奧地利國寶藝術大師「克林姆」首次在台大型主題展「璀璨年代-克林姆藝術沉浸特展」，於6/24-9/11在松山文創園區4號倉庫展出。此展覽集結克林姆上百幅各時期的創作，將平面的圖像結合音樂、動畫注入新的生命力，希望能透過此展覽娛樂、啟發及驚艷大眾，讓所有世代的觀眾透過多媒體藝術的形式探索克林姆，在細節與豐富的作品中更加了解其風格特色。

分離派大師克林姆的創作特色

19世紀的維也納藝術界受到一股新風氣的影響，找到了創作的契機與啟發。當時修建的環城大道（Ringstrasse）帶起了一波都市革新，劇院、公共花園、廣場等公共建築接連完成，現代化後的維也納成為能與巴黎和柏林媲美的城市。在社會與都市的轉變下，藝術形式也因應潮流改變──眾多新興建築的裝飾需求開啟了公共委託專案的廣大市場。克林姆的創作便是在這樣的氛圍中誕生的。

克林姆是維也納分離派（Wiener Secession）的靈魂人物，分離派企圖為當時陳悶呆滯的維也納藝術帶來創新──從保守的學院藝術中解放出來，與其說是反抗，倒不如說是為藝術而創造藝術的動力，並與現代生活結合和應用。在克林姆的畫作中，尤其他富滿人類情感的描繪，完全不受拘束，自由而平和地將人物的表情及情緒流動轉化。他的作品中融合不同的藝術，包括日本浮世繪及拜占庭鑲嵌畫，其中，鑲嵌畫也開啟了他創作中的「黃金時期」，將金箔運用在畫作中。他大量在畫面中使用強烈的色彩、裝飾性的符號及線條，呈現出了特殊而鮮明的藝術效果。他一手創立維也納分離派，為當時維也納的藝文圈拓展出新風格，作品主題常圍繞著「愛」、「慾」、「生」與「死」的輪迴。激盪著生命與活力，在璀璨的世界中游離著，思考著人生的價值與存在。最令人印象深刻的特色為其創作巔峰的「金色時期」，大量使用金箔、銀箔於創作之中，運用鑲嵌風格、符號、豐富的裝飾性展現其獨特的創造力。

不能錯過的重要畫作

〈吻〉在金色迷離的畫面裡，一對男女跪在懸崖邊交纏相擁，女子抬起臉深深陷入男子的吻中──這是19世紀奧地利繪畫大師古斯塔夫・克林姆（Gustav Klimt）最知名，也是最商業化的作品。在繪畫中使用不同筆觸及不同媒材，呈現不同的金色視覺，是這位藝術家最顯著的特色及世人對他的第一印象。

〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉中，阿黛拉的衣裙及坐著的椅子都用鑲嵌裝飾表現，華麗而嫵媚；

〈帕拉斯．雅典娜〉將古希臘女神與當代維也納結合，呈現雅典娜雌雄力量遊走的邊緣。

畫作屢創蘇富比拍賣紀錄

不論於學術與藝術市場中都顯示其深厚的藝術價值。他的畫作〈花草農園〉2017年在蘇富比拍賣上最終以19億台幣售出，創下有史以來風景畫的最高價。最著名的畫作─那幅金色斑斕的〈吻〉在2006年拍出36億的價格，而這個成績卻又再次被克林姆自己打破，〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉以更高的40億台幣售出，這些著名代表作都能在本次的沉浸特展中，用不一樣的視覺及聽覺方式體驗。

「璀璨年代-克林姆藝術沉浸特展」三大展區

第一展區｜生平與重要創作、25座巨幕、360度的沉浸體驗

介紹克林姆的生平與重要創作，讓觀眾能更加瞭解藝術大師克林姆的背景故事。進入主展覽區則是以多媒體打造的60分鐘沉浸體驗，觀眾們可認識克林姆的一生與細細品味其各時期的創作，從他的第一幅創作，接著進入顛峰的「黃金時期」，包含：〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉、〈吻〉等作品，到最後的一幅畫，結合燈光、色彩、音樂及音效，300幅以上克林姆的作品拆解及重組，用25座巨幕投影超過4,000萬畫素的影像呈現，讓觀眾置身於克林姆的精彩創作中，感受藝術家透過作品所傳達的豐沛情感，生死、情慾、悲喜交織的宣洩，及觀察創作中的細膩筆觸與特色手法。

第二展區｜鏡像藝術區

運用鏡面打造了永恆的空間，不只是呈現克林姆的藝術，展區的呈現本身就是一件全新的藝術作品。在無盡交錯的璀璨、迷幻、絢麗的影像中，與這位大師的藝術零距離接觸，融入在線條與符號的裝飾裡，你我都身處於藝術之中，與永恆的藝術同在。

第三展區｜情人艾蜜莉・弗洛格的時尚設計展區

這位讓克林姆情牽一生的情人，不只是出現於克林姆畫作上的謬思女郎，從畫作與兩人的服裝上更可看見兩人藝術靈感的相互交流，也讓大家認識到維也納分離派的思想不僅只表現於繪畫之上。艾蜜莉．弗洛格的服裝設計致力突破傳統，根據藝術潮流而走，克林姆多幅畫作中，也出現過類似艾蜜莉設計的服裝，例如〈吻〉或〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉。不同於當時的流行的緊身造型，艾蜜莉．弗洛格高腰線剪裁、寬袖設計的風格為當時女性打造出嶄新風貌，也帶大家看見藝術的多元風貌。

璀璨年代 克林姆藝術沉浸特展

璀璨年代 克林姆藝術沉浸特展

展覽日期｜6月24日（五）至9月11日（日）每日正常開館

展覽地點｜松山文創園區4號倉庫（台北市信義區光復南路133 號）

展覽時間｜10:00 - 18:00（17:30停止售票及入場）

全票$350

資料提供｜開麗娛樂經紀有限公司

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}