法籍瑞士設計師Julie Richoz出生於1990年，在近年崛起的新銳中，她快速闖出屬於自己的一番天地，不僅於2020年名列指標性的巴黎家具家飾展設計新銳設計師大獎，也是2021年《Wallpaper*》25週年之際「5x5」新銳提名計畫中，由日本知名設計品牌Nendo佐藤大欽點的新世代設計創意領袖之一。在此之前她還榮獲過Design Parade的Grand Prix大獎與兩次Swiss Design Awards等榮譽。洋洋灑灑的得獎經歷，足以見得她的熱門程度。

畢業於洛桑藝術與設計大學（ECAL）的她，2015年在巴黎成立了設計工作室，此前兩年間她曾擔任亦被巴黎家具家飾展評選為2017年度設計師Pierre Charpin的專案助理。創立工作室之後，Julie Richoz十分享受沈浸於好奇與感性所啟動的設計創作過程，也培養出屬於自己的設計語言。佐藤大在接受《Wallpaper*》專訪提名原因時曾說，「從她還是學生時，我就持續關注她的作品」，也更近一步分析了他眼中的Julie Richoz創作特色「我可以在她身上看到Bouroullec兄弟的DNA，但她對色彩和特殊細節的獨特感受，使她全然地擁有原創性。」

而在產品設計領域，獲獎不是唯一指標，能夠獲得多少大廠或品牌的合作邀約才是另一來自市場與產業的真正肯定，代表著此位設計師的作品足夠成熟能具備市場潛力，同時也能被認可與知名品牌並駕齊驅地出現在挑剔的消費者面前。在這方面來說，Julie Richoz顯然也早已大有斬獲，像是Louis Poulsen、Hay、Tectona、Galerie Kreo和Mattiazzi等品牌都曾與她合作；而她也與巴黎Galerie kreo藝廊和倫敦Libby Sellers藝廊合作為更多知名家具品牌設計作品，像是為Alessi設計的桌面文件收納架Fierzo，以及為Louis Poulsen設計的吊燈Cité。

作品風格簡約俐落且充滿明亮色彩的她，對於與在地文化有著明確連結的工藝充滿興趣，曾經參與法國馬賽藝術和玻璃研究中心（CIRVA）駐地計畫的經驗，讓她對於玻璃材質的透明及光線表現有著獨特的詮釋；而在與丹麥織品工藝品牌Kvadrat合作的計畫中，她針對遊牧民族與織品、建築結構的歷史脈絡進行研究之後，運用品牌Plecto系列織品，設計了微型的織品建築作品，鮮豔的色彩與簡單有力的空間創造，一眼就能看出她的設計風格。而熱愛設計的她，自2017年也受邀回到母校教學，傳授她對產品設計的觀點與經驗，啟發下一世代未來新銳。

Q：請與我們分享你的核心設計理念及創作風格？ 

我的創作理念著重於提升效率。透過我對材質與工藝的掌握，來創作出更貼近動作與功能性的設計。當然，設計師會投射出所處的時代和風格，但對我來說認知到自己的作品能經得起時間考驗是很重要的。而就算我不是以自己的品牌推出，是為客戶的委託而做，我仍會研究造型與材料，然後讓它們在我的設計草圖中對話。這也是能設計出好物件且能持之不倦的原因。

Q：你曾與Nouvel Studio合作創作Isla系列作品，你說過玻璃材質與光線之間的關係，讓你著迷。請與我們分享，當以玻璃為材質時，你如何讓玻璃展現出心目中理想的狀態？

保持彈性且對意料之外的狀況保持開放。我相信在對專案來說有明確方向是重要的，但我也同時歡迎驚喜和冒險，並視它們為將專案更往前推進的契機，或許會到達某個我們起初未曾預期的境界。當談到工藝時更真的是如此，這是和工匠之間的對話，也是和他的know-how和他的個人視野的對話。玻璃是一個很難塑型的材質，需要非常靈巧的操作，但當作品出窯冷卻，顯露出它最終的色澤和透明度時，那真是個神奇的時刻。

Q：2017年你曾受邀來台灣參加國立臺灣工藝研究發展中心的「New Layer」計畫，傳統工藝的哪些特質特別吸引你呢？

首先，我真的超愛探索台灣，而且如此幸運地能夠以工藝的角度探索這片土地。我有機會拜訪了玻璃工坊、竹工坊，以及只用天然素材的染坊等等。而傳統漆藝折射光線的質地，讓我特別有興趣。我為這個計畫所設計的一系列花瓶、箱和碗是由黃金梅工藝師所製作的，我要再次感謝她。我知道漆藝需要層層漆塗，很費工夫、時間和耐心。但成果總是這麼的迷人！

Q：您認為當代設計和傳統工藝之間，有哪些連結的可能性呢？ 

我認為，工藝最寶貴之處在於它的在地性。和很親近你的材質一起工作，加上在地文化傳統，以及與你的顧客近距離對話，都是能創造好作品的契機。而這也是當今這產業在尋找的，因為這能讓你符合生態思維，也是能讓物件加值的方式。就我而言，從這角度來看，當代設計有很多能向工藝學習之處。而設計能為工藝產業帶來的，也就是設計所是的那些價值—回應需求、理性且不只是強調它的技術。

Q：身為獨立設計師，如何在個人風格與合作的品牌風格之間，無論就溝通或設計成果上都能夠取得平衡？

坦白說，這並不難（笑）。我很幸運因為合作的品牌通常是主動接洽我，他們信任我的作品，也認為彼此能密切合作。此外，如果我覺得彼此有歧異、期待不同，我寧願不參與。慎選合作的專案對我來說很重要，因為一旦我開始了，就會100%投入。所以與合作品牌的對話是對我的挑戰，也推進彼此往前邁進。和品牌合作是真正的對話，而且我熱愛的是，在這種合作狀態下，我的作品既與本身創作相關，同時也回應了品牌精神、或品牌的特定know-how。

Q：你本身也在學校教授設計，請與我們分享您給未來也想從事產品設計人的建議？

要非常、非常的有好奇心，並且培育你的獨特性！當然，設計需要下很多工夫，所以你必須非常積極。我覺得當今這世代的設計學生有比較高的生態意識，以及社會參與度。我很期待他們會創造些什麼，我也相信會很讓人驚艷。

Julie Richoz

居住於巴黎的瑞士設計師。畢業於洛桑藝術與設計大學，2015年於巴黎成立同名工作室，作品涵蓋了家具、照明和紡織品。客戶包括Alessi、Louis Poulsen、Tectona、Louis Vuitton等公司，屢獲得國際設計大獎冠軍，自2017年起返回母校教導工業設計。

採訪整理｜方敘潔

攝影｜Gerhardt_Kellerman、 Pim Top、Julie Richoz、COGOLIN

圖片提供｜Julie Richoz

更多不容錯過的新銳設計師訪談，皆在La Vie 2022/6月號《全球設計新銳》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN