高雄原生科技藝術展「DigiWave」不停對科技與人類之間的關係提出叩問，並透過結合科技所打造的數位藝術、互動體驗等展覽形式應答，向觀眾拋出新的思考角度。繼2021年的「電玩」主題之後，2022 DigiWave以《啟動全民任務：未來.dw》為題，探討人類的「感知」在科技掛帥時代中所扮演的角色，全展透過5大展區，揉合人格測試、機智解謎、數位互動等體驗，以及動態追蹤、AI與AIOT等新媒體技術，帶觀眾破解一場唯有透過「感受」與「合作」才能達成的任務。

探索科技年代中的人類感知

每年DigiWave都會探討一道與科技相關的議題，今年總策展人王舒音（Dolce Wang）期盼透過科技喚醒埋藏深處的人性，讓科技與人類最珍貴的「感知」系統和諧相處。王舒音認為，「活著」的真諦源自於心，感知讓人類並非空有軀殼；因此，這次她為展覽創造了兩大角色——感知沈睡的巨獸「巨靈國王」以及象徵感知的「小圖靈 Echo」，而每位觀展者的參與即代表感知入場，DigiWave展場則是感知匯聚之地，最終任務是要喚醒巨靈國王沈睡的心與感知。

五大人格將擁有不同觀展體驗

進入展場前，觀者得先經過「五類人格測試」，藉5道與人際關係、音樂感知等面向有關的簡短問答，找出自己是五大人格——極樂流、治癒流、源泉流、自我流、高智流中的哪一類，每種人格將開啟各不相同的觀展體驗。此外，每位觀者的「投入程度」將影響現場聲光效果，越是投入，展場空間所給予的回饋越是劇烈，形成有機、沉浸式的展覽型態。

前導區與5大展區亮點一覽

《啟動全民任務：未來.dw》由探測點與中樞神經、大腦、視覺、觸覺、心臟5展區構成，整體猶如超現實的科幻密室場景；展覽故事則以一封來自未來的求救信為開端，參與救援任務的「特工」們將會齊聚，並根據五類人格分為「視覺」或「觸覺」兩大陣營，一同在「小圖靈 Echo」的引導之下進行解謎，每道關卡限時7分鐘。

 01. 探測點 

踏入展區，映入眼簾的是1970年代風情的民居擺設，在鈴響清脆的老式電話、播映著上世紀電視節目的舊電視、聲音充滿雜訊的收音機⋯⋯等看似平凡無奇的日常家具當中，藏有開啟通往未來任務的線索。觀察力在這一道關卡中尤其重要，但在悉心觀察現場之餘，也別忘了看看手機上小圖靈給的提示。

 02. 中樞神經 

解鎖第一道關卡後，會進入到中樞神經，本區藉由電腦程式生成即時對現場做出回應的影像，也就是說，觀者入場後的一舉一動將立即影響周圍牆面的影像畫面，呼應人人在現場皆有影響力的展覽理念。當觀者通過此區，即代表願意貢獻自己的意識與感知，成為破解任務的一份子。

 03. 大腦 

觀展前做的人格測試，在本區也會派上用場，入場後先在DigiWave官方LINE上打開「個人憑證」，接著將手機放在中央的投影檯面上，這時展場將透過AI運算體驗者資料，即時回饋每人所對應的「顏色」，最終現場參與者將被區分為兩種型態，分別展開以視覺、觸覺為導向的體驗路徑。前往下一關前，也不妨在此停留一會，觀看由體驗者對應色系、現場即時合成運算影像結合雷射及混音的特效表演。

 04-1. 視覺神經 

進到這裡，體驗者將進入一片黑暗，既然本區體驗以「視覺」為導向，別忘了留意展間中的色彩、形狀、圖樣等細節。為了讓大家保留解謎樂趣，這邊先不爆雷詳細內容。

 04-2. 觸覺神經 

觀者可伸手觸摸投影幕，獲得即時的光影回饋，現場也將藉由AI感測，為每位體驗者生成專屬影像，這時可在牆面上看到自己與夥伴們的數位分身。

 05. 心臟 

經過層層關卡，特工們將來到「巨靈之心」所在的心臟區，展場根據3首由總策展人王舒音創作的曲子，呈現出多種截然不同的影像與空間風格；現場設置5個互動基座，它們分別代表主旋律、和聲、節奏、效果與副旋律5種音樂元素，當體驗者與其互動，地面投影將即時回饋動態效果，互動越是劇烈、影像效果越是強烈，當累積到足夠能量將可喚醒巨靈國王，成功解開通往未來的任務。

觀展採預約優先制

最後必須留意的是，本次展覽採「預約優先制」，建議先加入LINE官方帳號「@Digiwave」，並點選「預約觀展」後選擇場次日期、時間與參觀人數；這邊要特別注意，每人每次預約最多2位，且單人最多只能「同時」預約2個場次，策展團隊希望能透過適當分流，給予進場的觀眾最為完善的觀展體驗。

2022 DigiWave《啟動全民任務:未來.dw》

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展覽日期｜2022年9月30日～10月23日

展覽時間｜週一至四 11:00～20:00；週五至日與國定假日 11:00～22:00

展覽地點｜高雄駁二設計中島棧4-2倉庫

資料、圖片｜DigiWave

部分攝影｜izzie pang

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}