北美館「在夾縫中行走」開展！當代生存境況的隱喻，線性的多重漫遊

by La Vie 2022-09-12

臺北市立美術館北美館 2022展覽

「在夾縫中行走」自2022年09月08日至2023年01月08日於臺北市立美術館二樓展出

「在夾縫中行走」展覽自2022年9月8日至2023年1月8日於臺北市立美術館（北美館）2樓展出，由館內資深策展人張芳薇策劃，邀集1960年代以降，28組橫跨數個世代的臺灣與國際藝術家，也與國立臺灣美術館、國立歷史博物館、奇美博物館、韓國國立現代美術館、私人機構與藏家合作借件，展出媒材形式多元，包含平面繪畫、實驗水墨、動力裝置、行為表演、雕塑、錄像及相關文物等作品，打開與觀眾多重層次的對話，同時邀請文化研究學者李立鈞以圖像理論、文化史與哲學視角，發展一系列圖文來回應展題，繼而延展研究思路與作品之間對話，本展更試圖將觀看與閱讀的路徑融合成「行走中的展覽」體驗。

北美館「在夾縫中行走」展覽自2022年9月8日至2023年1月8日展出。

展覽以「行走」作為起式，以「夾縫」隱喻當代舉步維艱的生存狀態，並希冀以「在夾縫中行走」探索可能的解決之道。「行」除了步行，更有行事、行動的意義，人們藉此交織出城市與歷史文化的複雜紋理。我們常說「走入／走出歷史」、「走入／走出夢中」，行走涉及真實、虛幻與夢境；我們也常說「找路」或「尋道」，將日常的行走比喻為生活或人生目標的追尋。萬物的縫隙裡，存在著許多可能性，展題中「夾縫」具有雙重意涵，指涉的不只是步行的空間經驗，亦具有壓迫性、難以前行卻不得不行之意，同時也提示人們總是行走於事物「之間」，在此所產生的隱形「距離」，能使人前行或溝通、連結或互動，繼而暗示面對困境創新突破的思維與可能性。

珍妮．安東尼，《Touch》（影像截圖），2002，錄像裝置，9分37秒循環播放，投影尺寸：447.04×401.32公分。影中人：珍妮．安東尼

小檔北美館在夾縫中行走9倪灝，《結構研究 I》，2012，瓷漆於PVC水管、ABS塑料漆於現成椅子、穿著制服的表演者轉譯並演奏，由圖像、折線圖、圓餅圖所構成且與當下事件有關聯的樂譜。現場表演者：林子寧、游育歆，雕塑：183×137×167.5 公分，現場表演：1小時，韓國國立現代美術館典藏。

倪灝，《結構研究 I》，2012，瓷漆於PVC水管、ABS塑料漆於現成椅子、穿著制服的表演者轉譯並演奏，由圖像、折線圖、圓餅圖所構成且與當下事件有關聯的樂譜。現場表演者：林子寧、游育歆，雕塑：183×137×167.5 公分，現場表演：1小時，韓國國立現代美術館典藏。

人類的生活起於行走，並發展語言溝通彼此，經由語言文字的演變，城市與文化的發展因而擁有了豐富的意象。法國文化學者德．塞杜（Michel de Certeau）於探討城市步行時曾提到：「步行行為之於城市系統就像言語行為之於語言或說出的陳述。」步行之於城市紋理的編造，就如言說行為之於所言。行走（的行為與意象）產生了路徑，或是「捷徑」、或是「繞道」。各式各樣行走的路徑所形成的「線」，彼此平行、交集，或是編織成面，進而形成「網絡」，這些「線」條概念以對話與連結的方式於各個展間召喚觀者想像與辯證。

陳昭宏，《人行道-4》，1973，油彩、畫布， 91.5×91.5公分，劉太乃收藏。

本展精選北美館重要館藏品展出，以盧奇歐．封塔納（Lucio Fontana）60年代的作品《空間概念》來破題，劃開畫布的兩道線將二度空間的平面繪畫具體化為三度空間，開啟觀者對於「之間」的想像；石晉華超過20年的生命歷程所完成鉛筆畫線的行為表演紀錄館藏品《走鉛筆的人》(1996-2015)，經過無數次重疊的時間與線條所組成的畫面，成為生命與藝術之間雙重的「疊影」。白雙全《台北手記：2011.11.19-2011.11.28》中，以日記形式書寫的生機活潑的短句，並將段落性文字分散及隱藏於展場角落，邀請觀者漫步的同時，尋找文字之間賦予心靈的力量。

石晉華，《走鉛筆的人》，1996-2015，木板、鉛筆、膠帶、夾鏈袋、錄影帶、錄音磁帶、削鉛筆機、延長線、數位輸出、單頻道錄像（彩色、有聲），鉛筆牆：244×976×1.4公分，錄像：18分1秒，臺北市立美術館典藏。

