微風攜手聶永真登入元宇宙！502顆專屬NFT享受終生賦能

NFT風潮席捲全球，台灣品牌也紛紛登入元宇宙，而精品百貨之中，又以微風集團為先驅者，聯名聶永真推出「BreezeVerse X Aaron Nieh｜NFT Passport」共502顆NFT，每顆都獨一無二。在競爭激烈的市場中，雙方聯名在品牌賦能、藝術性上有什麼樣的優勢，足以吸引買家注意？我們專訪聶永真細談創作脈絡，並提點這件作品的獨特之處。

複合表現手法 X 獨特造物觀建構微風元宇宙

在這502顆NFT建構的龐大體系當中，涵納「Creation 萬物」、「Territory 境界」與「Supreme 天體」三等級系列視覺，鑄得機率分別是75%、20%與5%，而在鑄造之前，每個人拿到的都是盲盒。

回溯合作初期，微風想法的雛形是將502顆NFT分成金、銀、銅三個等級，我希望層級分野的詞彙可以被賦予更多的意義，但三個系列各自的想像又很清晰。」因此，聶永真不只在設計方法上做出變化，揉合編碼重組、交互文本、型態驗證、2D、3D、動態等複合手法交織體系，更為三大系列分別注入獨特造物觀，由萬物至天體層層遞嬗至完整包裹理念。

Landing Page：https://www.breezeverse.io/

既然是聯名，除了設計師的想法之外，品牌也必定有所期盼，適逢微風之夜今年主題《Diamondverse鑽石琉星》，微風希望或能把鑽石意象帶入。不過，聶永真的設計裡出現Bling Bling元素，想像起來似乎有點違和？「其實我以往操作視覺的手法，不太會直接把主題表現出來，通常是隱喻。」這次他同樣用抽象的表現方式達到微風的訴求，並且不讓502顆NFT個個皆與鑽石有關，而是在部分作品中融入相對明顯、鮮明的連結意象。

Creation 萬物｜永真急制獨家字體呈現萬物初始形象

切入「Creation 萬物」創作發想，聶永真選了兩本書作為素材，分別是羅蘭巴特著作《流行體系》和《全球型錄》1968年首刊號，前者以時裝為主要論述標的，並講述消費心理學、消費認同相關主題，內容與微風作為精品百貨的本質，有著直接關係；後者是美國六〇年代末崛起的非主流雜誌，也是第一本向美國讀者介紹「外面的世界」正發生什麼事的刊物，可視作當時美國人認識嶄新事物的濫觴。

聶永真將兩本文本裡重要但不艱深、共同出現的詞語提出來，把它們混合、打亂再拼湊，最後得到的每個組合都是兩個單字，皆為一組形容詞加名詞，「這些字詞文法上是對的，但平常不會看到，詞意讓人摸不著頭緒，但又很有想像空間。萬物的形成，就是來自這樣的起點跟想像。」

這貫穿萬物的核心理念，以永真急制官方獨家字體「AA Grotesk」為載體，透過程式編碼、人工複驗及修潤雙線呈現。值得一提的是，這套字體雖曾出現於永真急制極少數作品上，但仍屬測試階段，這回是開發以來最大程度的曝光。

我們也好奇，為什麼要用兩本書做這件事？一本書的內容難道不夠有力？聶永真表示，如果只用《流行體系》做混編不夠好玩，「NFT畢竟是當代的產物，還是要混一些更有趣的元素。」所以他帶入了《全球型錄》，這本刊物雖然也「舊」，但在當時的社會是極具啟發性的。兩本書不夠，聶永真還把當代社群的修辭、迷因、符號、網路用語等元素混入，且375組字詞並非都是純文字，有些更轉換成圖像呈現、文意本身帶有色彩暗示意象的還會變色，這麼做是為了讓NFT夠「奇怪」，怪到持有者會想這到底是什麼東西？怪到會想發上社群炫耀，巧妙抓住網路世代的心理。

Territory 境界｜漸層配色2D動畫誘發多元觀點

有了萬物之後，世界觀推演至「Territory 境界」，其以「形狀」為主角發展視覺，闡述人類意識到光、媒介與陰影的存在，從而學會辨識形狀，接著慾望攀附形狀所攜帶的意義，進而產生佔有的本能。

這一切聽來抽象飄渺，聶永真是這麼解釋的：「從小到大，我們慢慢學習到幾何圖形的各種樣態，也對它們有了基本的視覺認知經驗；學到地理時，因為這些經驗，我們會知道誰的土地、國家大概長什麼樣子。」這樣的認知，衍生出對地緣、政治、慾望的各種牽扯，若無萬物生成，何來認知產生，認知所構築的境界又怎麼會形成？

呈現境界的幾何形狀之中，有彩色或黑白漸層不停loop、不斷流動，「漸層看起來像鏡子，也很像鑽石的切割面。」聶永真在這裡以抽象的手法把微風想要的鑽石元素帶入，也對獲得此系列的人拋出暗示，「當你覺得像鑽石，那可能是慾望、權力的象徵；如果你覺得是鏡子，你觀照到的，也許是它投射出的你是什麼樣子。」在Territory及Supreme兩個等級中，聶永真與業界頂級的動態及3D藝術家合作製作，此系列運用漸層配色2D平面動畫，透過鏡面模擬、光影切割、拼組並置，讓觀者在虛實交錯間，對形狀與質地的意義發展出不同觀點。

