對時尚攝影師陳詠華來說，攝影是一種雕刻，也是對時間、對記憶的探尋。從藝人到新銳演員，無論桂綸鎂、許瑋甯、張震、李沐等等，在她的鏡頭下，總能自然展現最柔韌、飽滿的生命姿態。讓我們一同探索潛藏於陳詠華攝影作品中的內在時間。

今年第二次拍攝桂綸鎂，陳詠華用Polaroid底片，將她浸潤在一片深邃藍色調，對比於《藍色大門》時期剛出道的青澀，陳詠華將自己所欽羨、屬於現在的小鎂的飽滿、成熟姿態凍凝在影像中。這也是她今年的新挑戰，在《ELLE Taiwan》開啟專欄「自．畫像」，每個月為一名女星紀錄肖像，讓她們與時間、與自身展開一場場對話。

談起陳詠華的風格，許多人會用她喜歡的電影《花樣年華》來形容：復古。但她不認為自己有將特定風格加諸在作品上：「風格是由別人去定義的，我只是專注在自己所喜歡的事物上。」儘管如此，她仍自剖是個古典的人，涵養她的靈感是《愛神：手》、《末代皇帝》、《霸王別姬》、《美麗佳人歐蘭朵》等等電影與石岡瑛子在《入侵腦細胞》中的美術設計，「我一直都很喜歡典雅的事物，東西方元素相互襯托的狀態。」擅於內觀的她也提取自己夢境與想像，「如果將夢境具體實現於影像中，是否就會真的成為現實可見的一部分？」

將感受濃縮在瞬間

既為詩人也是藝術家的父親對陳詠華影響深遠，她猶記小時候，父親騎摩托車載著手拿小小相機的自己，看眼前台北城市流光閃耀的光景。進入實踐大學服裝設計學系後，相對於縫紉機，她更鍾情影像。

在攝影工作室短暫的實習中她始終沒能捉住機會操作器材，於是她另闢途徑自學攝影，在系館樓頂、樓梯間為同學拍攝服裝作品集，也藉由朋友介紹為服飾品牌工作累積經驗。早期陳詠華深受時下雜誌流行的如Tim Walker等歐美時尚攝影大師的風格吸引，曾嘗試低彩度、高對比張力的華麗風格，經歷三年對生活與影像的探尋，才逐漸摸索出適合自己的拍攝模式。

「那段過程我回到自己內心，很安靜地整理思緒，思考我真正想要的是什麼。」生活的酸甜苦澀成為養分，她自承是個仰賴感受力的人，必須實際經驗、與人相處，放開直覺去感知如何創作。

2017年起，她開始嘗試以底片拍攝，倒也不是抗拒數位，就像她也正著迷於Gucci最新短片《Kaguya by Gucci》的CG風格，「數位固然有豐富的可能性，但使用底片時有張數、耗材預算等條件限制，讓感受濃縮到記憶最深刻的一個時間點，拍攝雙方也給出自己最好的那部分，我覺得很迷人。」

這令人更珍惜拍攝當下的瞬間，與數位連拍千張、萬張再事後挑選影像大大不同，「一些演員跟我說起底片時代的拍攝經歷，在攝影師喊出『rolling』（意指正式開始錄影）的當下，她們就必須緊緊把握住機會，展現最精緻、最美好的狀態。」從數位攝影開始的她，反而由底片找到適合自己的節奏。

陳詠華也坦言自己個性內斂怕生，底片拍完後不用立即繳交成果，為現場高張力的互動關係留下一分延緩。「我是一個很敏感、很容易感受情緒的人，所以在拍攝當下希望專注在觀景窗裡面，不用接收到過多干擾。」

底片的顆粒讓影像不似數位那麼銳利清晰，有時她的作品也隨身體動作的模糊、晃動甚至失焦。她深信人的相處「近則狎」，於是在自己與他人之間留下距離，「觀看影像也好、實際交流也好，保持一個距離是美的創造、神秘感之所在。」這是她為影像蒙上的一層婉曲幽轉的紗。

後青春的飽滿成熟之美

青春年華曾是貫穿陳詠華作品的主題，她說青春的狀態是好看的、美麗的、善良的，被記錄下來是寶貴的，「但後來我慢慢發覺成熟的迷人：成長所積累的東西，如何成為現在的你。」

她提到日本攝影藝術家石內都的黑白創作《1.9.4.7》，當時邁入40歲之際的石內都關注起自身身體的變化，便邀請年齡相仿的女性友人拍下身體局部，「我很喜歡這系列拍攝女性手與腳的特寫，大家覺得自己最不好看，或是最多因時間積累留下痕跡的地方，這其中蘊含了時間性。」

她開始迷戀歲月為成熟軀體留下的細節，比如說脖子的細紋、手的青筋等等。她認為成熟能包容各種情緒，成熟是尖角磨平後的圓潤，「事物無法恆久駐足美好，接納傷害反而能讓人有所蛻變，成為養分。」成熟也是不讓情感如洪流恣肆漫溢，「成熟這件事情包含人的情緒，但以理性去克制，因而成為圓融的狀態。」她愈加能將自身的感性適度收斂在影像中，若隱若現。

陳詠華始終受到人的陰柔、脆弱氣質所吸引，近年作品的色調愈趨陰翳而濃郁，「成熟讓生命的內在可以包容更多不同色彩，我影像中的飽滿色調就是想展現人在成熟狀態的圓融。」她說這是一些來自「彼岸」的色彩，「一方面經歷親人離世與身邊事物的逝去，一方面我自己也很怪，喜歡東西曾經風華過、熱鬧過，而後留下廢墟的概念。」

她的鏡頭直視生命的無常與易逝，甚至死亡。死亡是時間對生命施予的暴戾，她則以最柔軟的影像承接起生命的脆弱，其中幽射出一絲柔韌的生命光輝，如同她近年影中的花卉與人體，成熟燦放終將萎落，其後化作春泥，彷若生命的寂滅與新生。

2019年，疫情的封阻讓陳詠華放緩腳步，再度回觀自身與日常，她開始拍攝「Ikebana」（花藝）系列。對靜物與人的肢體的嘗試緣於有一年她為《美麗佳人》的配飾單元攝影，「我不想制式化地單純將包包揹在肩上拍攝，就在思考要如何讓模特兒用肢體去呈現靜物。」擺置花卉的過程讓她梳理了內在情緒，她同時將花綻放的姿態對應人的肢體雕塑，展現成熟飽滿的生命狀態，互為象徵。「花」在《詩經》中也作「華」字，正巧是她名字中的一個字，花卉與她的連結彷彿宿命。

活出典雅舒適自成時髦

相對於潮流更迭，陳詠華始終更關注如何走出自己的步調。「以前的時尚攝影前輩們底蘊、實力真的很強，一人要能駕馭無數風格，客戶要什麼就必須給出來，我自己沒辦法做到，所以選擇精專自己的風格。」

社群時代的到來，各色創作者眾聲喧嘩，時尚風格變幻更頻繁，她也觀察到近年風氣的轉變，整體環境相對尊重創作者，以攝影師任航之前為雜誌拍封面為例，客戶找他合作就是鎖定他的創作態度與風格。

陳詠華自然也受惠於時代，在社群上找到了發表的舞台，但也疑慮一些創作者恐怕迷失於追蹤數據與海量影像。例如近年流行的一種「怪美」（ugly beauty）風格，以表現性的美術設計與動作展現影像情緒，她儘管欣賞，卻也深知這種創作不屬於她，認為不要流於模仿，要儲存屬於自己的東西，「每個階段的狀態不同，我一直都在學習如何忠於自我，不受外界干擾，學習慢下來，跟著自己的步調節奏。」

陳詠華提起安迪．沃荷的一句話：「在你的風格不受歡迎的時代，你必須堅守到底。」不要如同《安迪如何穿上他的沃荷》書中老牌的施密特餐廳，為趕潮流不停換裝，而失去它原先迷人的光彩。

「我常常在思考要如何在優雅中找尋時髦感。在我照片裡的人物多是在一種肢體緊繃的狀態下，展現某種張力平衡上的自信。」這也是陳詠華逐漸成熟的生命樣貌，人在當下那瞬間活出最舒徐、自適的姿態，就自成一種時尚的美。

陳詠華

台北人，目前專職攝影，為多家服裝品牌拍攝形象，並拍攝多本時尚雜誌及攝影雜誌，同時撰寫攝影專欄。

文｜吳哲夫 

圖片提供｜陳詠華

▸ 探索更多時尚精彩專題，請見La Vie 2022/9月號《跨時代的靈感之光》

也趣藝廊推出《漂流（序曲）－沈昭良攝影展》，本次個展為藝術家自榮獲2024日本寫真協會國際獎，並於日本東川町文化藝廊舉辦大型回顧展後，首次於台灣完整展出「漂流」（Drifting）系列。

