離鄉求學、追尋理想，似乎是成長的必經歷程，而伴隨成長而來的陣痛，不只有對未來的不確定，還有看過往熟悉事物流逝的失落，每每返鄉，是不是總覺得有什麼正逐漸流逝，而那份失去卻無以名狀？2015年，設計師方序中啟動《小花計畫》，記錄伴他成長的屏東共和新村，回望與外公生活的回憶，也爬梳眷村存在的意義；經過七年積累、2019年首檔展覽《查無此人》的淬煉，第二屆展覽以《小花計畫 2022 - Re：小花盛開的回音》為名於高雄金馬賓館舉辦，集結9組音樂人與11組藝術家，結合音樂、設計與藝術三重表現形式，溫柔喚醒觀者對「家與情感」的感知。

2019與2022年，小花計畫展覽的3個不同之處

《小花計畫 2022 - Re：小花盛開的回音》與2019年《查無此人》同樣由方序中擔綱總策展人、五月天瑪莎任音樂總監，展出作品都以音樂人、藝術家共創形式呈現，上屆7組經典作品這次也在金馬賓館展出，那不一樣的地方又有哪些？

01. 金馬賓館建築、周圍環境與展品互動性

金馬賓館當代美術館執行長邵雅曼為本展策展人之一，負責現地藝術概念，「從一樓到三樓，就像在看小花從土裡面冒出、生長再到綻放的過程。」策展團隊善用金馬賓館具開放性、玻璃窗散佈的建築特色，讓港都微風、陽光與作品產生互動，無論是7件經典作品、4件全新創作都與展場環境緊密貼合，也就是說，觀者可試著感受「藝術作品本身是作品，它和金馬賓館的互動關係又是另一件作品」的雙重體驗，而若過去在台北當代看過7件舊作，這次到金馬賓館欣賞會有不同層次的體驗。

02. 全新作品！藏在展場各處的AR小花

觀展之餘，別忘了在金馬賓館找找藝術家李宸安埋藏的《音花》，這件作品以AR互動式影像呈現，李宸安自展覽中10首歌曲中各擷取一段音頻，透過電腦程式分析資訊，並以聲音頻率衍生出花朵，這些帶有水泥質感的花朵不存在於現實，觀者必須用自己的行動裝置、下載「Lighten AR」APP後，在天花、牆面各處找尋。

03. 購票就有獨家EP，小花錄音帶同步販售

瑪莎特別提到，這次只要購買門票就可獲得「Re：小花盛開的回音」獨家EP，現場亦販售與「感傷唱片行」合作推出的錄音帶，全透明的錄音帶磁帶藏有音花意象、外部呈現水泥牆面般的粗獷質感，其表面可以撕開，讓每個購買錄音帶的人，都能擁有一件獨一無二的藝術品，「小花是關於記憶、展望的展覽，所以特別用『過去』的載體，裝載象徵『未來』的音樂。」不妨把現場感受匯聚於心，回到家再襯著音樂細品一回。

10件展品創作概念一覽！

（NEW）01. 宇宙人Ｘ大聲光電《無所事事》《光電獸#34－無所事事》

本作位於兩個展區間的小長廊，一不小心就會錯過，但宇宙人與大聲光電卻認為「不小心錯過」這個可能發生的意外，與作品所要傳達的意境相符。《無所事事》寫在疫情期間無所事事的時刻，而這份「被迫享有的悠閒」反倒是宇宙人如今所想念的、已然失去的時刻。大聲光電在《無所事事》輕快旋律中加入流水聲，並透過光影配合旋律、節奏，創造出飄飄然、懶洋洋的氛圍，無論你注意到或不小心忽略這件作品，經過這條廊道都會被撫慰。有趣的是，大聲光電在裝置中埋入2個小巧思，分別是全作用了44個燈、燈與燈之間都隔了44.5公分，這些不說沒人注意到、說了讓人會心一笑的小細節，讓這件作品更有意思。

