2017年，Dior為慶祝品牌70週年，在巴黎裝飾藝術博物館舉辦《Christian Dior：夢之設計師》特展，回顧數十年來的經典設計語彙；而後，更巡迴至倫敦V&A、紐約布魯克林美術館、上海西岸藝術中心等地，由不同策展人梳理Dior與當地的關聯，融入在地視野進行再創。2022年12月，展覽巡迴至東京現代美術館（MOT），現場集結Dior從時裝、配飾、高級訂製服到香水的經典設計，並展出許多首次亮相的珍貴檔案文件，帶觀眾一窺Dior與日本文化之間的獨特聯繫。

細數Dior經典設計與歷任創意總監引領的風潮

曾策劃《Christian Dior：夢之設計師》巴黎、紐約站的藝術與時尚策展人Florence Müller，再次擔綱東京站策展，一方面延續聚焦於Dior品牌DNA的做法，在展覽中呈現品牌創辦人Christian Dior對花園與藝術的熱愛、對幸運星符號的瞻仰；另一方面回望Dior成立近75年以來的創意視角，以二戰後Christian Dior的經典構想為開端，他所設計的BAR JACKET、New Look為優雅下了嶄新註解，在當時蔚為風潮，接著細數接任創意總監所展現的Dior風貌。

19歲便師從迪奧先生的Yves Saint Laurant，在21歲時接下Dior首席設計師一位，推出梯形洋裝、花苞裙、裙擺在膝下收起的Arc Line系列，表現出與恩師截然不同的前衛風格，引發正反兩極評論；接任的創意總監Marc Bohan回歸簡約優雅的保守派路線，並逐步在細節處融入新意，為Dior保有本色同時不被時代潮流淹沒；Gianfranco Ferré在優雅之中注入奢華與異國風情；John Galliano揉合英式先鋒美學與次文化場景，上演一場徹底的顛覆；Raf Simons再次為老派優雅復辟，並在廓形與質地中融入奇想；現任的Maria Grazia Chiuri則展現出剛毅、浪漫、優雅、脫俗等多樣的女子樣貌。

梳理自1953年以來，Dior與日本文化之間的連結

同時，Florence Müller也爬梳過去策劃巴黎、紐約站所獲得的珍貴資訊，並表示Dior向來著迷於日本得以結合傳統與魔登的獨到美學，而這次巡迴至東京現代美術館，現場也展出許多從未公開過的珍貴文件，以示迪奧先生與其繼任者對日本文化的迷戀。

比如說，1953年一件以櫻花與鳥為題的高級訂製服，被迪奧先生命名為「日本花園」（Jardin japonais），其更於2017年春夏由Maria Grazia Chiuri重新演繹；同年，迪奧先生成為首個進軍日本的歐洲服裝設計師，更在東京、大阪、京都與名古屋舉辦時裝秀；1958年，Dior為明仁皇太子的未婚妻美智子設計了西式結婚禮服，躍上日本皇室殿堂；後來，執掌Dior的設計師們也多次選擇到日本辦秀，足見兩者之間的深厚聯繫。

OMA重松象平操刀展間，將詩意庭園、暗夜星空搬進美術館

如何把75年的品牌故事裝進一個空間裡，並有條理又有趣地呈現？這十分仰賴展覽空間的規劃，這次由日本OMA建築事務所合夥人之一的建築師重松象平，為《Christian Dior：夢之設計師》在東京現代美術館內重構場景敘事：單色簡約展間呼應BAR JACKET的優雅氣質；以Miss Dior為題的展間富含詩意，觀展動線如山林中的蜿蜒小徑，懸掛於天花板的白色紫藤花讓美術館化身庭園；滿天星宿、猶如宇宙的空間擺上華美的晚宴服，呼應曾穿著它們踏上紅毯、出席宴會，那些閃閃發亮的明星們。

