剛與柔，就像是質能的兩端，是二元對立，卻也是相反相濟，因此尊彩藝術中心特別邀請李再鈐和徐永旭兩位雕塑大師，分別以鋼雕、陶塑表現創作心境與意念，從媒材與形式中的激撞與對話，深入感知兩位藝術家在創作路途上，磨礪身心後的絢爛火花。

經過半年時間的籌備，「剛‧柔俱現─李再鈐鋼雕‧徐永旭陶塑 聯合展覽」終於在尊彩藝術中心展現，一直以來尊彩藝術中心都是致力於推廣台灣現當代藝術的學術研究與展覽規劃，像是戰後抽象藝術家和當代藝術家，著重藝術史的開創意義與視覺藝術的社會性觀點。負責人陳菁螢認為，綜觀台灣美術史的脈絡，早年台灣的雕塑創作多元且精彩，像是黃土水、蒲添生等大師作品，都形塑出獨特的精神樣貌，有感於近年來台灣雕塑力道的式微，因而促成此次的展覽動機。

曾任鳳甲美術館館長、亞洲大學現代美術館館長的翁淑英，正是此次的策展人，即使在業內已有長達二十多年的深厚資歷，聊起藝術，她的眼神發亮，對藝術的一切仍舊充滿活力與熱情。

李再鈐和徐永旭都是台灣極為重要的藝術家，談起這次的合作，兩人皆表示「很榮幸」，是惺惺相惜、真誠珍惜這個機會，為此，已年屆九十五歲的現代雕塑大師李再鈐還創製了全新作品「鏡花緣」，相較於過去的作品，鏡花緣系列不再是連續而規律的變化組合，反而是強調趣味性，以簡潔純粹的流動新造形，特別做鏡面反射，更能映照出人生百態。

融合數學、哲學、美學的大師級幾何鋼塑

回望李再鈐的作品，多數人並不陌生，舉凡台北市立美術館、國立台灣美術館、高雄美術館皆有典藏。李再鈐早期是從傳統造型出發，中期後以幾何元素，呈現極簡低限的藝術風格。半世紀以來，大多以鋼板為素材、焊接為手法，持續以幾何造形、抽象表現，探究材質與低限藝術的可能性，從作品中可以感受到探討美學、數學和哲學的三元關係，是一位具備豐富藝術成就及深度禪學思維的代表性藝術家。

當代陶塑藝術家徐永旭就盛讚李老師是「教科書級的指標藝術家」，他解釋，李老師的作品是必須經過精密計算，用點和面去堆疊創作，從不同面向可以看到各異造型，「早年是沒有電腦運算，卻能透過數學展現鋼塑的多樣複雜幾何型態，在我看來是很厲害，尤其這年紀還能繼續創作。」

因此，徐永旭也特別在展覽前，花了三天現地創作出一件大型裝置藝術作品。徐永旭表示，以前的作品沒有框，這次他刻意準備框，有意識和李老師的作品對話，並以有斜度、菱形的動態方式，用線表現出織的感覺。「我在創作時，仍舊被這些線、物件包圍著，雖然有點作繭自縛感，但我在裡面的視覺和動作，仍舊讓身體是很重要的創作元素，並和空間產生影響。」

以苦行僧的心志為陶土烙下生命印記

其實，如果說徐永旭是生命的藝術家也不為過。他的作品，與其說是雕塑品，不如說是行為藝術，為了創作，強調身體與作品間的對話，這幾年下來，幾乎是把指尖和皮膚的紋路幾近磨平，翁淑英形容徐永旭就像是「苦行僧」，如同修行般，應用全身的力量將陶土形塑捏壓成泥條，再將無數的陶土片條，巧妙的重複及堆疊在一起，一步步去完成每一件創作。徐永旭在陶土上留下身體的痕跡，展現其創作的意志，最後就像無法預期的有機生長，呈現出扭轉的曲線感、洞孔的巢穴狀，以及內外迴旋的空間狀態，創作過程中的精神性是如此純粹與厚重，而作品在燒煉後又顯得如此無比的透薄與輕盈，令人震懾。

李再鈐認為徐永旭的作品是感性又柔活，尤其多數陶藝家的作品多為實用陶，「反觀徐永旭，他的作品只有他自己能做，每一個小平面，都有他的精神、勞力、智慧在裡面，作為藝術家是非常認真。」

若是直觀從兩位藝術家的創作媒材——不銹鋼及陶土，看似相悖，卻又在精神性上遙遙相通，綜觀其作品，都擁有需要堅強肉體和意志才能成就的精神性，充滿個人創作的痕跡。翁淑英認為，剛與柔是兩種截然不同的狀態，不但可以表現在媒材與形式上，也可以作為創作心境與意念的代稱，如果放在同一個空間內，讓這種極端和矛盾和諧共存，進一步表述溫柔和剛強的對話。

【 剛‧柔 俱現─李再鈐鋼雕‧徐永旭陶塑 聯合展覽 】

A Dialogue Between Strength and Gentleness 

LEE Zai-Qian & HSU Yunghsu Duo Exhibition

展期：2022年10月29日（六）～2023.01.18（三）

開幕：2022年10月29日（六）15:00

展館：尊彩藝術中心二樓 (台北市内湖區瑞光路 366號）

電話：02-27971100

畫廊開放時間：周二～周日（11:00～18:00），週一休館

策展人：翁淑英

撰文 | Iain   資料暨圖片提供 | 尊彩藝術中心

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