同生活背景、成長環境，現旅居異地、又或定居原鄉的創作者們，對色彩、光影會有何不一樣的詮釋，而埋藏於四位藝術創作中的日本美學、東方哲學思想，又以何種形式再現？不妨到現場一探究竟。

01. 近藤正勝｜唯美畫風探討生命議題、永恆與瞬間的意義

出生於名古屋、現定居於倫敦的近藤正勝，可說是一位大器晚成的藝術家。過去，倫敦Victoria Miro藝廊曾舉辦群展，邀同年畢業的近藤正勝與Peter Doig一同展出，但相比Peter Doig早早在藝術界嶄露頭角、作品創下拍賣紀錄，近藤正勝的聲量來得稍晚一些。近藤正勝擅長描繪自然環境，創作多圍繞著生態景色，早期常藉繪畫探討生死命題，近期則專注於呈現自然風景中幽微的光譜線條，表達手法兼具抽象與寫實。而《光之域》這次也特別展出其早期、近期創作，帶觀者看見藝術家身處不同時期的表現方式。

《STILL TO BE ALIVE》以優雅柔美的色彩，傳遞人類活動、自然生態對立互望的隱喻，畫中的鹿象徵生命力、弓箭暗指人為攻擊，雖在畫作中靜止的這一瞬間，兩者看似相安無事、畫面平穩靜謐，但弓箭射出的那一霎那，沒有人能夠預測接下來箭隻會去向何方、最終是否會造成傷害？近藤正勝透過唯美畫作，傳達生命的無常與脆弱。

《THE WALL AND THE BUTTERFLY》則描繪蝴蝶停留於壁紙的畫面，蝴蝶壽命短、是稍縱即逝的美麗存在，壁紙則與室內空間長久作伴，藉由兩者生命週期的對比，帶出對瞬間與永恆生存意義的探討意味。

02. 猪瀨直哉｜描繪人類與自然、自身與社會相互關係

猪瀬直哉的繪畫呈現手法相當有意思，筆觸寫實、同時充滿想像力，常透過細膩縝密的油畫傳達超現實命題，兩大特色在這次《光之域》展出作品中皆可見得。其中，《Ave Maria》流露藝術家對末日主題的熱愛，此作呈現猪瀬直哉對末日景況的想像，畫作質地帶柔霧朦朧感，內斂地傳達當人類從這世界消失後，曾留下的痕跡該如何與餘下自然共存的主題。

《Blue Home》則是幅藝術家的另類自畫像，猪瀬直哉常以企鵝象徵自己，悄然透過畫作記錄自身當下狀態，本作則闡述了他對家鄉日本的想法。畫中藍天、泳池的湛藍景象澄淨美麗，池中水面下卻有著斑駁痕跡，暗示著日本看似完美卻充滿框架的社會現況，而企鵝抬頭望向遠方的動作，則象徵著畫中的一片美好對藝術家本人來說，彷彿就像一場夢。

猪瀬直哉透過《Coexistence》與《Color Bar》系列，實踐西方浪漫主義、印象派相互融合的藝術風格

03. 小瀨真由子｜帶平面設計風格、日本中庸美學的日常感畫作

專攻日本畫的小瀨真由子，亦深受普普藝術及日本設計大師橫尾忠則、栗津潔影響，作品呈現介於後現代主義、平面設計間的獨特風格，饒富趣味。此外，小瀨真由子也時常在畫中埋下與日本有關的細節，如將傳統礦物顏料、金箔帶入畫作，創造出幽微細閃的視覺效果；畫中人物皆為無性別、無外貌特徵的黑色剪影，除別具神秘氣息，也暗示著日本民族內斂、不擅表達自身的特性。

本展展出小瀨真由子3幅全新畫作，全系列試圖傳達「我畫故我在」概念，透過將生活周遭常見的物品、景象帶入繪畫，藉此與觀者產生共鳴，而當觀眾能夠共感、得以領悟藝術家所要表達為何，也印證了雙方所見世界必有重疊之處，間接使藝術家證實了自己真正存在。

04. 今坂庸二朗｜以攝影傳達對人類發展、生態環境的懷憂

成長於廣島的藝術家今坂庸二朗，擅長藉攝影論述人類與自然間的關係，不斷透過影像探討我們該如何與自然共存，同時表達對逝去的恐懼、人類未來的懷憂，以及面對環境時心中所懷的謙遜、敬畏之心。

