NFT風潮席捲全球，台灣品牌也紛紛登入元宇宙，而精品百貨之中，又以微風集團為先驅者，聯名聶永真推出「BreezeVerse X Aaron Nieh｜NFT Passport」共502顆NFT，每顆都獨一無二。在競爭激烈的市場中，雙方聯名在品牌賦能、藝術性上有什麼樣的優勢，足以吸引買家注意？我們專訪聶永真細談創作脈絡，並提點這件作品的獨特之處。

複合表現手法 X 獨特造物觀建構微風元宇宙

在這502顆NFT建構的龐大體系當中，涵納「Creation 萬物」、「Territory 境界」與「Supreme 天體」三等級系列視覺，鑄得機率分別是75%、20%與5%，而在鑄造之前，每個人拿到的都是盲盒。

回溯合作初期，微風想法的雛形是將502顆NFT分成金、銀、銅三個等級，我希望層級分野的詞彙可以被賦予更多的意義，但三個系列各自的想像又很清晰。」因此，聶永真不只在設計方法上做出變化，揉合編碼重組、交互文本、型態驗證、2D、3D、動態等複合手法交織體系，更為三大系列分別注入獨特造物觀，由萬物至天體層層遞嬗至完整包裹理念。

Landing Page：https://www.breezeverse.io/

既然是聯名，除了設計師的想法之外，品牌也必定有所期盼，適逢微風之夜今年主題《Diamondverse鑽石琉星》，微風希望或能把鑽石意象帶入。不過，聶永真的設計裡出現Bling Bling元素，想像起來似乎有點違和？「其實我以往操作視覺的手法，不太會直接把主題表現出來，通常是隱喻。」這次他同樣用抽象的表現方式達到微風的訴求，並且不讓502顆NFT個個皆與鑽石有關，而是在部分作品中融入相對明顯、鮮明的連結意象。

Creation 萬物｜永真急制獨家字體呈現萬物初始形象

切入「Creation 萬物」創作發想，聶永真選了兩本書作為素材，分別是羅蘭巴特著作《流行體系》和《全球型錄》1968年首刊號，前者以時裝為主要論述標的，並講述消費心理學、消費認同相關主題，內容與微風作為精品百貨的本質，有著直接關係；後者是美國六〇年代末崛起的非主流雜誌，也是第一本向美國讀者介紹「外面的世界」正發生什麼事的刊物，可視作當時美國人認識嶄新事物的濫觴。

聶永真將兩本文本裡重要但不艱深、共同出現的詞語提出來，把它們混合、打亂再拼湊，最後得到的每個組合都是兩個單字，皆為一組形容詞加名詞，「這些字詞文法上是對的，但平常不會看到，詞意讓人摸不著頭緒，但又很有想像空間。萬物的形成，就是來自這樣的起點跟想像。」

這貫穿萬物的核心理念，以永真急制官方獨家字體「AA Grotesk」為載體，透過程式編碼、人工複驗及修潤雙線呈現。值得一提的是，這套字體雖曾出現於永真急制極少數作品上，但仍屬測試階段，這回是開發以來最大程度的曝光。

我們也好奇，為什麼要用兩本書做這件事？一本書的內容難道不夠有力？聶永真表示，如果只用《流行體系》做混編不夠好玩，「NFT畢竟是當代的產物，還是要混一些更有趣的元素。」所以他帶入了《全球型錄》，這本刊物雖然也「舊」，但在當時的社會是極具啟發性的。兩本書不夠，聶永真還把當代社群的修辭、迷因、符號、網路用語等元素混入，且375組字詞並非都是純文字，有些更轉換成圖像呈現、文意本身帶有色彩暗示意象的還會變色，這麼做是為了讓NFT夠「奇怪」，怪到持有者會想這到底是什麼東西？怪到會想發上社群炫耀，巧妙抓住網路世代的心理。

Territory 境界｜漸層配色2D動畫誘發多元觀點

有了萬物之後，世界觀推演至「Territory 境界」，其以「形狀」為主角發展視覺，闡述人類意識到光、媒介與陰影的存在，從而學會辨識形狀，接著慾望攀附形狀所攜帶的意義，進而產生佔有的本能。

這一切聽來抽象飄渺，聶永真是這麼解釋的：「從小到大，我們慢慢學習到幾何圖形的各種樣態，也對它們有了基本的視覺認知經驗；學到地理時，因為這些經驗，我們會知道誰的土地、國家大概長什麼樣子。」這樣的認知，衍生出對地緣、政治、慾望的各種牽扯，若無萬物生成，何來認知產生，認知所構築的境界又怎麼會形成？

