當美國大眾文化中的超級英雄，遇上中國名著中的傳奇角色與女子形象，能夠一同講述什麼樣的故事？在藝術家Jacky Tsai （蔡贇驊）的作品中，可以看見對時事的針砭，以及對現代社會的觀察，調性或諷刺、或詼諧，端看個人如何拆解，能看出趣味、也可悟出道理。即日起至2023年1月14日，坐落於台北洲子街的藝術空間「TAO ART」呈現Jacky Tsai在台灣的首檔個展《浮生》，並將分為上下篇章《浮生－狂想曲》與《浮生－重生》接續呈現，引領觀者看見藝術家創作的各種面向。

擅長結合東、西方藝術技巧與意象

成長於上海、發跡於倫敦的普普藝術家Jacky Tsai，創作主題涉及繪畫、雕塑、裝置、絲網印刷版畫等多個領域的多種媒介，而近年來，他集中探索中國傳統的藝術技巧，如漆雕、彩瓷和「蘇繡」中的絲綢刺繡。

在Jacky Tsai的作品中，常見結合東方傳統意義上的藝術技巧與意象、西方普普藝術的表現手法，藝術家藉此尋求東西方文化之間的平衡與和諧之美；若進一步說，Jacky Tsai時常將跨文化的象徵元素放入同一件作品中，或將DC超級英雄與中國傳奇人物、名著中的角色或傳統女子形象並陳，又或以東方藝術技法呈現西方意象。

當超級英雄遇上中國古代人物

如此深具個人風格的藝術形式，在Jacky Tsai台灣首個展《浮生》上下篇章中皆可見得，像是現場展出的〈PCR Test〉描繪在大疫之下超人也得做核酸檢測的景況；數位藝術作品〈The Dance 2021〉則呈現神力女超人、希臘神話人物、日本藝妓、中國名著《西遊記》主角孫悟空等角色，牽著手環繞COVID-19疫苗跳舞的畫面；而一旁的〈Arm Wresting〉上演一場腕力賽，總給人所向披靡印象的超級英雄，眼看就要輸給低頭滑著手機、看似毫不經意的古典女子。這些作品中，不僅帶有Jacky Tsai擅於將東、西方元素揉合的創作手法，也可看出藝術家對時事與當今社會的觀察與部分見解。

 

 

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巨幅畫作〈翻玩范特西〉紀錄周杰倫20年音樂旅程

攤開本展上篇《浮生－狂想曲》，領銜登場的亮點為長達8公尺的巨幅作品〈翻玩范特西〉，其由身兼音樂人與藝術收藏家身份的周杰倫委託Jacky Tsai客製而成，畫面躍動著周杰倫20年來精彩的音樂旅程與人生。創作過程中，兩人共同擷取了60首歌曲轉譯在這件如同《清明上河圖》的鉅作，而Jacky Tsai亦不滿足於讓觀者僅僅欣賞靜止的畫面，從而植入了AR擴增實境和夜光特效體驗，期盼讓觀眾感受自在馳騁於古今東西文化的兩位創作者有多麼盡興。

有趣的是，TAO ART特別為《翻玩范特西》準備了互動環節，欣賞完此作後，別忘了到入口處櫃檯領取活動紙條，寫上你在作品中共發現了幾個周杰倫，答對者將可參加抽獎，有機會獲得驚喜小禮。

看見藝術家的細膩與幽默

《浮生－狂想曲》現場也納入了具有敘事或寓言本質的其他作品，值得一提的其中三件為漆雕——《文化衝突》、《金色許願樹》和《星球大戰》。從媒材上來看，漆雕是Jacky Tsai重視的眾多傳統工藝之一，多年來他身體力行嘗試重塑這項媒材，進而提醒新世代的觀眾關注匠人們的精湛手藝。

而在圖像構成上，藝術家嘗試扭轉人們對於傳統故事甚至漫畫情節中英雄人物的認知，折射出個人對當下社會或全球情境下的議題檢視，視覺上的幽默感亦能承載嚴肅的省思。

下篇《浮生－重生》將展什麼？

此外，Jacky Tsai擅以東方藝術技法呈現西方意象的做法，則可見於一系列聚焦於「骷髏」題材的作品中，而本展下篇《浮生－重生》將著重於此。此系列作品的國際知名度始於2008年，當時Jacky Tsai為已故英國時裝設計師Alexander McQueen的「Floral Skull」系列創作了鮮花骷髏，他以富有生命的元素如鮮花、蝴蝶導引出從死亡深淵之中重生的想望，克服自身對骷髏意象固有的恐懼和避諱，闡述死與生並非對立，而是永恆地流轉。在本世紀的視覺文化中，骷髏作為符號幾乎是一種時髦的活力表徵，而在這樣的認知洪流中，Jacky Tsai也以自己的方式參與，賦予其一股華美狂放的力量。

《浮生》個展對Jacky Tsai個人來說，某種程度上是其對過往長年探索的創作媒材之階段性總結，也是最後一次高比例展出傳統媒材作品的展覽，若對其創作風格感興趣，不妨把握這次難得的機會，親臨TAO ART細賞。

《浮生－狂想曲》

展期｜2022年10月21日～2022年11月26日

時間｜週二～週六 11:00～19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

資料、圖片｜Jacky Tsai 蔡贇驊、TAO ART（展場攝影：ANPIS FOTO）

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