同時邀請國際重要卻鮮少來臺展出之作品，如奧馬．菲斯特（Omer Fast）於2012年第13屆卡塞爾文件展之作品《連續性》，以超現實、虛構的敘述，闡述戰爭記憶所帶來的噩夢及痛苦，同時回應現下面對戰爭之間的心境。珍妮．安東尼（Janine Antoni）2002年的錄像作品《觸碰》，隨著藝術家在鋼索上走動，不時觸碰遠方地平線的行為，想像著行走在目光所及且難以到達之處；莫娜．哈同（Mona Hatoum）80年代著名的行為藝術紀錄影片《行路》，身體的前行與靴子的跟隨，暗喻南倫敦布里斯頓街頭因種族問題而長年壟罩沉重陰影；高松次郎(Jiro Takamatsu) 是亞洲60-70年代行為藝術先驅，他以影子繪畫受到高度關注。有光即有影，而影子畫上不在場的投影對象與觀者形成有趣的關係，引起觀者對生命本質、圖像與空間的多重探問；而著名藝術家威廉．肯特里奇（William Kentridge）在90年代《影子列隊》中，以列隊行走的人群剪影輔以嘹亮的古典音樂，展現歷史上南非種族衝突與階級問題的百態，作品將帶領觀者經歷由「地平線」到「山脊線」的垂直旅程，展開對展覽相對宏觀的敘事。

奧馬．菲斯特，《連續性》（影像截圖），2012，高畫質電影， 40分。

臺灣跨世代的作品亦於本次展出，旅居日本數十載的何德來在《五十五首歌》一作中，將自身歷程寫成五十餘首短歌（和歌），再以特殊的構圖引歌入畫，繪寫為一幅探討文字與繪畫關係的敘事畫；「東方畫會」成員之一的陳昭宏則展出極具開創性的系列繪畫，數件用色鮮明的作品貫穿整個展覽，融合當代寫實的筆法與東方餘白似的構圖，描繪行走、對話與互動等主題所隱含「之間」的概念。年輕世代的劉瀚之運用低科技機械零件、手繪文件裝置製成充滿哲思的作品，展開對生命與時間本質純粹的思考。

何德來，《五十五首歌》，1964，油彩、畫布，130×194公分，臺北市立美術館典藏。

「在夾縫中行走」所形成的「線」與「網絡」，也將是本展覽連結藝術與日常生活、作者與觀者、作品與空間的方式，讓展覽的觀看與閱讀聯通成一個週而復始的循環，寓意宇宙與事物生滅消長的輪迴。本展最後一個展區，試圖加入歷史文物同臺展出，如元朝龍泉窯系之作品《冰裂紋青瓷小盤》，釉面開片形成縱橫交織的紋路；清朝的《勾勒填粉彩花卉鋦瓷圓盤》，展示盤面具有璺裂後修補之痕跡、非洲及智利的鐵鎳合金隕石、義大利約1800年的低音管樂器《蛇形號》與陶藝等文物展出，與英國團體「耳石小組」（The Otolith Group）探討科技與人類關係的錄像影片《詛咒》並置，及洪東祿以易經卦象內涵為題的《地火明夷》，輾轉釋出黑暗時期仍須為內心明亮的意圖。此區概念與宇宙的生成、發展及消亡等生滅循環、生生不息的宇宙生命本質有關，並以隱約的方式探問人類進步的概念，線性裂紋在展覽中指涉不可預知的變化，鋦瓷修復線則試圖向觀眾提問「修復」的真正本質。

洪東祿，《地火明夷》，2020，岩黑（磁鐵礦）、藍銅礦、新岩、鹿膠、麻布，120×120公分，私人收藏。

展期間將舉辦多場藝術漫遊活動，並特別延伸白雙全的創作計畫，舉辦5場臺灣限定的《谷之旅》系列臺北實驗工作坊，邀請觀眾以另類的觀看方式，走入書本兩頁之間的夾縫中旅行，將實驗性的路線於展期間蔓延發展，進行身體與心靈的「步行」。同時亦將規劃互動式的演出，如劉玗最新作品《Field》，借助體感引導者來帶領觀眾在場域中進行感受性的療程，把身體幻化為自然；亦可觀賞倪灝實驗性作品《結構研究Ｉ》，以複雜的裝置與音樂表演呈現科技體制與生活的矛盾，詩性的雕塑潛藏無形的暴力。相關展覽訊息及活動報名請參見北美館官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤北美館臉書粉絲專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）關注。

劉瀚之，《過線一刻》，2015，複合媒材（物件：運動衫、布條；手稿：數位輸出、水彩紙），物件: 145×43×2公分，手稿：30×21公分（3 張）。

劉玗，《Field》，2022，榻榻米、野草生長自製疊蓆、表演與聲音裝置，尺寸依場地而定，表演者：王甯、廖錦婷。

資料提供｜北美館

2025大阪世博8座主題館一次看！趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結

by Lucinda Chen 2025-01-18

日本 2025大阪世博會

2025大阪世博8座主題館一次看！趣味互動式展覽探索人類、自然與科技間的緊密連結

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。