這回，今坂庸二朗展出兩大系列作品，帶觀者從不同角度思考人類發展與生命議題。其中《Trade Winds》系列攝於夏威夷，現為度假聖地的歐胡島，過去也曾是座原始島嶼，原住民以尊重自然的方式與環境共存，直至虎克船長發現此地、外來文明介入後，小島才產生質變並逐漸發展成現今模樣，今坂庸二朗希望能透過此作，帶人們以歷史視角看待夏威夷；另一系列《Illuminating Earth》背景則為今坂庸二朗家鄉——廣島，這片曾被原子彈轟炸的土地，如今仍遺留許多戰爭痕跡，藝術家透過影像紀錄當地景況，帶出對戰爭的反思、對烽火的恐懼，也引領觀者一同省思。

藏身東京銀座蔦屋書店的藝廊THE CLUB

日本蔦屋書店以「生活提案」為概念，根據分店地域性打造各具特色的書店，像是帶時髦氣息的代官山店強調「高質感日常生活」、歷史底蘊深厚的奈良店則定調為「成熟大人味」，而位於東京銀座GINZA SIX的店面，則呼應街區多元藝術盛放、激盪的特質，將「藝術走入生活」定為核心理念構築一座藝術書店，店內匯聚約6萬冊攝影、建築、時尚、文化等藝術書籍，並經營由山下有佳子（Yukako Yamashita）擔任總監的藝廊THE CLUB，致力於將日本新銳藝術家帶向國際舞台。

Horizon Dreams of Color 光之域

日期：2022年1月15日至3月13日

時間：12:00～20:00PM（週一休館）

地點：LIGHTWELL（台北市中山區中山北路2段20巷6-1號）

資料｜THE CLUB

圖片｜THE CLUB、izzie pang

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事，將世界變成一座模型；此時世界變成寓言，而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝，沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯．德曼

創作主題涵蓋人文歷史和自然風光，時間軸從二戰到千禧年後，德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）透過紙雕塑和攝影層層「再製現實」——他以紙材模型精細地重建紀實影像、日常生活中的場景，透過鏡頭拍下模型後再將其摧毀，最終以大尺幅攝影輸出呈現作品。這一道道儀式不僅詰問攝影被認為客觀、真實的既定觀念，也思考當影像乘載著創作者的觀點，現實與重現之間的距離為何？

臺北市立美術館 （北美館）現正展出《托瑪斯．德曼：歷史的結舌》，展覽由美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策劃，匯集藝術家從1990年代至今近70件作品，呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。

反思德國戰後社會｜《專室》、《檔案》

德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件的報導照片，重現影響西方或甚至全球局勢轉折的關鍵時刻。他的早期作品觸及他未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史，如《專室》重現1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間，本作參考的原影像對二戰後的德國學生來說絕不陌生，它時常出現在教科書中，也被視為反抗的象徵。

此階段的代表作還有《檔案》，其靈感來自納粹所支持的電影導演蘭妮．萊芬斯坦（Leni Riefenstahl），他的作品在納粹垮台後全被查禁，只能封存於紙盒當中。德曼藉由重製這段現實，反思歷史上因政權輪替等社會轉變而被噤聲、無法為人所知的種種故事。

重建國際重要新聞場景｜《控制室》、《避難所》

德曼也將視野從德國拓展至世界，重建多起國際重大新聞事件的場景，例如《控制室》重現311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 ，原影像是張手機拍下的照片，出自災後東京派遣至福島搶救的小組人員，畫面中垂落的天花板、脫離控制的機器畫面等，都暗示著「控制室」早已成了「失控室」。

另一系列作品《避難所》，則重現美國國家安全局洩密者艾德華．史諾登（Edward Snowden）逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間，當時他在莫斯科尚未啟用的飯店躲藏整整五個星期，期間難以與外界聯繫。策展團隊為本作造了一座外觀如半成品的環形展間，步入其中，會發現作品尺度大到讓人感到空間擁擠、侷促，兩者之間的比例失衡，這並不是失誤、而是藝術家刻意為之，希望讓觀者身歷其境，感受史諾登被揭穿後失去方向、逃亡時極度不安的情緒。