沈昭良於2015年啟動「漂流」系列，開啟地景攝影之路，展開對台灣近代歷史的敘情式書寫。此系列梳理過去十年來台灣內部包含殖民主義、國家認同、族群、冷戰、人權、原住民、生態、環境、能源等潛在課題，這些複雜且龐大的議題，都在沈昭良兼具寫實與敘情的拍攝視野中，轉為深邃的情感訴諸。本展邀請觀眾參與這場「漂流」，共同思索在歷史、政治與文化的漩渦中，台灣應如何尋找並確立自我認同與未來走向。

地景，是歷史記憶的載體

「對台灣人來說，特別是在解嚴之後，國家認同與疆界一直是內部分歧和爭執的根源。包括過往的歷史和印記，這些看似不見卻又潛藏的真實，正在形塑我們的命運發展和可能願景。」 —— 沈昭良

在「漂流」系列中，沈昭良將台灣的地理景觀和文化符號，視為國家認同與歷史記憶的載體，跨越時空與歷史縱深，表達了不同族群在變遷中的情感波動與生活面貌，並折射出台灣在多重歷史脈絡中的複雜命運。

「漂流」系列作品在歷史發展的脈絡下，援引直接或間接與具體歷史事件相關，或象徵、意喻和指涉的景觀，在視覺的編串中進行意義的置放，探討議題從殖民歷史到現代化的衝突、從族群關係到生態環境的變遷，所有這些台灣內部錯綜複雜的社會、文化與歷史面貌，皆在作品中得以交織，引領觀者進入一場具有強烈時代感的視覺旅程。

熟悉地景中藏有鄉土情愁、文化痕跡

「漂流」第一眼抓住你的或許是熟悉的天空、台灣特有的體感濕度、路燈；而後還看進了鄉土情愁與文化的斑斑痕跡，盡在細節裡隱隱發酵。每一處地景既是對台灣土地的真實呈現，更是對歷史記憶如何影響台灣人民的身份認同與文化傳承的細膩描繪。

透過沈昭良的影像語言，《漂流》將台灣的地理與文化景觀帶入全球視野，並在全球化與當代政治歷史爭議的背景下，梳理出台灣在當代藝術語境中的獨特地位與深遠意涵。

《漂流 (序曲) - 沈昭良攝影展》

展期｜2025.02.13－03.22

地點｜也趣藝廊（臺北市大同區民族西路141號）

La Vie雜誌2月號以「跟著光，尋找創作靈感」為題，封面照片選自日本攝影家水谷吉法的《Voices of flowers》系列作品，看似太陽的柔和光暈，其實是一朵刻意失焦的鬱金香。他因《Tokyo Parrots》裡怪誕的東京鸚鵡廣受國際矚目，並持續以快門記錄下都市裡微不足道卻充滿張力的瞬間。談起攝影不可或缺的「光」，他說：「我選擇不以言語去定義光為何物，希望透過攝影來表現並呈現某種形式的光。」

來自日本福井縣的水谷吉法，18歲時離開家鄉赴日本大學經濟學系就讀，在此之前，他不曾接觸過攝影或藝術。直到畢業前夕求職不甚順利的過程中，偶然接觸到攝影師羅伯．法蘭克（Robert Frank）的攝影集《The Americans》後深受吸引，自此開啟了對攝影的興趣。於是在大學畢業後，他進入東京綜合寫真專門學校，就學期間持續將作品上傳Tumblr和Flickr等社群媒體。儘管並無師事任何知名攝影師，但靠著網路世界的傳播，他漸漸在海外展露頭角。

2012年從專門學校畢業，短短兩年後，水谷吉法獲得荷蘭《Foam》雜誌「Talent Call」、LensCulture年度50大新銳攝影師等殊榮，2015～2017年間更陸續在東京、比利時、北京、瑞士、倫敦及巴黎等全球各地舉辦個人攝影展。首部攝影集《TAXI DIRTY BOOK》，也是他向瑞士的出版社自我推銷，最終在海外成功發行。這也是為什麼水谷吉法的日文訪談中，常常可以在標題看見「逆輸入」一詞，意指其揚名海外後，才在日本國內受到矚目的「反向輸入」特殊經歷。

在不起眼的都市角落打上一道道聚光燈

廣受海外矚目的《Tokyo Parrots》系列作品，毫無疑問也是水谷吉法的生涯代表作。從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡？」此一疑問出發，他花了一年時間追蹤群聚於東京住家附近的野生鸚鵡。他在傍晚至夜間時分朝著樹枝、電線桿打上閃光燈，捕捉了羽毛顏色鮮豔的鸚鵡們，在振翅時帶有些許神祕、怪誕的氛圍。