另一方面，珍奇的陳列櫃「Colorama」展示了琳瑯滿目的Dior配飾，包含帽飾設計大師Stephen Jones的作品，以及Dior經典香氛Miss Dior、J'adore和化妝品；原型陳列室則是向工坊致敬的地方，展示了Dior工匠們的卓越工藝。

不僅展演經典，展覽也彰顯了Dior的創新精神，鋪上勃根地紅的弧形空間分成多格，擺上源自「Dior Lady Art」與「Lady Dior As Seen By」計畫，並由藝術家們重新演繹的多款Lady Dior，乍看猶如時尚多寶格，讓人看見時尚、藝術與工藝碰撞出的奇異想像。

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《Christian Dior：夢之設計師》

展覽期間｜2022年12月21日～2023年5月28日（休館日請見官方資訊）

開館時間｜10：00～18：00

展覽地點｜東京現代美術館 企劃展示室1樓、地下2樓

門票資訊｜普通票 日幣 ¥2,000；大學生、專科生、65歲以上長者 日幣 ¥1,300円；高中生以下 免費

資料、圖片｜Dior、OMA（攝影：Daici Ano）

台灣指標性選品店onefifteen初衣食午，今（2023）年迎接品牌創立十週年以「繁花似錦」為主題，結合時裝、藝術、自然綠植與美酒佳餚推出眾多十週年限定，將onefifteen初衣食午大安旗艦店打造為時尚人文藝術展示空間，值得一探究竟、細細品味。

由1950年代的兩層樓傳統老洋房改造、結合眾多異材質的現代室內設計風格與蓊鬱植栽花藝，這兒不是巴黎，是台北大安路上onefifteen初衣食午開設首間旗艦店，以一樓女裝/配飾區，以及二樓男裝、香氛與居家生活用品區等全方位的好品味包圍藝術日常。

而onefifteen初衣食午這10年間深耕國際時尚市場，從持續引領時裝界風騷的設計師大師，到近年來話題不斷的新銳品牌當如JW Anderson、Dries Van Noten、kolor、UMA WANG、Cecilie Bahnsen、Marine Serre、Dice Kayek、BODE、Biyan、Maison Mihara Yasuhiro、TAAKK、doublet與Maison Margiela等等都涉略。

其中更包含許多獨家引進、長期合作的友好品牌，共同見證onefifteen初衣食午持續支持台灣藝術家、設計師，並培育華人潛力新銳設計師的時尚願景。

十週年企劃《繁花似錦》

配合此次十週年「繁花似錦」主題，onefifteen初衣食午採用品牌一直以來鍾情的花卉與植栽元素，以品牌生生不息的意象來對外觀進行改造，首先運用大地色系的擬真石頭打造可供陳列的擺設，創造出兼具功能性、美感與品牌意義的櫥窗設計。

另一方面，品牌也同步邀請知名花藝設計師OPM Florist — 想想，攜手量身打造與櫥窗結合的花藝裝置作品，以大眾熟悉的植禮「秸稈」環繞櫥窗整體，配合燈光打造出明亮的立體空間感，四周以乾燥繡球花為主花圍繞，呼應品牌屹立不搖的毅力與耐力，象徵品牌永恆璀璨的正面意象。

「繁花似錦」主題獨家創作牆面設計：剪黏藝術 Ｘ 交趾陶工藝

onefifteen初衣食午特地邀請國立臺灣藝術大學古蹟藝術修護學系藝術家吳芷容，為「繁花似錦」主題獨家創作牆面設計，以其專長的剪黏藝術表現手法以及交趾陶工藝，為牆面設計充滿細節的花叢小路，交趾陶以低溫釉藥與傳統題材為創作手法，是屬於台灣記憶的一項工藝；而剪黏則是以水泥和鐵絲作為胚體，再將色彩斑斕的瓷碗進行剪裁與黏貼，打造立體的視覺工藝。