呈現境界的幾何形狀之中，有彩色或黑白漸層不停loop、不斷流動，「漸層看起來像鏡子，也很像鑽石的切割面。」聶永真在這裡以抽象的手法把微風想要的鑽石元素帶入，也對獲得此系列的人拋出暗示，「當你覺得像鑽石，那可能是慾望、權力的象徵；如果你覺得是鏡子，你觀照到的，也許是它投射出的你是什麼樣子。」在Territory及Supreme兩個等級中，聶永真與業界頂級的動態及3D藝術家合作製作，此系列運用漸層配色2D平面動畫，透過鏡面模擬、光影切割、拼組並置，讓觀者在虛實交錯間，對形狀與質地的意義發展出不同觀點。

Supreme 天體｜對話語權、制高點、自我主體追尋的隱喻

越過境界，來到「Supreme 天體」，此系列僅鑄造25顆NFT，運用3D動態呈現25種以無重力狀態漂浮於真空中的「權杖」形象。

在想到以天體一詞詮釋之前，人們對Supreme最直觀的釋義也許是「至高無上的」。而所謂權杖，就像電影中的麥高芬（MacGuffin），是可以推展劇情的物件、人物或目標，也許畫面不多、著墨甚少，但卻是關鍵要素，每位創作者各有各的詮釋方法。正如同每個人在生命中想追求的「至高無上」都不相同，或大或小、或磅礡或平和，「有些人覺得日復一日的routine生活公式，就是一種追求；有些人渴望的是一種療癒，可能只要一個簡單普通的emoji就可以達成。」聶永真用日常化的比喻，說明個體對權杖各有表述，而對那25個獲得權杖的人來說，物件會在個人宇宙觀中產生專屬意義。

雖然三大系列有級別之分、賦能也有所不同，但都有機會得到聶永真埋下的彩蛋，簡單來說就是「特別版中的特別版」。這麼做不僅是要創造驚喜，也要引發討論，「在opensea的許多項目中，越特別、越不一樣的NFT總是容易被highlight。」聶永真補充，足夠特別才會引人注目，本就是現代社群難以撼動的定律。至於獲得隱藏版的機率如何？「天體裡藏了2、3顆，境界大約10顆，萬物最多，依照類似的比例去分配。」解盲之時就看誰比較幸運了。

一次做502顆NFT，有想法就不難

一個案子要做502顆NFT，聽來就相當費力，想來就覺得難，但當我們拋出這道問題，聶永真給出了一個很有意思的答覆：「難不難是一個偽命題。有想法就不難，不管數量是一還是百，沒想法就很難。」團隊對這次合作的想法早早拍板，後續比較花時間的是定調風格、創造視覺型態，最終成品有502種，過程中團隊提出的選擇可能有兩倍之多。

也許你會好奇，萬物系列的詞語結果是透過編碼重組出來的，做起來是不是相對簡單？對此，聶永真舉過去曾在社群上分享的實驗性作品「40秒編書」為例解釋，當時他以「牛津字典A to Z單字庫」與《百年孤寂》做為資料庫，導入編碼平台後設定參數、函數與變數，並設定好視覺架構，一本600多頁雙內容的書，40秒就可完成排版。

這麼做效率高，背後卻有其他因素要考量，「我自己是平面設計師，非常注重細節，雖然用編碼就可以做成，但事後還是要修潤。編碼可以創造出意外的驚喜，但人為獨有的審美和修飾細部的能力，也是無法取代的。」也就是說，機器計算與人為干涉需相輔相成，成品才會最靠近聶永真作為平面設計師所要求的質感。

聶永真的設計向來不走絢麗浮誇路線，會不會讓獲得作品的人覺得這藝術太過「簡單」？針對這點，他用兩個角度來探討：「微風的賦能很強，有些甚至是終身的，所以就算設計型態極簡、簡約、優雅，也不會讓人失望。」另外一點則攸關聶永真對藝術本質的看法：「藝術可以很簡單，簡單也可以賣很貴，重點是品味。」這也是此番聯名合作後，他所得到的啟示。而微風和聶永真，也真的利用這502顆NFT，紮實地架構出擁有鮮明世界觀的巨大體系，從而創造出微風元宇宙的未來想像。

自2016年開始，法國巴黎傳奇百貨樂蓬馬歇（Le Bon Marché Rive Gauche）每到新年之初，便會固定邀請各領域設計師來重塑百貨空間，今年則邀請中國藝術家宋冬操刀，自2026年1月10日至2月22日帶來全新展覽《各式各樣的物件－百貨》（Objets divers et variés－百貨），從百貨櫥窗、中庭到各樓層，通通換上藝術外衣！