（NEW）02. 劉若英 + 陳建騏 X 邵雅曼 《夜晚的光明》《有光的地方 II》

走入展間，就像走入一場夢境，當中不僅有邵雅曼一系列繪畫創作，還有透過投影、裝置材質折射出的光芒在畫作上、環境中創造視覺層次的巧思，究竟地面絢爛色彩是投影效果，或是從窗外光線流入後形成的光影？如夢似幻的視覺性引人探尋。

音樂上，陳建騏在欣賞邵雅曼畫作後，以畫中具空氣感、流動性的夢幻氛圍做發想，透過音樂呼應「生命猶如夢境」的作畫理念，製作由劉若音演唱的《夜晚的光明》。特別的是，陳建騏讓歌曲中的「不同聲部」成為場域裡各自獨立的聲響，也就是說，各音響分別播放劉若英的歌聲、吉他聲、琴聲⋯⋯等，聽者可隨心改變站位、自己「微調」音樂，而在移動的過程中，亦能感受到展場內各處光影的變化。除此之外，邵雅曼特別提到畫中藏有聲音小彩蛋，別忘了靠近細細聆聽。

（NEW）03. 林以樂 + 瑪莎 X 羅智信《地板內早餐》

藝術常讓人覺得遙遠、難以親近，但林以樂卻在藝術中找到許多創作者的共通語言——「幽默感」，剛好的是，藝術家羅智信認為「黑色幽默」就是自身作品的特質之一，因此幽默便成為貫穿《地板內早餐》的核心元素。這件作品集合了各種碰撞後令人難以預測化學效應的元素，比方說林以樂演唱帶派對感的改編版《藍色多瑙河》，還有羅智信創作似座椅、如走道又像階梯的大型裝置，兩人鼓勵觀眾重看生活中熟悉的事物、感受與建築空間中的關係，一扇被裝置擋住的門該如何進入？一首被改編的經典圓舞曲要怎麼感受？不妨踏上「假樓梯」、彎著腰走進門，在展間內慢慢品味。

04. 茄子蛋 X 王宗欣《我夢見了小叮噹》

小時候的美好，總要長大後才知道，而茄子蛋與王宗欣在創作對談間，想起了那些年一起追過的動畫。茄子蛋提取記憶裡童年的想像力創作《我夢見了小叮噹》，希望一直保有「好玩」心態去想像世界；王宗欣則用「門」裝置呼應歌曲，「小叮噹的任意門是很自由的，想去哪就去哪，但我特意將這扇門倒著放，上面放了很多鎖，還有我在家翻出來20幾年前的貼紙，提醒大家『很多事情過去了，就是沒有了。』」展場中亦可見王宗欣將空間化作巨大掃描器，他在門的貓眼上架設錄像攝影機，其記錄下的定格畫面自左右不停輸出，顯化了空間、時間交錯堆疊出的記憶模樣。

05. 魏如萱 + 鳳小岳 + 陳建騏 X 豪華朗機工 《很難很難》

「消失的靈光，不會再回來了。」創作對談間魏如萱的這句話，讓「光」成為作品焦點。極暗的展間中央有座眷村小雕塑，微小但亮度極高的光球將帶著觀者循著樂音、光線，在20分鐘的展演間感受生命流動，並逐漸窺見雕塑全貌。

從樂曲到藝術裝置，交融了創作者對於生命消逝與新生的情感投射，魏如萱以迎接新生命的喜悅，同時遭逢家人、摯友和寵物殞落的劇變，藉以詞的譜寫，敘事生命一生一滅的往復循環；藝術家團體豪華朗機工以「光」營造氛圍，亦是追憶離世的團員以及感懷城市變奏中消逝的人、事、物。