吳芷容在水泥牆面上運用多層花瓣呈現立體層次花叢，蜥蜴、自然小徑由剪黏手法所製，以及由交趾陶工藝製作穿插其中的蝴蝶。為了更加貼近onefifteen初衣食午十週年主題，藝術家吳芷容特地融合15種花卉於作品當中，每一朵花象徵各自不同的意義以及飽含祝福的花語如象徵事業發達、生意興隆的黃蝴蝶蘭、愛情隨處可見的旱金蓮，更加入有趣的細節，如在許多西方文化中具有幸運意涵的蜥蜴，由剪黏工藝製作的彩色蜥蜴攀爬在立體花海叢中，展現了作品的生命力。

國際頂尖設計師情意相挺推出十週年聯名商品

在品牌十年里程碑之際，邀請眾多合作品牌中的6位國際頂尖設計師推出十週年限量款商品，設計師們破天荒為onefifteen初衣食午設計多款全球獨家限量全新作品，藉由獨樹一格的設計語言，共同構築出彌足珍貴的時尚紀念，向長久以來的合作情誼致意。

如華人設計先鋒Uma Wang以現代女性為靈感發想，創作了仙氣十足的洋裝，不均勻的染色、隨性的寬襬、仿舊的細節，從線條、剪裁與輪廓上打破既定框架，盡顯出個人本質的魅力及品味。

曾榮獲LVMH青年設計師大獎的「喜劇之王」的井野將之向來以翻轉概念、幽默和惡趣味十足的設計為名，此次聯名系列靈感來自101忠狗斑點印花，將doublet logo字樣隱藏在於滿版斑點內之中，胸前以115 DOUBLET電繡圖案呈現，想像力與幽默感始終是生活的必需。

近年來以一雙辨識度超高的溶解鞋引爆風潮，並曾經與多方單位聯名的Maison Mihara Yasuhiro，此次由品牌經典溶解鞋延伸，推出於onefifteen獨家販售的限量專屬簽名款球鞋，運用招牌解構與拼接手法，搭配鞋邊大底不規則溶解設計，為sneaker帶來獨特的魅力和藝術感。

創立於1992年的巴黎高訂品牌 Dice Kayek，擅長汲取電影、藝術與私密記憶為靈感，設計充滿雕塑與建築感的服裝。Dice Kayek此次以十周年主題「繁花似錦」為靈感，探索花卉的綻放與成長意象，並結合印花刺繡拼貼於細緻條紋襯衫上，展現知性氣息且浪漫情懷。

而高端時裝品牌Biyan為印尼當地皇室貴族欽點的時尚品牌，擅長將複雜經典的剪裁技術和傳統手工藝相結合，本次以精美工藝搭配珠飾鑲嵌與流蘇細節，推出設計限量手提包款與同系列領結，呈現品牌的以花朵為元素的標誌性設計與洗鍊高雅的美學風格。

德國家居品牌Anke Drechsel以全新紀念花色推出獨家限量抱枕，以onefifteen十週年主視覺：象徵生命力的黃色和氣質的紫色花卉為延伸，採用頂級絲綢與天鵝絨面料搭配精細刺繡，脫俗雅緻而優雅舒適，打造出獨一無二的居家藝術品。

「美好生活」從重新想像生活的多元性開始

呼應onefifteen初衣食午形塑「美好的生活」的品牌 DNA，本次十週年盛宴期間，更於10月底特地邀請新加坡米其林星級餐廳JAG主廚Jérémy Gillon來台客座，特別研發週末限定早午餐套餐，搭配有香檳界勞斯萊斯之稱的奢華Krug香檳。而品牌期許在未來持續打造全方位美學，以薈萃融合時尚、藝術、人文、美食於一體的生活美學概念品牌為永久目標，首次悉心打造的全新烘焙品牌「初 CHU BAKERY」，讓「美」無縫融入生活中每個角落。

圖片、資料來源｜onefifteen初衣食午

雖然多款單品光速Sold Out，但我們還是能看看Phoebe Philo為同名品牌首季端出了什麼樣的設計。闊別Old Céline六年，孵化個人品牌將近三年，Phoebe Philo的設計仍然奉行極簡，卻多了份激情和對抗傳統的野性，像是知世故而不世故的成熟女子，攀著歲月已長出專屬自己的風韻，恣意遊走在高級時尚與次文化地景之間，在節制裡放縱慾望。

內斂中的狂放

94張形象照在官網排開，工整排版裡流露著不羈氣息，來自斗大、明豔的Phoebe Philo鮮紅品牌字樣，也源自服裝剪裁與廓形。

大膽的開衩與開口設計穿梭其中——設計師從Old Céline就愛用的絲綢緞面料，被做成一件高領、剪裁似斗篷的洋裝，看似禁慾，裙擺卻從落地一路開衩至近逼腰線，是被內斂包裹的狂野。

類似手法也被用在一件剪裁介在褲、裙之間，佈滿抽鬚布料、線條有機而不規則的下著；一款落地寬褲背面甚至帶有開口進佔腰線的拉鍊設計，沈甸的份量感結合自由的露膚調節設計，集強勢與寫意於一體。

立體感與貼身的輪廓對比

「份量感」也是本系列的一大關鍵字，Phoebe Philo在上衣、外套、褲裝當中，都疊加了非常多視覺感豐盈的面料，為服裝創造鮮明的立體感，乍看像是把軟雕塑穿上身。

與份量感同行的，還有Phoebe Philo喜歡以寬、窄單品為造型比例做出強烈對比的手法，寬鬆如棉襖的外套搭配緊身leggings、佈滿蓬鬆毛料的褲款從拿捏著分寸的黑色大衣中迸出，節制與狂放並行，形成饒富趣味的視覺效果。

外套和寬褲，仍然是Phoebe Philo最令人醉心的單品

當然，我們熟悉的Phoebe Philo式Normcore美學也在系列中穿針引線，幾件外著的設計令人夢回Old Céline時期——軍綠色大衣前襟向下隨性垂墜，向上則包覆頸項；長版黑色墊肩大衣，有最基本的直筒版型，也有羊腿袖、傘狀剪裁的有趣變奏。

不過，最令人驚艷的是剪裁略為浮誇的皮革外著——以機車外套的率性為基礎，疊加上更多的鬆份；腰間急遽向內收緊，有點俏皮，也帶點古典歐洲宮廷的服飾意象。

除了大衣，設計長褲（trousers）也是Phoebe Philo的看家本領，就算不是粉絲，也會臣服於她對剪裁的掌握、細節的從容調度。這次最亮眼的是一件厚磅小喇叭褲，其背後融入節制的開衩細節，讓褲子下擺隨行進間隨意擺動；側邊的扣環串連了落地飾片和膝蓋前方的布環，是令人一眼難忘的絕美細節。

遊走於當今與90年代街頭

時尚權威媒體《BoF》的評論家Tim Blanks認為，Phoebe Philo在後Céline時代中的解放，是一則挖掘自身根源的宣言，比如那件拉鍊開到腰線的褲子，讓筆者回想起「20世紀90年代中期，Phoebe和她的一群辣妹在西倫敦閒逛的情景。」或許這也是設計師卸下Old Céline十年時期印象（甚至是包袱）的反叛。

下一季，明年春季見

未來，Phoebe Philo將跳脫現行的時裝週排程，以自己的步調每年發表2大系列，她稱其為「Edits」，而「Edits」之下又分為3個子系列，不會一次完整發布。如果根據這次「A1 Edits」從10月底一路發表至12月的節奏推測，之後的每大「Edits」也會有長達將近兩個月的發布週期，且只會在品牌官網上販售。

放慢步調，其實是Phoebe Philo一直以來做服裝的理想之境，她期待擁有足夠的時間沈澱、生活、與靈感相處後創作，真正創造出雋永臻品。

｜完整系列請見Phoebe Philo官網。

資料參考｜The Cut、BoF