作為中國當代概念藝術的代表藝術家，宋冬自1990年代起便以日常物件為媒介，探討記憶、時間與消費等議題；其藝術實踐橫跨裝置、影像、攝影、繪畫與行為藝術，他並不試圖為物品賦予新的功能，而是透過重新排列和呈現，讓觀眾意識到物品本身所承載的情感與歷史，讓物品成為「活的記憶」，並讓一切都被重新想像。

當傳奇百貨化為現成物展覽空間

在本次展覽中，宋冬同樣貫徹他的藝術創作手法，他將樂蓬馬歇rue de Sèvres的10扇櫥窗、rue de Babylone的6扇，以及rue du Bac的5扇櫥窗，總共21扇櫥窗通通化為鋪滿鏡面的立體場景。

除了展示個人收藏的日常物件外，宋冬也向百貨客人、員工發出徵件需求，並親自挑選像是電話、相機、收音機、時鐘等，各種來自不同年代與類型的物件，而這些承載著不同故事與使用痕跡的物品，則讓百貨化為一處大型現成物（Ready-made）*的展覽場域。

*現成物（Ready-made）：指在藝術創作中，非藝術家所做、已存在的現成品，通常是商業大量生產的物品，而被藝術家選用成為作品或作品的一部分。

巨型白色吊燈、萬花筒鏡面屋

當然，樂蓬馬歇最具代表性的中央手扶梯中庭空間也沒少；宋冬在此掛起一座懸掛於玻璃屋頂下的巨大白色吊燈，向馬塞爾・杜象（Marcel Duchamp）1914年的經典作品《瓶架》（Porte-bouteilles）致敬。

吊燈裝置由6個鋼製圓環構成，上面裝飾著點亮白光的瓶子，宛如吊燈上閃耀的垂墜飾件；在兩側挑高空間，則掛上一組組繽紛布簾，展現他標誌性的「彩色窗戶」圖像。

在二樓空間，宋冬則打造出宛如巨大萬花筒，由兩棟小屋共同組成的沉浸式鏡面屋；一棟是由回收門窗所構成，裡頭擺滿他個人收藏，懸掛數百盞燈具照亮的小屋。

另一棟則是同樣有著回收窗組成的外觀架構，但只掛上一盞古董吊燈，有如星際傳送門的鏡面走廊，任觀者恣意迷失於層層倒影之中，也巧妙模糊現實與幻象之間的界線。

《各式各樣的物件－百貨》展覽將一路展至2月22日，在正式結束之前，宋冬也將於2月18日至21日重新詮釋他的行為作品《Eating the city: every day is tomorrow》，一座完全由餅乾、糖果與巧克力構成的虛構城市。

這件充滿遊戲感且轉瞬即逝的可食作品，延續宋冬對創造與消失的思考，也使樂蓬馬歇成為能購物、觀賞，同時能互動參與藝術體驗的多元場域。

《各式各樣的物件－百貨》（Objets divers et variés－百貨）
展期：2026/1/11~2026/2/22
地點：24, rue de Sèvres 75007 Paris
更多資訊可至官網查詢

資料來源｜Le Bon Marché Rive Gauche

跟著香奈兒國際大獎關注10位先鋒創作者！CHANEL Next Prize兩年一度頒予來自不同國家、不同領域的當代藝術家10萬歐元獎金，和加入品牌人脈交流網絡的機會。從威尼斯雙年展到坎城影展舞台，本文統整每位生平、標誌性風格及過往閃耀足跡。

始於品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）對其摯友薩爾瓦多達利（Salvador Dalí）、尚考克多（Jean Cocteau）等前衛藝術先驅的支持，香奈兒至今通過頒發獎項、締結合作計畫，乃至闢建多功能藝文空間等面向個人或機構的途徑，在全球文化創新軸線上傾力推動——香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）核心項目包括助香奈兒藝術合作夥伴（CHANEL’s Art Partners）領導者們提出突破性長期倡議，以促進多元概念的開展。其中，2021年設立的雙年獎CHANEL Next Prize，無疑標誌著品牌百年藝術贊助承諾迎向全新篇章。

近日，香奈兒文化基金宣布第3屆CHANEL Next Prize來自10個國家的10名獲獎者，表彰現正重新定義所屬創作領域，並塑造未來文化的傑出藝術家。每人可得到無附加條件的100,000歐元資金支援，用以加速藝術實踐並擴大作品影響力；同時還能參與為期兩年、由品牌攜手諸如倫敦皇家藝術學院（Royal College of Art）等合作夥伴共同籌備的導師與人脈拓展計畫。