Supreme 天體｜對話語權、制高點、自我主體追尋的隱喻

越過境界，來到「Supreme 天體」，此系列僅鑄造25顆NFT，運用3D動態呈現25種以無重力狀態漂浮於真空中的「權杖」形象。

在想到以天體一詞詮釋之前，人們對Supreme最直觀的釋義也許是「至高無上的」。而所謂權杖，就像電影中的麥高芬（MacGuffin），是可以推展劇情的物件、人物或目標，也許畫面不多、著墨甚少，但卻是關鍵要素，每位創作者各有各的詮釋方法。正如同每個人在生命中想追求的「至高無上」都不相同，或大或小、或磅礡或平和，「有些人覺得日復一日的routine生活公式，就是一種追求；有些人渴望的是一種療癒，可能只要一個簡單普通的emoji就可以達成。」聶永真用日常化的比喻，說明個體對權杖各有表述，而對那25個獲得權杖的人來說，物件會在個人宇宙觀中產生專屬意義。

雖然三大系列有級別之分、賦能也有所不同，但都有機會得到聶永真埋下的彩蛋，簡單來說就是「特別版中的特別版」。這麼做不僅是要創造驚喜，也要引發討論，「在opensea的許多項目中，越特別、越不一樣的NFT總是容易被highlight。」聶永真補充，足夠特別才會引人注目，本就是現代社群難以撼動的定律。至於獲得隱藏版的機率如何？「天體裡藏了2、3顆，境界大約10顆，萬物最多，依照類似的比例去分配。」解盲之時就看誰比較幸運了。

一次做502顆NFT，有想法就不難

一個案子要做502顆NFT，聽來就相當費力，想來就覺得難，但當我們拋出這道問題，聶永真給出了一個很有意思的答覆：「難不難是一個偽命題。有想法就不難，不管數量是一還是百，沒想法就很難。」團隊對這次合作的想法早早拍板，後續比較花時間的是定調風格、創造視覺型態，最終成品有502種，過程中團隊提出的選擇可能有兩倍之多。

也許你會好奇，萬物系列的詞語結果是透過編碼重組出來的，做起來是不是相對簡單？對此，聶永真舉過去曾在社群上分享的實驗性作品「40秒編書」為例解釋，當時他以「牛津字典A to Z單字庫」與《百年孤寂》做為資料庫，導入編碼平台後設定參數、函數與變數，並設定好視覺架構，一本600多頁雙內容的書，40秒就可完成排版。

這麼做效率高，背後卻有其他因素要考量，「我自己是平面設計師，非常注重細節，雖然用編碼就可以做成，但事後還是要修潤。編碼可以創造出意外的驚喜，但人為獨有的審美和修飾細部的能力，也是無法取代的。」也就是說，機器計算與人為干涉需相輔相成，成品才會最靠近聶永真作為平面設計師所要求的質感。

聶永真的設計向來不走絢麗浮誇路線，會不會讓獲得作品的人覺得這藝術太過「簡單」？針對這點，他用兩個角度來探討：「微風的賦能很強，有些甚至是終身的，所以就算設計型態極簡、簡約、優雅，也不會讓人失望。」另外一點則攸關聶永真對藝術本質的看法：「藝術可以很簡單，簡單也可以賣很貴，重點是品味。」這也是此番聯名合作後，他所得到的啟示。而微風和聶永真，也真的利用這502顆NFT，紮實地架構出擁有鮮明世界觀的巨大體系，從而創造出微風元宇宙的未來想像。

一間不賣鮮花的花店，竟能巡迴紐約、墨爾本、香港、新加坡等大城市，所到之地皆掀起排隊熱潮，這到底是怎麼一回事？原來這是澳洲當代藝術家Cj Hendry策動的「Flower Shop」藝術計畫，她以絨毛為材質，重新演繹各形各色的花卉，從莖葉到花瓣都細膩還原！

在開花店之前，「色鉛筆」超寫實畫作就引發社群討論

早在「Flower Shop」爆紅之前，Cj Hendry就以高超到得以「掩人耳目」的畫技為藝術迷熟知——閃閃發亮的迪斯可球、揉皺的塑膠袋、黏稠未乾的顏料、輕盈閃著幻彩的泡泡、盤中渾圓美味的魚子醬……，她不靠多樣媒材堆疊創作，就憑「色鉛筆」調色繪出！每道如顏料質地反射的光、彷彿立體物件自帶的影，都靠她巧手創造。看著這些巨幅超寫實畫作，不說還以為是攝影作品。

「Flower Shop」專賣永不凋零的花

近年，Cj Hendry將創作領域從超寫實畫作，拓展至大型藝術裝置和體驗，讓藝術以更可親的方式靠近大眾。2024年，她在紐約首度推出「Flower Market」，販售一系列以織品和泡棉製作而成、永不凋零的絨毛花朵，沒想到活動大受歡迎，最後快閃甚至演變為一間位於紐約SoHo區的永久性花店。其後，Hendry將計畫更名為「Flower Shop」並帶著作品去往世界各地。

為何以花為創作載體？Hendry認為，花是一種「人人都懂的語言」，無論是慶祝、道歉或單純想為日常製造浪漫，人們都會買花；不過可惜的是，鮮花總敵不過枯萎的命運。她想將這件事反轉，藉由永不凋零的花朵，讓心意得以永遠綿延。此外，Hendry希望透過Flower Shop讓人們知道，藝術不一定高冷艱澀，也能是觸手可及、可以輕鬆和親朋好友分享的。

「Flower Shop」8/28登台北微風廣場

巡迴紐約、新加坡、香港和澳洲多座城市後，Flower Shop今年夏天來到台北，8/28起於微風廣場快閃登場。這座露天花店將佈置如溫室，讓人們有造訪花市的實感，現場集結100種絨毛花卉，其中包含7款以台灣花卉為靈感的作品。想為自己或所愛之人挑一束永生花束，別忘了把這行程加上行事曆！

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）