陳易鶴是鮮少敢公開說自己不社交的設計師，但每每出手的案子都有一定規模，做過恆隆行概念店、到京都設計民宿，最近還當起主理人創立漢方茶飲品牌仙島。實在好奇，這位設計圈邊緣人有何生存之道？

搭計程車前往陳易鶴操刀品牌與設計的仙島，翹鬍子般的土黃色拱形，兩側各長出一顆黑色圓球，說不出來的怪異感，連司機都多看了兩眼，自言自語「這是什麼店？」如果說設計理念是對空間解讀的正解，那司機的感受百分百正確，因為陳易鶴在設計之初本就沒有邏輯。

先是在百貨業做櫥窗設計，再到中國一路從室內設計、平面設計跨足品牌，回台後陳易鶴創立好氏研究室，專攻品牌規劃與空間設計。2021年他和過往客戶共同創立品牌顧問公司「四三十二」，預計1年∼1年半推出一個餐飲品牌，開放大家選擇不同業態加盟，仙島即是第一個牌子。他們發現台灣茶店型態偏少，不脫連鎖手搖茶、台灣傳統茶、日式茶店和精品茶這4種，「一般的茶都想做內涵、深度，想要把茶做流行，就直接掉到手搖茶。所以我們瞄準連鎖加盟茶和台灣茶中間這塊，把漢方和台灣茶道結合，再混入燕麥奶、豌豆奶、牛奶等大眾喜愛的各種奶類層次。」

50%風格對撞黃金比例

開發產品和品牌識別就花了1年半，光是做出「很東方又不能太東方、很幾何又不能太幾何」的logo，就修改了數10次。反而空間設計只花1個月，「這是我第一次不去想空間的形式，每區都是我的一個感覺，分開做再湊在一起。」定調土黃和黑兩大色系後，再依序設計茶席、內場廚房、包廂、吧台，每區都是當下的即興創作，做完後放個2、3天，再投入下一區，最後完成的門面甚至只用了30分鐘。「我想要改掉台灣人去一間店裡的習慣。」茶席被黑色蘭花網包覆，不同於常見的4∼6人座位，他讓20人座位全部共用一張大長桌，即便一個人來到店裡，也能有「假裝我有朋友，其實我沒朋友」的自在。

最顯眼的藺草區直覺是包廂，但其實是內場廚房。「我想要有一個很像生物或神獸的東西，讓空間不要那麼順。最初想找類似毛的材質，試過芒草、細竹子的絲，最後選擇藺草，因為它的長度有130∼150公分，很像怪獸的毛。」他特意不剪掉尾端的花，長短不一的藺草共2,500多束，全由他一人手工拼接、編組，整整花了5天。店內香氣全來自藺草，廁所天花板更放了2、300把。他笑說：「有客人以前家裡是種香菇的，傳統菇寮就是黑色棚子，外面要堆很多稻草除濕氣，這兩項店內都有類似元素。他就很感動，問我以前是不是種香菇的？」

菇寮是個美麗誤會，但東方的確是陳易鶴有意放入的元素。包廂被一大塊布包圍，布上寫著「xiu」等道術狀聲詞，原型是道士在布上寫符咒，人將此布掛上就可獲得保護；吧台柱子刻上仙島漢方字樣，靈感來自廟宇會將捐獻者姓名寫在柱子上。「我蠻愛用道教跟佛教的東西，還有很多美感形式沒有被挖掘出來，比如說佛珠，道教的符令、道袍、咒語。」但東方只是他偏好的一種元素，真要探究設計手法，「我喜歡讓色系或風格以各50%的比例衝突，並在同一個色系疊好幾種材質，乍看很單調，待久了會覺得層次很多。」從這個脈絡看，仙島是50%土黃和50%黑；他操刀的香水品牌愛朵（adopt'）快閃專櫃，因有感香水是古老物件，在販售時卻很摩登，便想出現代霓虹燈結合古老手工紙的空間設計；2019年他前往京都設計民宿「A day in khaki」，在老屋內部做全是卡其色的極簡設計，一樣是復古和現代風格的對半比例。