06. 阿信 X 明和電機《隱形的紀念》《文庫楽器》

這件雙頻道錄像裝置作品，一側為阿信演唱歌曲的動態記錄，《隱形的紀念》一曲由阿信重新轉譯，講述愛與守護是有幸福期限的，提醒觀者莫忘旅途的風景與足跡；另一側為日本明和電機演奏木製樂器書《文庫楽器》的畫面，中央展檯上則展示了7本「可演奏的書籍」，明和電機以書為擬向，開發設計出木魚、陶笛、拇指琴、玩具鋼琴、烏克麗麗等書本樂器，讓體驗不僅止於聽覺，也是有關視覺關聯的探索。

07. 方序中 X 蘇益良《親愛的____》

本作以方序中的外公為拍攝主角，藉此詮釋時間的變化，他是「小花計畫」的核心人物，指涉了每個人皆有長輩或思念的人。創作團隊特地回到方序中屏東老家進行拍攝，並以多媒體裝置呈現作品，投影於紗幕上的慢速影片，展露外公臉部所有細微的情感變化。

08. 告五人 X 吳仲倫《鹿》

告五人這首寫於出道前的歌曲，記述一路以來成長的足跡，而在經歷累積後重新詮釋這首歌，是一種對家鄉宜蘭潮濕黏膩的回望，也是探問在走向成熟的路上依舊珍視如昔的是什麼？而藝術家吳仲倫以「壁癌」為靈感，將小時候對於潮濕的切身記憶，轉化為一組機械結構的裝置作品，連結了彼此離家出外打拼的共鳴。遠遠看著作品，它是靜止不動的，唯美卻疏離，但若走近，白沙便會緩緩流下。吳仲倫藉此暗喻，很多事情必須「靠近」才會發現，否則只會觀察到結果，而不知是什麼樣的過程導致了這樣的結局，如同人們總想著「家總是會一直在那」而將其置放一旁的心境，老是忘記唯有願意走近、才能看得清晰。

09. 家家 X 曲淵澈《回家》

家家在2019年翻唱由瑪莎重新編曲的順子名曲《回家》，渾厚聲線與香港藝術家曲淵澈具流動、包覆性的影像創作貼合。對年少即離開家鄉台東、北上打拼的家家來說，火車站的種種聲響就是回家、離家的回憶集合，作曲團隊為此搭上台北前往台東的火車，沿線採集聲音樣本融入作品中；錄像方面，曲淵澈以科技的創作手法復刻香港九龍寨城、溫哥華移民，以及曲爺爺的兄長歷經韓戰輾轉來臺的故事，多線的視角彼此穿插，映射了遷徙、移民與離散的跨域想像，引申了「回家」與「不能回家」的兩面探觸。

10. HUSH X 李霽《大樹小花》

收到小花計畫邀約時，HUSH直覺地想起家庭，進而回憶起老家門口曾有棵芒果樹，雖然老樹因產業道路拓寬而被拔除，但早已是他成長過程中難以忘懷的印記，更是家園的象徵。因此，HUSH巧妙透過大樹、小花的鮮明對比，並汲取「樹欲靜而風不止」的寓意，譜寫出這首關於「失去」的輕柔樂曲。與樂曲相映的藝術裝置由李霽創作，以植物為媒材重現芒果樹的輪廓，不過這棵大樹不如HUSH印象中繁茂，而是乾枯的、沒有枝葉的形象，藉此象徵「消失」，人們只能透過輪廓去臆測它原本的形體與樣貌；裝載大樹的冰箱，則是一種「附加的保存機制」，冰箱是人們日常生活中用來保存食物的好夥伴，李霽用隱晦又詩意的表現手法，悄悄探問著，有沒有可能它也能用來保存記憶？

小花計畫 2022 - Re：小花盛開的回音

展覽日期｜2022年6月25日～10月30日

展覽地點｜永添藝術 ‧ 金馬賓館當代美術館（高雄市鼓山區鼓山一路111號）

門票資訊｜全家FamiPort、金馬賓館當代美術館販售，門票皆含1張獨家EP

圖片提供｜相信音樂、ALIEN Art 永添藝術

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}