紙張的多重角色與意義｜《文件夾》、《辦公室》

對德曼來說，紙張不只是創作媒材，他也時常在作品中探討紙材在各個事件中所扮演的角色，及其象徵的意義，比如作為展覽主視覺的《文件夾》，重現川普2017年就任美國總統前召開記者會中，為證明他已交出名下企業經營權、不為商業利益左右執政方針而堆疊於現場的文件，當時因記者無法就近查看文件內容，質疑文件夾內全是白紙的質疑聲浪四起，在此紙張成為陰謀論和一場政治大戲的主角。

在另一件作品《辦公室》中，畫面重現1989年柏林圍牆倒塌之後，人們闖進東德秘密警察辦公室的場景，這裡存放了大量人民因政治因素被監控、被消失的紀錄，在此紙張不只乘載歷史，更成了執政著監控人民的冷血證據。策展人道格拉斯．佛格導覽時提到，原照片的紙張上寫滿了字，但德曼在重建場景時刻意將字跡抹除，由此更能感受到影像是帶有「個人觀點」的，得以塑造人們看待政治、社會、歷史與世界的看法。

探索人造與自然世界的分界｜《花見》、《森中空地》、《石窟》

人類文化如何詮釋與再現「自然」，以及人造和自然世界的分野，一直是德曼感興趣的創作主題。橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》，為觀者打造沉浸式環境體驗，其中德曼用紙製作出無數的櫻花，以稍縱即逝的花期冥想生命短暫與周而復始的本質。

《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成，藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片，建造出真實大小的石窟及其中經過數千年累積而成的鐘乳石，最終落於攝影的圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮，這件是德曼作品中唯一被留存下來的模型，現陳列於米蘭Prada基金會。

耗時重建日常景象，反思數位時代影像的意義

2008年，德曼開始把關注焦點從宏大的歷史議題轉移到生活題材上，創作「日常」系列作品。創作手法與過往相同，不過這系列作品的影像來自他日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景，如丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙、放在水槽邊緣的肥皂塊、門縫下滿出來的信件堆，以及塞在鐵絲圍欄孔洞的咖啡外帶杯等。

「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述，讚頌生活中蘊含無限意趣的平凡細節，同時濃縮他對歷史的理解：歷史不僅是世界各地的恢弘事件，也同樣包含個體生命的凡常絮語。而有鑑於手機拍照功能的普及以及大眾對於在社群媒體分享影像的痴迷，藝術家透過耗時精心重製他生活中詩意而平凡的瞬間，邀請我們反思這些快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。

紙雕塑動起來，以嚴謹重構失序的逐格動畫

定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索，在展場中一座紅色布幔建構的迷你劇院中播映。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面：在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內，桌椅、儲物櫃、紙盤、電腦顯示器等物件輪番向兩側滑動的滑稽景象，德曼花了三年時間，用紙和紙板一絲不苟地逐格重現這些失控混亂的時刻。

跨建築、時尚界，演示紙為建構世界的基礎

2011年，德曼在洛杉磯蓋蒂研究所（Getty Research Institute）駐館期間，開始「模型研究」系列創作。他從以往用雕塑重構世界的技法，轉而聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿，擷取其中局部與抽象元素：不論是20世紀美國最具影響力的現代主義建築師之一John Lautner或當代SANAA建築師事務所等人具現構想的模型，還是以極具雕塑感設計聞名的服裝設計師Azzedine Alaïa的奇特設計紙板，這些影像揭示了紙如何成為構建世界的基礎。

德曼的作品乍看近似真實世界的攝像，卻了無人跡，仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現；透過在原影像與最終準攝影「分身」之間進行層層重製與轉譯，暗示即使歷史以影像的形式潛伏在大眾的個人與集體記憶中，我們對所謂真相的認知始終存在著斷差。他的創作探討紙張如何以其脆弱的質地承載影像與記憶，無論是關乎人們的日常點滴，或是宏大的歷史事件；更進一步，作品突顯攝影影像與真實世界之間互為表裡的對位關係，同時探問影像文化的慣性與認知悖論。

 《托瑪斯．德曼：歷史的結舌》

展期｜2025.01.18－05.11

地點｜臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室