臺北市立美術館（北美館）宣布2023年度重點計畫，展覽規畫囊括北美館策劃的兩檔旗艦展覽：「一一重構：楊德昌」與第13屆台北雙年展、7檔臺灣各世代藝術家個展，以及3檔國際合作展。另為迎接北美館40周年慶，館方亦推出數項特別企畫：向大眾分享文獻與典藏資料庫建置成果；發表促進藝術創生的新型態網絡平臺；召開研討會邀請大家開放討論北美館的下一階段。

年度旗艦展覽：「一一重構：楊德昌」與第13屆台北雙年展

一一重構：楊德昌｜2023.07.22－2023.10.22 【一樓1A、1B展覽室】

展覽由臺北市立美術館與國家電影及視聽文化中心共同主辦，王俊傑館長與國立臺北藝術大學孫松榮教授共同擔任策展人，歷經三年時間由團隊整理與研究楊德昌導演遺留下來各式手稿、文件與檔案，一方面透過五個轉化楊氏創作核心題旨的主題展間，體現這位臺灣導演獨樹一幟的美學精神；另一方面，則結合已故導演彌足珍貴的文物檔案，首次公布於眾。作為臺灣新電影運動開創者之一的楊德昌，其作品對於都市再現、性別權力、政治反思、歷史暴力、社會變遷及多重媒介有著超越時代的洞察力與批判視域，為臺灣電影留下難以被取代的資產。將楊德昌電影世界帶入美術館展陳，乃是對於其名作展開共時性的影音造形，讓觀眾沉浸於電影世界，展開視聽感受。

同時，就歷時性的展映佈局而言，觀眾既會看見也會聽見導演交匯著生命經驗與創作生涯的種種驚艷瞬間。此外，楊德昌在劇情長片之外的許多重要作品，包括四部劇作（《如果》、《成長季節》、《九哥與老七》、《李爾王》）、動畫遺作《追風》及各種手稿等，也計劃在展覽中重現其迷人神采，完滿導演畢生創作軌跡與思想藍圖。展覽開幕時將舉辦國際論壇，展期間國家電影及視聽文化中心將同步舉辦楊德昌電影回顧影展。

2023第13屆台北雙年展｜2023.11.18-2024.03.24【地下樓、一樓、二樓】

展覽由臺灣策展人周安曼（Freya Chou），作家、編輯與教育推廣者穆柏安（Brian Kuan Wood），以及策展人莉姆．夏迪德（Reem Shadid）共同策劃，三人團隊共同製作與創造、有機協作的策展方法學，期能捲動知識與記憶的反芻與再生產，為台北雙年展帶來新的動能。第13屆台北雙年展將以展覽、音樂表演、駐地研究與創作、工作坊等各種敘事及體驗形式的公眾計畫為基礎，聚焦在大型產業外的不同世界，探索日常生活和生存的壓力是如何在超高性能現代機制上翻轉尺度；使尺度經驗複雜化、讓感知處於恆常波動。本屆雙年展希望能帶領觀眾一同重新發現，並訴說某種抒情生命及創造的可能。

臺灣前輩藝術家個展與新生代創作實踐

「何德來回顧展」、「生活決定意識：高重黎」、2020臺北美術獎首獎張碩尹個展「BODO」，以及4檔藝術家個展，北美館將展呈從前輩至新生代藝術家、跨越不同世代的創作！

何德來回顧展｜2023.07.08－2023.10.22 【二樓2A、2B展覽室】

何德來（1904-1986）是日治時期於官展系統之外，另闢個人藝術創作道路的重要藝術家之一。幼時居於新竹苗栗地區，求學期間曾於臺、日兩地學校就讀。平生主要居住生活於日本東京。1927年考入東京美術學校，隨和田英作習畫。畢業後投入推廣繪畫、發展個人創作。何德來對藝術充滿熱情，曾加入七星畫壇、參與共組「赤島社」、「新竹美術研究會」。1958年起擔任日本在野藝術團體「新構造社」重要運營委員至辭世，亦參與「佳德會」、「飛鳥會」等藝術團體，致力推廣繪畫、提攜後進。

何德來的作品真率展現對生命的思考，透過短詩和繪畫創作，表達對造化自然的觀察領悟、對至親摯愛的深情厚意，以及對人類社會廣博的省思關懷。本展梳理藝術家畢生作品，展出各時期部分代表作，結合書法、水彩、素描、短詩、筆記、手稿，期能立體而完整地呈現藝術家開拓個人藝術道路的歷程。

生活決定意識：高重黎｜2023.03.25－2023.06.25 【一樓1A展覽室】

展覽由李威儀策劃，探討感知、影像與歷史的生產活動。透過呈現藝術家的全新創作與系列作品——自1983年起陸續發表的《ASA的N次方》、「光化學機械式活動影像裝置」、「幻燈簡報電影」、「物像書」、「時間的位置」，乃至雕塑、圖像、物件與檔案等，回應第二次工業革命至今的現代性歷程，以及控制社會下形成的集體制約。藉由考掘結合時間流與意識流的影音機器，在顯現我等自身與技術產物的歷史性失聯中，嘗試重新發明現實，創造自身感知、記憶與圖像的生產條件。展名引自馬克思（Karl Marx）與恩格斯（Friedrich Engels）合著《德意志意識形態》（Die deutsche Ideologie）的關鍵名句，反映了藝術家聚焦在唯物史觀下的批判論題——對於影音工業生產與自體感知經驗的鬥爭，以及對於「物」的成像史之關注。

臺北美術獎2020年首獎展 BODO—張碩尹個展｜2023.03.11－2023.06.04【地下樓E、F展覽室】

本展展名來自黃明川導演於1993年執導的《寶島大夢》，如同電影中所刻畫的怪誕夢境與虛實交錯的性慾，藝術家張碩尹從個人經驗出發，描寫其海軍陸戰隊軍旅中，處在熱帶叢林中男性世界裡的奇想、慾望、與暴力，藝術家並藉此探討所謂「男人」之抽象概念、如何在迷彩服與殺人工具中一步步操演而成為一社會真實。展覽結合現地製作、多重敘事、互動科技、與多頻道聲音，將美術館轉換成一混合現實與虛擬的自動劇場，在其中，觀眾所行走之路線、所做之選擇都將影響故事之進行，在此複雜的多線故事當中，觀眾如同一場「角色扮演遊戲」的參與者，每個人之觀看經驗都因其在冒險路徑上的選擇，而成為獨特、彼此不同的存在。

TFAM年度個展：王耀億、施懿珊、張永達、饒加恩｜2023.07.15－2023.10.08 【三樓3A、3B展覽室】

王耀億個展「最後一人、越南士兵、遊客、阿遠、獵人和遊手好閒者」由六件錄像組成，主題圍繞冷戰離散與全球化移動的家族史，利用擱淺於戰爭回憶、國家圖幟、臺灣新電影等集體潛意識和個人記憶，成為建構自我認同的關鍵。施懿珊個展「數位孿生技術下的未來判罰形式」透過一套架空於近未來世界的判罰程序、一個與機器共治的介面，以及藝術行為與藝術行動參與，來達成相關議題探討。張永達個展「Without Composing」嘗試釋出創作者對作品的絕對控制權，任由來自宇宙中的無形放射性粒子，以無法預測的方式運動與衰變，形成人工智慧的電腦程式所無法比擬的隨機，藉此探討隨機的真正本質。饒加恩個展「勞道爾收藏」延續與人類動物園文獻收藏者克雷蒙‧勞道爾（Clemens Radauer）的合作，重建關於影像、展示機制與發言權的敘事架構。本次個展以英國、維也納、日本、臺灣的帝國遺留物出發，使之與今日的日常相互對話。

三檔國際合作展，囊括攝影、錄像裝置、雕塑

2023年北美館亦帶來三檔國際合作展：瑞士攝影大師勒內．布里（René Burri）回顧個展、比利時錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）個展，以及主題展覽「未來身體：超自然雕塑」。

勒內．布里：視覺爆炸｜2023.03.18－2023.06.18 【三樓3A、3B展覽室】

瑞士攝影大師、馬格蘭攝影通訊社成員勒內．布里（René Burri），為當代最具影響力的攝影師之一。無論是在古巴拍下了革命領袖切．格瓦拉（Ernesto Guevara）叼著雪茄的標誌性照片，抑或是 1957 年和畢卡索相遇為他拍下了紀念性的系列肖像，又或是紀錄 1960 年代起步建設的巴西首都巴西利亞及同時期的中國北京，布里皆以黑白影像展現了視覺的政治性以及二十世紀的重大文化事件。展覽除呈現多張他的經典作品外，更加入了許多來自洛桑艾麗舍攝影博物館（Photo Elysée）、布里基金會（Burri Foundation），以及巴黎與紐約馬格蘭攝影通訊社中的檔案文件，試圖翻轉以事件或作品內容為主體之影像展出，而是讓攝影家個人成為論述中心、事件的匯聚點，期能為當代觀者提供一個全新的觀看視角。本展預計展出500餘件作品與文件檔案，包含原版古董照片、印樣、筆記、素描、書籍、書信等。

