奧地利國寶藝術大師「克林姆」首次在台大型主題展「璀璨年代-克林姆藝術沉浸特展」，於6/24-9/11在松山文創園區4號倉庫展出。此展覽集結克林姆上百幅各時期的創作，將平面的圖像結合音樂、動畫注入新的生命力，希望能透過此展覽娛樂、啟發及驚艷大眾，讓所有世代的觀眾透過多媒體藝術的形式探索克林姆，在細節與豐富的作品中更加了解其風格特色。

分離派大師克林姆的創作特色

19世紀的維也納藝術界受到一股新風氣的影響，找到了創作的契機與啟發。當時修建的環城大道（Ringstrasse）帶起了一波都市革新，劇院、公共花園、廣場等公共建築接連完成，現代化後的維也納成為能與巴黎和柏林媲美的城市。在社會與都市的轉變下，藝術形式也因應潮流改變──眾多新興建築的裝飾需求開啟了公共委託專案的廣大市場。克林姆的創作便是在這樣的氛圍中誕生的。

克林姆是維也納分離派（Wiener Secession）的靈魂人物，分離派企圖為當時陳悶呆滯的維也納藝術帶來創新──從保守的學院藝術中解放出來，與其說是反抗，倒不如說是為藝術而創造藝術的動力，並與現代生活結合和應用。在克林姆的畫作中，尤其他富滿人類情感的描繪，完全不受拘束，自由而平和地將人物的表情及情緒流動轉化。他的作品中融合不同的藝術，包括日本浮世繪及拜占庭鑲嵌畫，其中，鑲嵌畫也開啟了他創作中的「黃金時期」，將金箔運用在畫作中。他大量在畫面中使用強烈的色彩、裝飾性的符號及線條，呈現出了特殊而鮮明的藝術效果。他一手創立維也納分離派，為當時維也納的藝文圈拓展出新風格，作品主題常圍繞著「愛」、「慾」、「生」與「死」的輪迴。激盪著生命與活力，在璀璨的世界中游離著，思考著人生的價值與存在。最令人印象深刻的特色為其創作巔峰的「金色時期」，大量使用金箔、銀箔於創作之中，運用鑲嵌風格、符號、豐富的裝飾性展現其獨特的創造力。

不能錯過的重要畫作

〈吻〉在金色迷離的畫面裡，一對男女跪在懸崖邊交纏相擁，女子抬起臉深深陷入男子的吻中──這是19世紀奧地利繪畫大師古斯塔夫・克林姆（Gustav Klimt）最知名，也是最商業化的作品。在繪畫中使用不同筆觸及不同媒材，呈現不同的金色視覺，是這位藝術家最顯著的特色及世人對他的第一印象。

〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉中，阿黛拉的衣裙及坐著的椅子都用鑲嵌裝飾表現，華麗而嫵媚；

〈帕拉斯．雅典娜〉將古希臘女神與當代維也納結合，呈現雅典娜雌雄力量遊走的邊緣。

畫作屢創蘇富比拍賣紀錄

不論於學術與藝術市場中都顯示其深厚的藝術價值。他的畫作〈花草農園〉2017年在蘇富比拍賣上最終以19億台幣售出，創下有史以來風景畫的最高價。最著名的畫作─那幅金色斑斕的〈吻〉在2006年拍出36億的價格，而這個成績卻又再次被克林姆自己打破，〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉以更高的40億台幣售出，這些著名代表作都能在本次的沉浸特展中，用不一樣的視覺及聽覺方式體驗。

「璀璨年代-克林姆藝術沉浸特展」三大展區

第一展區｜生平與重要創作、25座巨幕、360度的沉浸體驗

介紹克林姆的生平與重要創作，讓觀眾能更加瞭解藝術大師克林姆的背景故事。進入主展覽區則是以多媒體打造的60分鐘沉浸體驗，觀眾們可認識克林姆的一生與細細品味其各時期的創作，從他的第一幅創作，接著進入顛峰的「黃金時期」，包含：〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉、〈吻〉等作品，到最後的一幅畫，結合燈光、色彩、音樂及音效，300幅以上克林姆的作品拆解及重組，用25座巨幕投影超過4,000萬畫素的影像呈現，讓觀眾置身於克林姆的精彩創作中，感受藝術家透過作品所傳達的豐沛情感，生死、情慾、悲喜交織的宣洩，及觀察創作中的細膩筆觸與特色手法。

第二展區｜鏡像藝術區

運用鏡面打造了永恆的空間，不只是呈現克林姆的藝術，展區的呈現本身就是一件全新的藝術作品。在無盡交錯的璀璨、迷幻、絢麗的影像中，與這位大師的藝術零距離接觸，融入在線條與符號的裝飾裡，你我都身處於藝術之中，與永恆的藝術同在。

第三展區｜情人艾蜜莉・弗洛格的時尚設計展區

這位讓克林姆情牽一生的情人，不只是出現於克林姆畫作上的謬思女郎，從畫作與兩人的服裝上更可看見兩人藝術靈感的相互交流，也讓大家認識到維也納分離派的思想不僅只表現於繪畫之上。艾蜜莉．弗洛格的服裝設計致力突破傳統，根據藝術潮流而走，克林姆多幅畫作中，也出現過類似艾蜜莉設計的服裝，例如〈吻〉或〈阿黛拉．布洛赫-鮑爾畫像〉。不同於當時的流行的緊身造型，艾蜜莉．弗洛格高腰線剪裁、寬袖設計的風格為當時女性打造出嶄新風貌，也帶大家看見藝術的多元風貌。

璀璨年代 克林姆藝術沉浸特展

璀璨年代 克林姆藝術沉浸特展

展覽日期｜6月24日（五）至9月11日（日）每日正常開館

展覽地點｜松山文創園區4號倉庫（台北市信義區光復南路133 號）

展覽時間｜10:00 - 18:00（17:30停止售票及入場）

全票$350

資料提供｜開麗娛樂經紀有限公司

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