近年展覽活動、專輯封面、品牌視覺等，越來越多與插畫家的合作，帶有劇情或情緒的圖像表達令人深刻。本次La Vie邀請低級失誤、Johnnp展開對談，分享台灣插畫家如何形塑自我風格，以及在電繪技術普及的現下，又有哪些自身的概念與技法：

2022元旦總統府升旗典禮主視覺由插畫家低級失誤操刀，輕盈可愛的漫畫風格引起大批迴響。細究低級失誤的畫風，不難看出日漫的影響，但在市場熟悉的少女漫畫基調裡，又能看出她在人臉情緒、抽象身體，以及分鏡使用上的獨特技法。她的作品常以人物為主角，流著眼淚的角色是喜或悲，交給觀者自行詮釋。而在日香高級生吐司、感傷唱片行、niko and ...等品牌，由Johnnp繪製的系列插畫人物也為大眾所知，吃吐司、喝咖啡等日常動作，在他的簡約筆觸下多了分幽默。這次邀請擅長描繪人物的兩位插畫家以本尊現身，一探畫作裡的人物塑造，以及畫作外的插畫家職涯歷程。

La Vie：先聊聊你們的畫風養成，是否歷經不同階段的轉換？

低級失誤：剛開始接案的風格完全不是現在這樣。畢業後研究許多市場喜歡的風格，也因為大學念設計，看到很多設計都很極簡，所以早期畫風偏「向量」。現在回想起來，當時太用力想做好商業案，想滿足客戶所有需求，但這件事是不可能的，也沒有因此接到什麼好案子，而是一堆爆肝案，一張圖改了30、40次。有一次也是不斷改稿，最後客戶說想要最一開始的，那時候我很困惑，這段時間到底都在忙什麼？我就先停下來，乖乖去設計公司上班，有時會在會議中塗鴉，因為沒有客戶就畫得沒有壓力，在朋友鼓勵下傳到社群，作品累積越來越多後，開始接到一些案子。現在的畫風其實比較接近小時候畫的，從小看很多動漫、同人展，是鐵宅的那種！《少女革命》是啟蒙，讓我知道畫畫可以講故事；論究風格，我受到超多人影響，比起《少女革命》，我可能更像《愛天使傳說》、《美少女戰士》，或是漫畫家種村有菜。找到個人風格是很微妙的過程，關鍵在於怎麼意識到「這樣就很像我了」，比如說這張畫可以看出這個畫家有點喜歡《美少女戰士》，但又說不出是誰，那可能就是我吧！

Johnnp：欸，最近發現很多老動漫歌都很好聽！不過我小時候很不會畫畫，只會隨手畫一些《七龍珠》，五專學寫程式、大學讀互動裝置，真正開始畫畫是在大學畢業後，買了數位手繪板，自己嘗試一些筆觸。早期畫風偏向古歐洲宗教繪圖，比較繁複、華麗、對稱，我私底下很喜歡看一些奇怪的、很老的圖像學，例如蛇在吃自己的尾巴、長翅膀的烏龜，了解這些圖像背後的寓意。以前畫這些純粹是喜歡，但把作品放到大眾市場後，發現太繁複的東西比較難親近，就逐漸簡化。2017年在IG上展開「The Song Stuck In My Head Project」計劃，用一張插畫介紹一首歌。第一件作品因為當時Linkin Park 主唱Chester Bennington 過世，就畫了他的人物，也開啟了以人物出發的創作模式。現在也會有人請我畫回以前的風格，像國蛋的專輯《Earlier This Morning》，但我還是稍做調整，讓筆觸比較簡約。

La Vie：在人物繪畫上有何概念與技巧？

Johnnp：創作時會先寫一個公式：跟主題的連結、動作、一個巧思。例如參與「niko and ...」舉辦的創作者市集，他們找了台灣和日本的插畫家，但沒有規定明確主題。我就從台灣出發，直覺想到珍珠奶茶，一個人在路上喝珍奶，但是踩到了口香糖，踩到口香糖這件事也很台灣，這樣的連結是好玩的。還有和《妞新聞》聯名的咖啡禮盒，咖啡周邊的案子接過太多，老實說已經不知道還可以畫什麼。有天在公車上突然想到，可以用類似表演藝術的方式，以人物動作呈現手沖咖啡的情境，所以就畫了3個人，中間的人一手插腰一手往前伸，模仿手沖壺的樣子，兩旁一人拿杯子一人扶著他。我的人都以真人比例去畫，膚色也研究蠻久，電腦色差一點點就偏很多，還建立了一套膚色色票，是介在黃種人跟白種人之間的顏色。我很在意人物的手指，每根指頭有兩個關節，之間的彎曲、線條，這些細節很難處理。所以我蒐集很多關節照片，拍下自己擺的姿勢，或是請朋友幫忙做動作給我看。

低級失誤：這招很好用欸！我也會自己在電腦前比一些怪手勢（笑）。我覺得用手來表達事情，是一種挺優雅的說法，比如說手稍微擋在臉前，就可以傳達「我不喜歡」的意思。但你的人物都畫得很真、很準，我很少畫出整隻手，常常只有手指而已。不過我的人物一定會出現臉，一開始其實沒什麼目的，只是想先把臉畫好。後來發現我很喜歡漫畫裡很大的分鏡，印象最深的是《晚安，布布》，用了兩個跨頁呈現女主角在哭，第一頁快要哭了，翻過去就是大哭。只用一張圖，光用表情就表達很強烈的情感，那是很美的事情。我筆下的人物蠻常在哭，但他們不一定都在難過，眼淚在圖上的意思就是眼淚，我很喜歡觀者在看的時候，自己推測他們為什麼在哭。在用色上我對藍色有點執著，不同於多數人的畫布是白的，我打稿的時候是從藍色先開始，從藍底去找皮膚、腮紅、臉頰的顏色，多少會被墊在下面的藍色影響，所以蠻多人說我的色澤比較復古，有點像以前的賽璐璐動畫。但我也會使用彩度很高的，作品會比較high，低彩度則可以抒發情緒。像這次元旦總統府升旗典禮主視覺就是高彩度，讓大家感到開心，非動漫圈的人也比較能夠接受。

La Vie：創作音樂相關合作案時，如何將音樂的聽覺轉化為插畫的視覺？

Johnnp：變成插畫家，其實只是換一種方式喜歡音樂。我的第一檔個展《Listen 01》，就是用插畫畫各種類型的音樂，因為以前做過DJ，知道怎麼把音樂結構拆解。用圖像表示的話，Techno是很工整、一層一層的，House則是一個循環圖像。我很崇拜日本插畫家永井博，他畫了山下達郎等眾多知名City Pop 音樂人的專輯封面，某種程度上他的畫風定義了City Pop的音樂風格。

低級失誤：我很喜歡在圖裡強調流動感，好像有時間在動，但被按下暫停，這個形象蠻適合和音樂性的作品搭配。最近幫美國獨立樂團Khruangbin畫封面，他們的音樂很棒，但音樂很棒這件事要怎麼用圖片說明？他們希望以團員為主角，我就讓3個團員的臉都超大，大到像日本動漫明星，讓大眾覺得這是新的角色，想知道他們叫什麼名字。還有落日飛車的單曲〈Let There Be Light Again〉封面，雖然歌名的意思有「變亮」，但我沒有真的讓什麼地方變亮，只是在人物身上畫了一顆小小的愛心，我的設定是他在等人回家，對方回來後他就可以充飽電，心裡才會變亮。我一直覺得落日飛車的音樂有一種質感很好，但又有點距離的感覺，所以在圖像上也不用那麼直白。

La Vie：目前在插畫職涯上遇到的挑戰是什麼？

低級失誤：挑戰比較多是自己給自己的，我很想要製作我的系列創作，這是給自己的考試，練習把想說的事情說得清楚、精簡、有意思，也要自己花錢辦展覽，自己給自己壓力。這樣的創作就會很誠實，如果可以誠實地把自己的系列作品做得滿意，在接案上也會更有信心，客戶也會更信任你。這半年都是做案子居多，我希望下半年可以挑戰自己的系列，要做什麼還不知道，但我希望它是很難的，要對自己嚴格一點。

Johnnp：每隔一段時間，一定要自己給自己考試，不可能一輩子只畫一樣的東西，也不能一直接商業案，一定要為自己創作。去年12月都沒有接商業案，都在畫壓克力，我試著把壓克力畫得很平整，但某些線條希望它是浮起來的，就去調配出自己專屬的顏料，過程就是不斷實驗，或是一直煩美術社的老闆。今年的ONE ART Taipei 正式創作了壓克力系列。還有另一個挑戰，就是常常會看到很多人畫得跟我很像，一開始蠻生氣，後來想一想不需要擔心。現在數位繪圖用到的工具其實都差不多，我教你用哪個筆畫，你就可以畫出類似的東西，但畫出來的主題和想法有沒有在裡面，才是比較重要的，希望自己能夠做出對這產業健康的決定。

Johnnp

擁有多重創作身分：圖像設計師、插畫家、DJ經驗、品牌平面攝影師、派對錄像攝影。插畫作品早期以極簡線條詮釋裝飾藝術，透過音樂作為靈感，推出系列代表作「The Song Stuck In My Head Project」；近年以極具辨識度的幽默人像作品，展開各式跨界品牌及媒體合作，並不斷找尋新媒介呈現插畫創作，受邀於國內外各店家櫥窗、藝術空間合作大型作品。 IG：Johnnp

Saitemiss 低級失誤

「低級失誤」可以用在形容一件你不知道該怎麼處理的情況，一種笨拙的愛意，一些秘密儀式，一張你喜歡的、但卻有瑕疵的臉。雖然我的舞步總是跌跌撞撞，但來吧，讓我們來場兩情相悅的華爾滋吧。創作主題以戀愛出發，透過不同形式將插畫具現化，追求實驗融合的曖昧結果。過去與總統府、Apple、誠品畫廊、落日飛車、Khruangbin、Limi樂團等合作作品持續發散。IG：saitemiss

採訪整理｜張以潔　攝影｜蔡耀徵

圖片提供｜低級失誤、Johnnp　場地協力｜朋丁pon ding

更多生活美好滋味皆在 La Vie 2022/2月號《人生的味道是＿＿》 

2024 年年末，曾在新聞爆紅的台中大甲「氣球屋」屋主過世後，家人開始清運蓄積多年的浮筒與雜物。「囤積症」在2013年列為正式的精神疾患，漸漸走入大眾視野，可怎樣算是正常人，什麼又才是嚴重的失常？藝術家倪祥、張哲榕不約而同面向家人與自己。

倪祥說這樣的家庭並不少見，除非囤積的親屬過世或搬家，清理是不太可能的。「我覺得他們有點動物性，因為還在居住、有點像動物巢穴，習慣跟你很不一樣，如果你給他亂挖，就像今天隨便一個人把你家亂整一通，你一定超不爽。」講學術點，他說明2024年個展《大家都來看你了》是種「挪用現成物」手法，而他對爸爸的囤積多做了點改造。

攝影藝術家張哲榕《父親的有機收藏：天地為棟宇，屋室為㡓衣，諸君何為入我㡓中？》倒真直接挪用來自爸爸的「繼承物」——將從萬華冬元二手書店搬來的9車3.5噸貨車舊書化作展間隔牆。可這也只是全部的6分之1，此前書店連走道都沒了。「（家屬的）那憂心是會持續累積的，當你已經發覺不清不行的時候，哎呀，已經很難去處理了。」許多攝影師的紀實專題對外拍不同囤積者的生活，可他的鏡頭是對向自己的家，甚至因自己病了也拍了自己。與家人的理解與對話不易，他們都試圖在生活的戰爭中尋找新的動態平衡。

倪祥：大家都來看我了

其實倪祥覺得爸爸帥。與其說他囤積，作為曾經的鐵路局電務段員工，他是電器與修理能手，「走到哪就點石成金做到哪。」大二時一支錄像《倪國倫的小兒子倪祥拍攝》將爸爸放在公園的作品拍得像大地藝術祭，到了2013年，《我們是否工作過量？》群展中他也在誠品藝廊櫥窗中展示爸爸改造的椅子。「他這人滿有創造力，甚至不亞於很多藝術家，所以希望把他的作品跟工作狀態讓更多人知道。」說抵抗藝術規制太高大上，但他確實在其中看見素人自在創造的可貴。

可是後來又不帥了，為治療爸爸的癌症並就近照顧外婆，他們家一度搬到新北林口，生活空間一下由嘉義60坪透天厝壓縮到20坪公寓，原本尚可接受的雜亂，逐漸成為難以行走、真正的囤積。丟與不丟的爭執不免發生，「有時候很糾結，很不想去破壞別人的作品、覺得討厭，這就跟不想人家破壞你的作品是一樣道理。」

爸爸改造，倪祥也改造家裡的囤積物，與爸爸碰撞和對話，像是〈合理的維納斯〉，讓斷臂的〈米洛的維納斯〉複製雕塑戲謔地噴出紅色墨水。整個展場也是種改造，看似隨處堆置的囤積物，其實一堆一堆被他有邏輯地放置。「改造才會讓你跟它們真的產生關係。」〈破爛遙控車〉則讓觀眾隨意操縱，在展場亂竄，彷彿代替觀眾的手去觸摸作品，卡住、翻了甚至碰到瓷器很大的「哐」一聲，「那種在裡面撒野但又不真的破壞的感覺我滿喜歡。」

然而，不是所有事情都能對話，媽媽後來患上強迫症，2022～2023年《間奏請稍候》個展中，他便做了一個巨大藥單，上面一欄註記「【外觀】讓我想到那些對家人（已經變成活屍）開槍的人。」活屍難以溝通，他只能訂立生活規則強制媽媽遵循。照護過程如戰場不免殘暴，但必須找到讓生活尚且過下去的平衡。「他已經失常到很嚴重，你就會想停下來看到底是要怎麼辦，這個世界到底要多正常，你才滿意？」展場一區有幾個體驗裝置，試圖還原媽媽不想散步活動時，口中「覺得冷」、「覺得熱」、「覺得腳很重」的抱怨，這是同理的嘗試，同時也是個體之間共感的極限。

倪祥終究沒離家，他坦言，陪伴老邁家人是他自己的選擇。「反正你也沒辦法反抗，就當駐村好了。」他曾長駐在高雄大林蒲發展創作，現在這些則是在家「駐村」的成果發表。錄像作品《有空》裡，臉抹成無彩度的灰階、鬼魂一般的演員，駕駛在鄉間逡巡、在湖上縱著墳墓樣子的船，有點超現實， 「雖然整個展場有些長照、死亡的味道，離衰老或離垃圾很接近，但那也是生活的味道，我覺得還是有鮮活的人在那邊。」他補充，這些內容其實離死亡還遠，他真正面對的是親近的外婆離世。從中，他意識到對他最重要的並非告別儀式本身，而是最後在外婆身邊跟他說的話，以及「你想要看到誰、你想要誰來看」的那種心情。於是，這次展覽命名為《大家都來看你了》。很多人也都來看倪祥的作品了， 在上面，或許看見自家的影子。

張哲榕：諸君何為入我㡓中？

在展場一角，張哲榕悄悄捏了幾個黏土人偶，呈現他與爸爸搶奪囤積物時的景象。爸爸曾經是理化教師，退休後開了二手書店，慢慢地囤積傾向加劇。他曾經聘請吊車協助書店清運，爸爸跌跤期間也趁機清出家中空間，可是，「爸爸的收藏很有機，隨時都在改變，即便你嘗試消去一些，它之後又一樣會長出來。」過去他經常將平板電腦與人臉錯置，拍攝不少探討二次元文化的作品，書店或家的天台都曾是人像創作背景，但那時他還沒真正拍自己的家。一次在中壢馬祖新村駐村創作，運用朋友兒時照片重新詮釋眷村家族記憶；高雄駁二駐村時的《片羽，即光。》個展中，他進一步深入鹽埕一帶的歷史記憶。他想到可以回到萬華與家裡拍攝。

張哲榕說話語速緩慢。2023年罹患COVID-19加上隔離時的情緒壓力，可能是觸發他雙極性情感障礙疾患（bipolar disorder）的成因。躁期時的他思緒與行動飛快，而經過緊湊的布展，現正回落鬱期。他獲得不同以往的感官經驗，攪亂的生活步調也讓他反思什麼是正常，於是將自己與爸爸的失常狀態交織在展場之中。

躁期時他思緒加速、飄忽到他必須寫下信，才能記起準備要跟醫師說的話；而焦慮購物留下的大量衣物吊牌，或在網路PTT論壇因獨特語言邏輯不被網友理解而被「噓爆」貼文，都成展場裝置的一部分。患病正巧讓他文思泉湧，他乾脆與朋友譜曲即興饒舌歌。病也意外讓他更敢於向家人開口，加上爸爸跌跤後陪病更多的相處，他開始傾聽父親小時與阿公的故事。「阿公在世的時候，我反而沒能去理解這些，可能過去戒嚴時政局比較緊繃，他因此不願提到太多。」他了解到阿公曾是二戰南洋的台籍日本兵，包括他在阿里山隘口當公務員、四處調動，甚至228期間躲在房屋夾層中靠人接濟的故事，都成為錄像《林北正天龍》裡頭的內容。

張哲榕也以更正面的視角看待父親的「尋寶」行為，像是積極出門正好加快了腿腳復健，甚至分類回收物換取收入的行為，他也在後跟拍。「他比較內向，會去找尋一些自我排解的方式，去市場或開店等等，與人會有更多接觸。」多年來，他第一次進到爸爸囤物的房間，坦言在其中意外舒適。他直接用iPhone錄下自己30分鐘不間斷的口白，成品從未剪輯。「我後來回看想說怎麼可以講得這麼順，很迷戀那種連續性。」錄像播放於他以書牆圍出洞穴感受、客廳模樣的空間，其中放上爸爸處理回收時使用的茶几與矮凳。這也是展名副標取東晉竹林七賢劉伶典故的原因，他想將觀眾都帶進入他與父親的世界之中。

對話家庭囤積，對話自己

倪祥說明，自己近年做作品多從自己出發，「我覺得不應該幫任何人代言，作品就該呈現你在其中的狀態，你是一個士兵，在壕溝裡就該呈現你自己，而不是在幫一堆人講話。」他透露，這系列還缺最後一塊拼圖，便是身為照護者的他自己，想再籌備一部講述照護者的虛構錄像。而東西當然要清，不過或許也很難丟掉太多了——如同他從個展回收的分類囤積物，還有許多未來展出可用，紀念價值棄之可惜。而才經過這趟家族史探尋的張哲榕，倒還沒想到下一 步，但藉由這次展覽「巧立名目」，他還真想在撤展時丟掉還將不斷有機增生的書。前次在水谷藝術展覽後，爸爸帶著推車順利救回他的東西，那這次真能丟成嗎？這得留待展後確認了。

倪祥

1982年出生於嘉義，畢業於臺南藝術大學造形藝術研究所，2009 年作品《很快就補償》獲臺北美術獎首獎。2012年初開始自主進駐被重工業包圍的高雄大林蒲，陸續規劃「2012大林蒲國際公害攝影大賞」、「老闆不爽-免費吃魚」、「魅色台灣-大林蒲妝」等計畫，以獨具風格的藝術實踐方式，回應自身關注的現實議題。近年重要個展包括2022年《間奏請稍候》、2021年《在你不注意的時候，請跟我來》。

 

張哲榕

生於台北，關注影像創作，作品獲日本清里寫真美術館、藝術銀行典藏。受邀於法國巴黎羅浮宮、美國紐約時代廣場、日本清里美術館、大阪中央公會堂、俄羅斯國立新西伯利亞美術館、波蘭中介雙年展、韓國東江攝影節、北京國際攝影週、國立台灣美術館、台北當代藝術館、高雄市立美術館、關渡美術館等地展出。

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜倪祥、張哲榕、胡永芬、臺北市立美術館}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》

近年的生成藝術狂潮之中，Refik Anadol絕對是站在浪尖的佼佼者。 他是第一位在公共空間使用AI技術，也是第一位受紐約現代藝術博物館（MoMA）典藏NFT作品的藝術家，更催生世界上第一間以AI為研究方向的博物館「Dataland」。他將數據、生成技術、建築融合美學為一爐，不斷挑戰觀者的視覺體驗，掀起一場21世紀的文藝復興。

Refik Anadol對數位藝術的著迷，源自於他對科技、記憶和建築之間關係的濃厚好奇。成長於東西文化和歷史十字路口的伊斯坦堡，他自小迷戀建築結構設計，常常幻想能為自己的房間——呆板的牆壁、窗戶和天花板注入生命。8歲那年因看了電影《銀翼殺手》，雷利．史考特鏡頭底下陰冷朦朧的賽博龐克世界及蘊含故事的哲學，徹底衝擊他的世界觀。

從「數據繪畫」至「數據雕塑」

在攻讀伊斯坦堡比爾基大學數位傳播設計碩士，以及加州大學洛杉磯分校媒體設計系的期間，他先是接觸到專門針對聲音、影像開發所設計的工具「Pure Data」，和透過圖像生成指令的軟體「VVVV」，提出「數據繪畫」和「數據雕塑」概念——結合建築、媒體藝術、光學研究，和基於數據分析之間的場域特定（Site-specific art）3D動態雕塑作品。「我對這些數據深深著迷，數據能否成為一種空間、打破物理界線，或者能否觸摸？透過不斷嘗試找到背後的意義。我認為理解機器如何相互溝通、如何記錄記憶，是人類即將面臨的挑戰。」

畢業後，Refik創立自己的工作室，延攬了一群跨領域專業的團隊，包含神經科學、AI工程師、數據科學家、建築師、視覺設計師。2016年他被Google遴選為AI計畫的駐村藝術家，成為了藝術生涯的轉捩點，讓他發現AI無窮盡的潛能。他隨後帶領團隊為SALT Research打造首件結合AI技術的公共空間作品——《Archive Dreaming》，以170萬份文件的圖像來訓練神經網絡，將機器的夢境視覺化，創造出模糊數位與實體之間界線的空靈景觀。「這件作品源自我內心深處的好奇：如果機器可以學習，它也可以做夢嗎？如果機器可以做夢，誰能定義何為真實或是虛幻？這些問題不斷推動我，探索超越傳統視覺 語彙的藝術創作。」

與龐大數據庫融合的大型公共空間

在過去的8年裡，Refik Anadol團隊在世界各地的地標場館、博物館和雙年展，推出一場又一場令人目眩神迷的大型投影或沉浸式空間，包含華特迪士尼音樂廳、哈默博物館、MoMA、高第巴特婁之家等，並跟諸多科技大廠和研究機構如Microsoft、NVIDIA、JPL/NASA、Intel、IBM緊密合作，將最新、尖端的科學技術融入作品，影像資料庫也越加龐大。

《Quantum Memories》採用2億張地球上的風景、海洋和大氣的圖像；在《Machine Hallucination-NYC》中，他們擷取1.13億張紐約市的公開影像來描繪這座城市的未來；在為洛杉磯愛樂合唱團設計的《WDCH Dreams》，工作室蒐集了樂團近百年的數據資料，這些檔案被解析為數百萬個數據點後重新組合，投影在華特迪士尼音樂廳外牆。

在2022年引起轟動的高第巴特婁之家光雕投影《Living Architecture-Casa Batllo》，團隊集結了約10億張圖像的資料集，包含高第的草圖、建築歷史的視覺檔案、學術檔案，以及在網路和社群媒體平台上找到的巴特婁之家的公開照片。「數據在我的作品中既是媒介也是敘事工具，提供記憶、想像與美學之間的連結。我的團隊會使用先進的機器學習演算法，以及自定義軟體『潛在空間瀏覽器』（Latent space）來管理和處理龐大的數據集，確保每一個數據都能與作品的概念框架相契合。」

關於如何應對大型投影的不可控變因，他表示：「每個專案都會帶來不同挑戰，從技術限制到不可預測的環境因素。例如在華特迪士尼音樂廳的案子中，如何讓投影與Frank Gehry設計的經典建築和諧共存，而不會喧賓奪主，需要對光線、材質和動態進行細緻校準，才能在增強投影的同時，又尊重建築原有的特質。」

他認為，「一件作品的『完成』不在於是否至臻完美，而在於它所帶來的共鳴——當作品能夠捕捉到預期的情感或概念深度，並在觀眾心中引發有意義的回應時，它便是完整的。一件好的數位藝術作品結合了技術的精確性、概念的深度和情感的衝擊力，它必須能引起思考，能在多個層面上與人產生連結，並邀請觀者重新思考或想像身處的世界。」Refik透露，自己除了建築外牆之外，對於挑戰非傳統介面和材料也充滿興趣。「我特別被數據美學與自然環境結合的概念所吸引，希望終有一天能探索如水、風及有機材料等媒介。」

重新定義博物館與藝術創作

將於2025年問世的全球首間人工智慧藝術博物館「Dataland」，是Refik最新一項革命性嘗試，也是工作室成立10年的里程碑。他希望重新定義博物館，突破以保存和展示歷史作品為主的模式，打造一個充滿動態、持續演變的互動空間。

團隊將運用自行開發的AI模型——大型自然模型（Large Nature Model），從史密森尼學會、《國家地理》雜誌、倫敦自然歷史博物館等 機構，以及世界各地的熱帶雨林中，以符合道德規範的方式獲取數據圖像。除了視覺，Dataland還將從生態系統中捕捉聲音、透過AI產生氣味，譜出一場嶄新的感官交響曲。對於許多人詬病AI產業高耗能的問題，Refik也聲明將與Google合作，利用奧勒岡州的永續能源來供應AI運作，減少對化石燃料的依賴。

問及Refik如何看待AI發展和藝術創作之間的關係，他表示：「人工智慧和機器學習為創意開拓全新視野，讓我們能以過去難以想像的方式，將數據視覺化或模擬環境。藝術與科技始終處於不斷的對話之中，彼此塑造並重新定義對方。對我而言，這段關係最令人興奮的是它 能擴展人類想像力的邊界。」不過這位走在科技前線的藝術家也強調，「AI作為創意、敘事和解決問題工具的潛力令人鼓舞；但同時，AI在偏見、隱私性和永續性等方面的倫理問題，也必須時刻受到重視——雖然科技可以帶來良善的力量，但它必須以人類價值和地球福祉為終極方向。」這場以AI掀起的文藝復興，不只帶來改變，也讓人類更知曉那些必須守護的不變價值。

Refik Anadol

1985年生於土耳其伊斯坦堡，新媒體藝術家、藝術總監和人工智慧先驅。擅長將建築化作畫布，重塑空間感知並創造全新體驗，其作品圍繞人工智慧時代中的人類身分問題，探索群體記憶、機器學習和藝術之間的交會。創作形式包括數位雕塑、大型公共藝術和沉浸式裝置，與Google和NVIDIA等科技公司密切合作，作品足跡遍及紐約現代藝術博物館、蛇形藝廊及聯合國總部等。

_{企劃｜張以潔　文｜姜盈謙
攝影｜Efsun Erkilic　圖片提供｜Refik Anadol}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》