香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel表示，「CHANEL Next Prize旨在創造條件，讓藝術家得以自由蓬勃地發展；他們每一位都是塑造當下、定義未來的開拓者，以非凡的創造力與無畏精神引領這個時代。」此次背景多元的受獎者專業涵蓋視覺藝術、表演、設計、音樂與電影範疇，香奈兒將見證他們的創作旅程，續寫振奮人心的跨領域支持經歷，不懈深化藝術成為當代和後代「改變人們看待世界方式」的重要力量。

CHANEL Next Prize 2026獲獎名單

• Álvaro Urbano，西班牙
• Ambrose Akinmusire，美國
• Andrea Peña，哥倫比亞
• 金雅瑛（Ayoung Kim），韓國
• Bárbara Sánchez-Kane，墨西哥
• Emeka Ogboh，奈及利亞
• Marco da Silva Ferreira，葡萄牙
• 潘岱靜，中國
• Payal Kapadia，印度
• Pol Taburet，法國

10位獲獎者檔案，尋溯發跡至今的閃耀足跡

Álvaro Urbano｜視覺藝術家

出生於西班牙馬德里，現居德國柏林。擅長模糊虛構與現實界限的沉浸式場域創作，多借鑒戲劇、雕塑、建築與電影手法，建構顛覆觀者視覺預期的美學語言。聞名於寫實復刻植物元素，並藉植物為象徵載體，探討酷兒體驗、隱祕敘事等社會文化議題；如首展《Granada Granada》以木蘭樹枝、石榴植株和龜背竹葉片雕塑填滿展廳，各件栩栩如生到難以察覺其真實材質為金屬。

足跡遍及世界多地，在紐約雕塑中心、柏林新國家美術館、馬德里La Casa Encendida文化中心都曾舉辦個展，亦參與2025新加坡雙年展《純粹意圖》和台北雙年展《地平線上的低吟》。作品被包括紐約大都會藝術博物館、柏林漢堡火車站美術館、巴黎拉法葉前瞻基金會、墨西哥城Museo Jumex藝術博物館在內的多個重要機構永久收藏。

Ambrose Akinmusire｜音樂家、作曲家、教育家（現任史丹佛大學爵士樂研究主任）

出生並居住於美國加州。創作橫跨爵士與當代古典音樂，被廣泛視為同代中最具天賦的小號手之一。身為4次葛萊美獎提名者，共以樂隊領銜身分發行過8張原創音樂專輯，其中5張由Blue Note唱片發行、2張由Nonesuch唱片發行、1張由其自創唱片公司Origami Harvest發行；最新專輯《Honey from a Winter Stone》入圍2026葛萊美獎最佳另類爵士專輯。

曾於紐約卡內基音樂廳、倫敦巴比肯藝術中心、柏林愛樂音樂廳及巴黎愛樂音樂廳等知名場館演出，並獲華盛頓特區甘迺迪表演藝術中心、柏林爵士音樂節委約創作音樂。

Andrea Peña｜編舞家（現任AP&A舞團總監）

出生於哥倫比亞波哥大，現居法國巴黎和加拿大蒙特婁。汲取哥倫比亞的祖先記憶，同時將自身工業設計背景跨界融入編舞實踐，構建以身體作為混雜性與賦權性交織的異質宇宙，大膽創造全新敘事形式。

2014年在蒙特婁創立Andrea Peña & Artists（簡稱AP&A）舞團，匯聚多元藝術家共築沉浸式編舞世界；2025年登上倫敦薩德勒之井劇院東館舞台完成英國首演，並已巡演至歐洲、南美及亞洲。大獎紀錄諸如威尼斯舞蹈雙年展新編舞獎、英屬哥倫比亞芭蕾舞團編舞獎（Ballet BC Choreographer）。

金雅瑛（Ayoung Kim）｜視覺藝術家

出生並居住於韓國首爾。運用科技探索身分、敘事與體驗在數位時代如何被重塑。其涉及影像、聲音、表演、文字及遊戲類比與生成媒體的創新創作，結合人類與機器視界，呈現當代生活中鮮為人所察覺的層面；如2025年受紐約Performa雙年展委約的《Body^n》透過即時動作捕捉技術，將兩位特技演員的動作編碼成為動畫人物，使數位分身隨表演穿梭於虛擬景觀中，引發對主體性的疑問。

不僅接連贏得LG古根漢獎、ACC未來獎、電子藝術大獎金尼卡獎等全球獎項認可，更見列《ArtReview》評選之2025年最具影響力人物「Power 100」榜單。作品曾在紐約現代藝術博物館PS1當代藝術中心、倫敦泰特現代美術館、柏林漢堡火車站美術館、東京森美術館、香港M+博物館等機構展出。