設計不等於美感

在設計之外，陳易鶴也自發投入美感教學，2022年已邁入第7年。從過去的收費制，2020年因遭遇疫情，令他動念起和大家分享不同的生活觀點，以「怎麼用美感判斷商業跟消費」為題，做成兩小時的「美感努力運動」課程，只要15人以上，並提供場地和交通費，他就會去演講，南投中興新村、台南將軍區等地都去過，學生從15∼60幾歲都有。他直言設計不等於美感，設計只是形式，美感則是從感覺出發，用不同邏輯去生活，懂得追求更有感覺而非更貴的東西。他常以去小吃店舉例，「你有沒有覺知不要坐在結帳台和出餐口前面？光是位置選擇，就跟美感有關。」他認為美感由靈性科學、心理學、社會觀察共3大部分組成，靈性指涉對不同形式的包容，心理是人和人之間的關係和互動，社會觀察則是了解大眾喜歡與不喜歡什麼的道理。不存在絕對美感，但會有主流形式，像是咖啡廳只要復古就按讚，如果是土星風格咖啡廳，大眾就會動搖，因為這不是資料庫裡熟悉的語彙。

以主流形式來看，一地一時都會有盛行的風格，這也是陳易鶴刻意疏遠設計圈的原因，他怕受到影響，因個人獨特性來自於和他者的距離。但保持物理距離真為必要條件嗎？「我的心性還不夠堅強，沒辦法強到能和對方聊一個心裡根本不認同的事情。就像仙島開幕，我不是一次請60個KOL到店裡，每人閒聊兩句，叫他趕快發照片。而是請想來的人自己預約，我再親自和每一個人單獨介紹。」不只行銷手法與流行背道而馳，現今社群當道、展會興盛，線上線下的社交互動，都不見陳易鶴的身影。社交能力和案源多少有正比關係，但他不社交，也並沒有讓案源因此下滑。

讓同溫層不斷擴大

他的案源大致分為兩種，一是之前合作過的客戶，像是2021年操刀的恆隆行概念店，以未來穴居為概念，讓家電變成空間配角。一個傳統家電品牌能接受這樣前衛的改變，因為早在5、6年前，他就做過恆隆行總部的室內改裝，信任感從此累積。另一部分則是美感教學的學生，「目前在全台講了30場、觸及近1,000人，等於是跟這1,000人溝通我的美感邏輯，其中只要幾個找我做設計，案子就夠了。」紋眉店「鹿與男子力」是他去年最滿意的空間設計，業主即是他的學生，且近乎「僵屍粉」等級，每堂美感課程都上過。正因為理解且喜歡他的設計，開出的條件僅有「別人沒做過的」一條，才有了這間一半禪風、一半太空風的特殊空間，兩側光牆搭配壓克力、皮、木頭等6∼7種黑色材質，延展12坪小店的視覺感受。

聽來落地的方式，也要有人願意找他上課才能成立。「要讓別人喜歡我、願意聽我講話，所有形象包裝要是極致，在臉書和IG的思考邏輯、照片，必須要是自己最強能力的展現。」他不諱言自己的臉書是商用，且明確知道哪些po文受歡迎，會調配每則文章的內容和情緒，讀起來不會膩，也大方公開自己身為中年同性戀者在感情上遇到的問題；IG則刻意不管這些，想po什麼就po。「我的人設，刻意經營是臉書、不刻意是IG，反而讓我得到兩種人格。社群很有意思的是，你越透明，越會吸引到別人。但你平凡的那一面不能透明，不要平凡到打卡送肉、打電動都要分享。關鍵是個性獨特性跟豐富度要夠，才能表現出有意思的層次。」這樣聽來他並非不社交，只是方法不是一般常見的參加活動、發文互相標記留言，「我認為的社交能力，會放在純粹被我吸引的人，而不是我要去拜託你。很像是先圈一個圈圈，你只要願意進來，我會去社交你，可是我不去社交圈圈外的。我雖然是活在同溫層裡，但透過講課，會不斷擴大我的同溫層。不論講課或設計，這些事都不能停，因為跟設計圈沒有社交，必須不斷用作品告訴大家，我還在喔。」其實不用等到仙島成立，陳易鶴一直都是自己的業主，以自我為名操刀品牌，用作品說話。

陳易鶴

好氏研究室室長、創意總監，美感努力運動協會會長，品牌形象顧問與趨勢觀察家。天蠍座，上升射手。本人不像外表那樣有距離感，是個將推廣美感生活視為自身使命的男人，擅長以精準詞彙診斷出品牌優劣，對於當代社會與生活哲學有獨到見解。

文｜張以潔　　攝影｜蔡耀徵　　圖片提供｜好氏研究室

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當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN