NFT風潮席捲全球，台灣品牌也紛紛登入元宇宙，而精品百貨之中，又以微風集團為先驅者，聯名聶永真推出「BreezeVerse X Aaron Nieh｜NFT Passport」共502顆NFT，每顆都獨一無二。在競爭激烈的市場中，雙方聯名在品牌賦能、藝術性上有什麼樣的優勢，足以吸引買家注意？我們專訪聶永真細談創作脈絡，並提點這件作品的獨特之處。

複合表現手法 X 獨特造物觀建構微風元宇宙

在這502顆NFT建構的龐大體系當中，涵納「Creation 萬物」、「Territory 境界」與「Supreme 天體」三等級系列視覺，鑄得機率分別是75%、20%與5%，而在鑄造之前，每個人拿到的都是盲盒。

回溯合作初期，微風想法的雛形是將502顆NFT分成金、銀、銅三個等級，我希望層級分野的詞彙可以被賦予更多的意義，但三個系列各自的想像又很清晰。」因此，聶永真不只在設計方法上做出變化，揉合編碼重組、交互文本、型態驗證、2D、3D、動態等複合手法交織體系，更為三大系列分別注入獨特造物觀，由萬物至天體層層遞嬗至完整包裹理念。

Landing Page：https://www.breezeverse.io/

既然是聯名，除了設計師的想法之外，品牌也必定有所期盼，適逢微風之夜今年主題《Diamondverse鑽石琉星》，微風希望或能把鑽石意象帶入。不過，聶永真的設計裡出現Bling Bling元素，想像起來似乎有點違和？「其實我以往操作視覺的手法，不太會直接把主題表現出來，通常是隱喻。」這次他同樣用抽象的表現方式達到微風的訴求，並且不讓502顆NFT個個皆與鑽石有關，而是在部分作品中融入相對明顯、鮮明的連結意象。

Creation 萬物｜永真急制獨家字體呈現萬物初始形象

切入「Creation 萬物」創作發想，聶永真選了兩本書作為素材，分別是羅蘭巴特著作《流行體系》和《全球型錄》1968年首刊號，前者以時裝為主要論述標的，並講述消費心理學、消費認同相關主題，內容與微風作為精品百貨的本質，有著直接關係；後者是美國六〇年代末崛起的非主流雜誌，也是第一本向美國讀者介紹「外面的世界」正發生什麼事的刊物，可視作當時美國人認識嶄新事物的濫觴。

聶永真將兩本文本裡重要但不艱深、共同出現的詞語提出來，把它們混合、打亂再拼湊，最後得到的每個組合都是兩個單字，皆為一組形容詞加名詞，「這些字詞文法上是對的，但平常不會看到，詞意讓人摸不著頭緒，但又很有想像空間。萬物的形成，就是來自這樣的起點跟想像。」

這貫穿萬物的核心理念，以永真急制官方獨家字體「AA Grotesk」為載體，透過程式編碼、人工複驗及修潤雙線呈現。值得一提的是，這套字體雖曾出現於永真急制極少數作品上，但仍屬測試階段，這回是開發以來最大程度的曝光。

我們也好奇，為什麼要用兩本書做這件事？一本書的內容難道不夠有力？聶永真表示，如果只用《流行體系》做混編不夠好玩，「NFT畢竟是當代的產物，還是要混一些更有趣的元素。」所以他帶入了《全球型錄》，這本刊物雖然也「舊」，但在當時的社會是極具啟發性的。兩本書不夠，聶永真還把當代社群的修辭、迷因、符號、網路用語等元素混入，且375組字詞並非都是純文字，有些更轉換成圖像呈現、文意本身帶有色彩暗示意象的還會變色，這麼做是為了讓NFT夠「奇怪」，怪到持有者會想這到底是什麼東西？怪到會想發上社群炫耀，巧妙抓住網路世代的心理。

Territory 境界｜漸層配色2D動畫誘發多元觀點

有了萬物之後，世界觀推演至「Territory 境界」，其以「形狀」為主角發展視覺，闡述人類意識到光、媒介與陰影的存在，從而學會辨識形狀，接著慾望攀附形狀所攜帶的意義，進而產生佔有的本能。

這一切聽來抽象飄渺，聶永真是這麼解釋的：「從小到大，我們慢慢學習到幾何圖形的各種樣態，也對它們有了基本的視覺認知經驗；學到地理時，因為這些經驗，我們會知道誰的土地、國家大概長什麼樣子。」這樣的認知，衍生出對地緣、政治、慾望的各種牽扯，若無萬物生成，何來認知產生，認知所構築的境界又怎麼會形成？

呈現境界的幾何形狀之中，有彩色或黑白漸層不停loop、不斷流動，「漸層看起來像鏡子，也很像鑽石的切割面。」聶永真在這裡以抽象的手法把微風想要的鑽石元素帶入，也對獲得此系列的人拋出暗示，「當你覺得像鑽石，那可能是慾望、權力的象徵；如果你覺得是鏡子，你觀照到的，也許是它投射出的你是什麼樣子。」在Territory及Supreme兩個等級中，聶永真與業界頂級的動態及3D藝術家合作製作，此系列運用漸層配色2D平面動畫，透過鏡面模擬、光影切割、拼組並置，讓觀者在虛實交錯間，對形狀與質地的意義發展出不同觀點。

Supreme 天體｜對話語權、制高點、自我主體追尋的隱喻

越過境界，來到「Supreme 天體」，此系列僅鑄造25顆NFT，運用3D動態呈現25種以無重力狀態漂浮於真空中的「權杖」形象。

在想到以天體一詞詮釋之前，人們對Supreme最直觀的釋義也許是「至高無上的」。而所謂權杖，就像電影中的麥高芬（MacGuffin），是可以推展劇情的物件、人物或目標，也許畫面不多、著墨甚少，但卻是關鍵要素，每位創作者各有各的詮釋方法。正如同每個人在生命中想追求的「至高無上」都不相同，或大或小、或磅礡或平和，「有些人覺得日復一日的routine生活公式，就是一種追求；有些人渴望的是一種療癒，可能只要一個簡單普通的emoji就可以達成。」聶永真用日常化的比喻，說明個體對權杖各有表述，而對那25個獲得權杖的人來說，物件會在個人宇宙觀中產生專屬意義。

雖然三大系列有級別之分、賦能也有所不同，但都有機會得到聶永真埋下的彩蛋，簡單來說就是「特別版中的特別版」。這麼做不僅是要創造驚喜，也要引發討論，「在opensea的許多項目中，越特別、越不一樣的NFT總是容易被highlight。」聶永真補充，足夠特別才會引人注目，本就是現代社群難以撼動的定律。至於獲得隱藏版的機率如何？「天體裡藏了2、3顆，境界大約10顆，萬物最多，依照類似的比例去分配。」解盲之時就看誰比較幸運了。

一次做502顆NFT，有想法就不難

一個案子要做502顆NFT，聽來就相當費力，想來就覺得難，但當我們拋出這道問題，聶永真給出了一個很有意思的答覆：「難不難是一個偽命題。有想法就不難，不管數量是一還是百，沒想法就很難。」團隊對這次合作的想法早早拍板，後續比較花時間的是定調風格、創造視覺型態，最終成品有502種，過程中團隊提出的選擇可能有兩倍之多。

也許你會好奇，萬物系列的詞語結果是透過編碼重組出來的，做起來是不是相對簡單？對此，聶永真舉過去曾在社群上分享的實驗性作品「40秒編書」為例解釋，當時他以「牛津字典A to Z單字庫」與《百年孤寂》做為資料庫，導入編碼平台後設定參數、函數與變數，並設定好視覺架構，一本600多頁雙內容的書，40秒就可完成排版。

這麼做效率高，背後卻有其他因素要考量，「我自己是平面設計師，非常注重細節，雖然用編碼就可以做成，但事後還是要修潤。編碼可以創造出意外的驚喜，但人為獨有的審美和修飾細部的能力，也是無法取代的。」也就是說，機器計算與人為干涉需相輔相成，成品才會最靠近聶永真作為平面設計師所要求的質感。

聶永真的設計向來不走絢麗浮誇路線，會不會讓獲得作品的人覺得這藝術太過「簡單」？針對這點，他用兩個角度來探討：「微風的賦能很強，有些甚至是終身的，所以就算設計型態極簡、簡約、優雅，也不會讓人失望。」另外一點則攸關聶永真對藝術本質的看法：「藝術可以很簡單，簡單也可以賣很貴，重點是品味。」這也是此番聯名合作後，他所得到的啟示。而微風和聶永真，也真的利用這502顆NFT，紮實地架構出擁有鮮明世界觀的巨大體系，從而創造出微風元宇宙的未來想像。

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX