高雄市立美術館「minä perhonen /皆川明 つづく」特展，於2022年10月22日至2023年2月19日盛大展出。而本展首度移展海外，皆川明與其minä perhonen品牌團隊十幾人，更親自來台布展，以將展覽的核心概念「美好生活設計者」原汁原味地呈現在台灣觀眾面前。而在開展當天，皆川明除與大家分享つづく展的看點，也帶逛展區，接下來就跟著La Vie的文章，一同走進日本當代設計大師的創作世界。

▷皆川明つづく展覽高雄市立美術館開展！

「minä perhonen /皆川明 つづく」首度移展海外

「minä perhonen /皆川明 つづく」一展，為2019年東京都現代美術館重新開館之際舉辦的首展，同時是慶祝minä perhonen邁入25週年的大展，接續也在兵庫縣立美術館、福岡市美術館及青森縣立美術館巡迴展出。而對於此次海外首展在高美館登場，皆川明說，青森的展覽10月初才剛結束，多虧所有工作人員、展覽團隊同心協力地幫忙，才能夠在短時間內將展覽完美呈現在大家眼前。「其實在我人生中，每到重要的時間點，最大特徵就是會下雨，當我今天早上起床時，看到外面在下雨，我就知道這次在高雄的展覽，是我人生中重要的事情。」

身心與物質的循環才是真正的永續

而常見的時尚、服裝設計展覽，會以展示成品或按照時間軸來呈現，不過，つづく展不單單能窺見設計是怎麼產生，更想要強調的是，人們覺得不可思議的點子，是如何透過職人的創作來賦予這些材料生命、將它幻化成一件物品。皆川明更提到，最近非常流行的永續性(sustainability)一詞，多著重在物質的循環，但事實上，藉由人們的思考而製作出的作品，可以停留在人的記憶中、變成我們心中的一部分，而這般身心與物質的循環，才是真正的永續。他也希望大家在展區裡，可以看到這些職人是以什麼樣的心情與熱情來製作，以及體會到穿著方在長期使用這些衣服時所獲得的喜悅。

跟著日本設計大師皆川明逛展覽！

⭔ minä perhonen永不過時的設計巧思

而在踏入展場前，則先能看見由105件minä perhonen紡織設計品構成的「雲」作品，其在陳設上不依照製作年代或季節來排列，帶出品牌「永不過時」的設計巧思，以及對於永續的重視，同時展現出猶如雲朵般的自在隨興感。

⭔ 25顆小圓點構成tambourine鈴鼓圖樣

在〈實〉展區中，可見到minä perhonen從2000年開始使用、代表性的「tambourine（鈴鼓）」圓圈花紋，而裡頭其實包含了25顆、形狀略有不同的小圓點，「這些一小顆的圓點，就像是一個人的個性，每個非常獨特的個體聚集起來就是一個社會、甚至是一個國家、一個地球，因此，這些圓圈也代表著『曼陀羅』的概念。」而一般流行，來得快去得也快，但皆川明希望，minä perhonen的鈴鼓設計能夠讓大家使用很久、延續下去，因此本次展覽名稱才以「つづく」為主題。

⭔ 了解設計過程中的巧思

〈芽〉展區則展示著minä perhonen所有織品中的一部分圖樣，而這些布料設計手稿，並不是透過電腦繪圖，而是品牌設計師以手繪或切割的方式雕琢、製作出來。

〈森〉展區最大的特色在於，不以時間序列或季節來區分，而是一次展示出過去27年minä perhonen所設計出來的服飾，且在這些服裝裡頭，並沒有所謂的新與舊，因此大家可以在這個展區，仔細觀看每件衣服，是職人以什麼樣的技巧，將這些服飾製作出來的。

⭔ 光廊——織品的故事

接著拾級而上，穿越一道略窄的樓梯時，可以邊欣賞垂掛而下的minä perhonen布料，其中有件如迷彩畫的作品，裡頭隱藏著切割下來的白色花朵布料，意味著比起戰爭，善良與仁慈更能帶來幸福。

⭔ 日常生活中的minä perhonen

在〈風〉展區，播放著minä perhonen的設計，在日常生活中如何被運用、呈現何種風貌的影像。〈根〉展區則完整展示皆川明為了小說、報紙所畫的一些插畫，而這些插畫跟織品設計的表現手法又不大相同，可以細細品味。而要前往下一個展區時，可窺見下樓樓梯的兩側，有一些皆川明平常在思考事情所寫下來，或對他而言非常重要的話語。

⭔ 窺見minä perhonen的點子如何誕生

踏入〈種〉展區，首先可見到皆川明19歲去芬蘭時，用了所有的旅費所購買的外套，這也讓他深刻地感受到，一件衣服能夠發揮的力量有多大。而這個展區取作〈種〉，意味著一個想法是如何孕育出來的，因此大家可以窺見minä perhonen的設計是如何呈現、材料如何運用。像是品牌多餘的布料，有一些小小花紋的話，便會將它運用在鈕扣上，「或許大家會覺得在製作的過程中，最後用不完的東西就是一個浪費，但若我們能隨時思考到，每件物品都有職人嘔心瀝血製作出來的過程，我們便會去珍惜每塊布料、最後一點一滴都非常珍貴地使用。」

而除能看到minä perhonen與國外品牌、藝術家聯名合作的作品，皆川明也特別介紹，以「二重織」技法製成、擁有兩面色調的布料，當它用在單椅上時，椅面將隨著時間、慢慢露出裡頭那層布料的顏色，不僅顯現出家具的歷史，也賦予其新生命。

⭔ 服裝擁有者與衣服的點滴故事

最後的〈土〉展區展出從minä perhonen服裝擁有者借過來的的衣服，搭配每個人針對這件服裝所寫下的回憶故事，讓大家可以細細品味，並體會到minä perhonen的設計與想法是如何幻化成衣服，進而透過穿著的人，化為記憶、留存在心底，而這般身心與物品的循環，也正是皆川明所認為的「永續性」。

皆川明 つづく特展

展期：2022.10.22 （六）～2023.02.19（日）

地點：高雄市立美術館 104-105展覽室

票價：展期全票$280

文字｜Judy Cheng

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）