大衛．克拉耶伯個展｜2023.04.01－2023.06.25 【一樓1B展覽室】

錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）1969年出生於比利時科瑞克（Kortfijk），畢業於安特衛普皇家藝術學院（Royal Academy of Fine Arts in Antwerp）及阿姆斯特丹皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）。克拉耶伯最初接受的是繪畫訓練，以其結合攝影、錄像、聲音及數位技術之創作聞名。透過對於動態和靜態、時間和速度以及聲音的操控與實驗，鬆動傳統視覺媒介界線，在其影像畫面中挹注多層次的時間性。克拉耶伯曾參與2004年台北雙年展展出，本次個展精選呈現自1996年以來創作之大型錄像作品，搭配系列繪畫手稿，運用展場獨特挑高空間，建構有別以往的觀展體驗。  

未來身體：超自然雕塑｜2023.02.18－2023.06.04【二樓2A、2B展覽室】

本展覽探討人類世時代裡人體的未來；生物基因在未來科技發展之下，人類得以對所有生物進行存在性修正。身體在未來將會是什麼型態？我們將會是「誰」或者是「什麼」？而我們又將生活在什麼樣環境之中？展覽透過超寫實與寫實雕塑作品，針對上述疑問，提出可能的答案。創新的科技對於現代雕塑影響甚鉅，藝術家透過3D 列印技術完善製作過程，將雕塑創作界線擴展至機器人和生物合成技術層面，藝術家藉此打開人工製品、生物和科技上擴展新設計的可能性。這些具有前瞻性的作品不僅應證了數位演進和基因工程在「後人類」和環境上的影響，同時也說明這些混合性創作，是如何日漸模糊自然、科學與文化之間的界線。本次展覽共分為、「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」及「科技 人類 變體」四大主題，分別探討混種生命體、基因轉殖生物、未來人類與機器人及科技對生活的影響等議題。

北美館40周年慶特別企畫，分享歷年積累、激盪前瞻視野

迎接40周年慶，北美館將推出經多年建置的線上資料庫與藝術家主題網頁，與大眾分享豐碩的工作成果；同時，為呼應未來北美館新館朝向新類型跨域或混種藝術創生的平臺角色，將啟動新型態網絡計畫；此外，將與中華民國博物館學會合辦國際研討會，共同激盪北美館的下一個想像與動向。

推線上資料庫與藝術家主題網頁

北美館開館以來積累各種刻劃當代藝術發展脈絡與軌跡的珍貴文獻與檔案，館方首先針對開館前10年規劃建置「1983-1994展覽資料庫」，將當時所執行的展覽、研究與教育推廣活動等相關檔案進行數位化，總計10年來共辦理665項展覽，呈現北美館走過營運摸索期，逐步實現成為「現當代美術館」的歷程。繼7月的何德來回顧展後，12月亦將推出「藝術家特藏：何德來」主題網頁，將家屬何騰鯨所捐贈的藝術家畢生創作百餘件作品，以及另一批甚少曝光的書法、素描、版畫，以及筆記、書信等文獻資料，進行數位化與資料詮釋綜整，讓大眾深入且全面地閱讀這位獨特藝術家，其生命歷程、生死觀與藝術創造的共振，以提供臺灣藝術史更多元的研究視角。

啟動新型態網絡計畫

新型態網絡計畫「TFAM NET.OPEN」為跨類型藝術作品的線上展出平臺，配合不定期的虛擬與實體系列公眾活動，來回應當代科技社會對實體空間以外的想像。此計畫以「Net and networking」的概念為核心，不僅開放性地涵蓋各類創作領域以對應不斷變革進化的網絡生態，也藉此深化美術館與其他策展人及藝術機構之間的共創合作，首波預計邀請數位領域的國際策展人策劃。「美術館新視野：臺北市立美術館40週年國際研討會」預計於2023年10月4日至6日舉辦，針對當代美術館所面臨的挑戰與契機，以三大主題進行討論：「美術館與觀眾：少子女化與高齡化社會帶來的挑戰」、「美術館與區域再造」、「美術館與城市意象」。目前已開放徵稿，預計於2023年3月31日截止，詳細資料與相關說明請參考北美館官網活動網頁。

資料提供｜北美館

文字整理｜Adela Cheng

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}