Bárbara Sánchez-Kane｜視覺藝術家、設計師（自創無性別品牌Sánchez-Kane）

出生於墨西哥梅里達，現居墨西哥城。視身體為權力、慾望與身分博弈的場域，創作涵蓋雕塑、繪畫、行為和裝置，多通過解構與重組日常物件，為慣見形式注入嶄新意涵。

2024年於第60屆威尼斯美術雙年展發表融合編舞、戲服設計與雕塑的作品《Prêt-à-Patria》，探究廣泛流傳的軍事與男性氣概符號。2025年參與上海藝術文化機構Cheruby為期兩個月的駐留計畫。個展及行為表演曾落地洛杉磯當代藝術學院博物館、巴黎東京宮等機構。

Emeka Ogboh｜視覺藝術家

出生於奈及利亞埃努古，現居奈及利亞拉各斯與德國柏林。創作圍繞聽覺核心，藉由聲音介入地域、記憶與社會體驗，亦跨越多種媒介，將實踐拓展至味覺、嗅覺、視覺與觸覺領域，打造沉浸式裝置與藝術專案。意在探討私人和集體記憶、歷史與知識如何被轉譯為感官體驗，並運用具身際遇、而非再現性敘事回應全球化命題。

曾在紐約現代藝術博物館、倫敦泰特現代美術館、柏林漢堡火車站美術館等機構展出，亦曾參與威尼斯美術雙年展、聖保羅雙年展、卡塞爾文件展、明斯特雕塑展等國際性展覽。

Marco da Silva Ferreira｜舞者、編舞家

出生於葡萄牙聖瑪麗亞達費拉，現居波多。自學成才，舞蹈融會都市、當代及俱樂部風格，亦從街舞和社交舞蹈爬梳文化傳承理念，轉化身體動作為對話空間。

發跡於2005年，2010年取得葡萄牙版《舞林爭霸（So You Think You Can Dance）》電視比賽首季冠軍，作為舞蹈藝術家的職業生涯始獲國內外關注，後並與編舞家Victor Hugo Pontes、Hofesh Shechter等人同台演出；在舞者與編舞家雙重身分下勇於突破邊界，進而確立個人聲譽。曾為多部作品編舞，其中一作《CARCAÇA》入圍2025年倫敦薩德勒之井劇院國際玫瑰舞蹈獎（Sadler's Wells The Rose International Dance Prize）。

潘岱靜｜視覺藝術家、作曲家

出生於中國貴陽，現居德國柏林。涵蓋音樂、電影、表演及大型裝置的多元作品常通過作曲和編舞展開，遊走相互關聯的當代藝術、實驗音樂與電影之間。

近年在慕尼黑藝術之家舉辦個展《Mute》，以影像、聲音、雕塑、燈光及每日舞蹈表演貫穿18個展廳和戶外空間；在沃克藝術中心呈現《Sudden Places》，將電影、聲音、繪畫與建築帶入美術館場域。參與過光州雙年展、上海雙年展，亦曾進駐巴黎羅浮宮、倫敦泰特現代美術館、香港大館當代美術館等各地場館。2024年奪德國國家美術館獎、2025年獲巴塞爾藝術展大獎，此外已發行3張錄音室專輯。

Payal Kapadia｜導演、編劇

出生於印度孟買，現居孟買。善用影像挑戰虛構、記憶與夢境界限。

2021年以《我們一無所知的夜晚（A Night of Knowing Nothing）》成國際影壇令人矚目的新銳之一；該片透過原創素材與現成影像，探討當代印度的生活現實，一舉奪得坎城影展金眼獎，亦入選多倫多影展。2024年再憑劇情長片首作《你是我眼中的那道光（All We Imagine as Light）》榮獲坎城影展評審團大獎，同時提名金球獎最佳導演、最佳外語片，並被英國電影雜誌《視與聽（Sight & Sound）》評選為年度最佳影片。

Pol Taburet｜視覺藝術家

出生於法國巴黎，現居巴黎。從己身可溯的加勒比文化根源到西方藝術史皆為靈感，創作融噴繪於傳統繪畫技法，錯置神祕人物形象，徘徊現實與超自然交錯地帶。

2021年，就讀巴黎塞爾吉國立高等藝術學院的最後一年首度嶄露頭角。隨後4年內共在巴黎、柏林、馬德里等多座城市舉辦10場個展，2025年登聖保羅雙年展呈獻大型青銅與水泥裝置《Someone's Child》。作品被索菲亞王后國家藝術中心博物館、Kadist基金會等機構收藏。

^{資料提供｜香奈兒          文字整理｜Ning Chi}