水谷吉法提到，每一張照片都是即興拍攝，「拍了整整一年，大概可以掌握到鸚鵡會在什麼時候、從什麼方位回到鳥巢，也曾嘗試過定點拍攝，但永遠沒辦法完全掌握鸚鵡的習性。」他也說明，最一開始其實並沒有加入人造光源，但發現打光才能呈現出夕陽西下時鸚鵡的鮮亮螢光色，便決定在拍攝中採用閃光燈，加強作品炫目、迷幻的要素。

正如《Tokyo Parrots》所示，水谷吉法十分擅長從都市中發掘題材。除鸚鵡之外，他也曾拍攝過計程車司機的執業登記證、罩上防塵罩的汽車及爬滿常春藤的建築。他說：「踏上攝影之路後，我開始仔細地『觀看』周遭，對映入眼簾的所有人事物都充滿好奇。」他一一捕捉這些散落於都市角落、易於被眾人忽視的光景，再帶來令人眼睛一亮的呈現。

2014年《YUSURIKA》及2016年《Voices of flowers》系列作品，也是水谷吉法在擷取都市風景時所誕生的。「YUSURIKA」意指常棲息於水邊的搖蚊，某一天，他在白天以閃光燈拍攝自然景致時，突然發現了映照在成像中如雪花般的白色光點，才發現是相機捕捉到了搖蚊的身影。「雖然攝影常是為了忠實地記錄下映入眼簾的景象，但這系列作品透過捕捉自然中的光點，更有巧思地重新詮釋了自然神祕之美。」

《Voices of flowers》系列則擷取了在東京、倫敦等公園拍攝的花草景緻，以色彩豐富的自然風景，重現水谷吉法心中春天的柔和景象。本期雜誌的封面正是收錄於此攝影集中的亮點之一，他在東京某處以長焦距鏡頭取景，讓畫面中央的鬱金香刻意失焦，藉此呈現出獨特的光暈美感。

探索數位相機獨一無二的表現方式

水谷吉法從20歲開始接觸攝影，除了初期曾短暫嘗試過底片相機外，近乎所有的作品都是以數位相機拍攝。他說明，這或許和他從15歲就開始用手機拍照有關，自然地更習慣操作數位相機。此外，他也積極活用數位相機獨有的功能，如2018年的《HDR_nature》正是使用HDR（High Dynamic Range Imaging，高動態範圍成像）技術之下誕生的作品集。

HDR指的是透過組合不同曝光程度的照片，用以保留照片明亮和陰影部分的細節，生成出最接近肉眼所見畫面的功能。水谷吉法在HDR拍攝的曝光過程中刻意地移動相機，任由相機從數個不同焦距、曝光的瞬間，拼湊出肉眼不可見的流動構圖和魔幻氛圍。「和相機忠實紀錄影像的特質正好相反，HDR功能可以創造出新的色彩、光線與世界觀，是數位相機獨有的創作方式。」

在2021年的《Higashikawa》系列作品中，水谷吉法更嘗試了在鏡頭前加入彩色膠片。此系列作品是參加北海道東川町駐村計畫時的紀錄，他提到，駐村期間曾有藝術家說：「看著彷彿畫布的雪白大地，就很想在上頭揮灑色彩。」對這句話深有同感，水谷吉法最終摸索出的解答正是使用彩色膠片，替東川町的冬日景緻染上一道道光彩。

持續捕捉自然的罕見現象

比起攝影師的頭銜，水谷吉法或許更適合被稱為都市裡的觀察者、記錄者，所有映入眼簾的人事物，都有可能成為他快門捕捉的對象。他對於童年時期穿透樹葉間隙灑下的陽光、反射在水田上的粼粼波光都記憶猶新，也熱衷於從建築中找出攝影題材。他特別鍾愛墨西哥建築師路易斯．巴拉（Luis Barragán）的作品，時常觀察其在空間中如何分配、調和色彩以及計算光線。

問及未來是否有任何想拍攝的題材，水谷吉法的回答依舊富有其個人風格—想拍攝「鐵氧化細菌」。這種微生物會在河川表面形成看似油脂的薄膜現象，在自然光的折射下，於水面映照出彷彿彩虹的光圈。他說：「這種自然的神祕現象非常有趣，但因為罕見，也很難發現。」儘管至今並沒有直接以「光」為主題的創作系列，但透過每一幀照片，他已為許多習以為常或難以察覺的生活一角，映照出炫目光景。

水谷吉法

1987年出生於日本福井縣。以都市裡各式自然為題進行創作。2013年獲頒JAPAN PHOTO AWARD，2014年入選Foam magazine Talent Call。在日本國內、英國、法國等世界各地舉辦個人攝影展。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜Yoshinori Mizutani}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》