2020東京奧運開幕典禮，讓許多觀眾想起日本老牌節目《超級變變變》的競賽動態圖標，以及在新國立競技場上空熠熠閃爍的無人機演出，幕後操刀者皆為井口皓太。這位 1984 年出生的動態設計師，已是 Nike、ISSEY MIYAKE、Disney 等國際品牌相爭合作的對象。他如何在時間裡賦予設計生命？對他而言什麼才是好的動態設計？

畢業於日本私立美術大學名門「武藏野美術大學基礎設計學系」，最初井口皓太的目標其實是成為平面設計師。點開基礎設計學系的網站，首頁開宗明義地寫著「設計無法被分割」，強調跨領域、不受既有框架束縛的教學理念。這也讓他在學期間接受科學、藝術與哲學思考訓練，由更為廣闊的視角俯瞰設計，萌生了離開平面藝術領域的念頭。「一來是因為時代趨勢改變，設計媒介由紙張逐漸轉向數位螢幕。二來是透過基礎設計學系的課程，讓我意識到比起走上前人開拓的道路，自己更適合挑戰新的局面。」他找到的解答便是動態圖像，為了探索影像體驗方式，還拿著廉價的投影機，到處投影自己的影像作品。「動態圖像由平面藝術延伸而出，在時間與空間維度上有更大的自由與可能性。」

跳脫既有設計和公司組織框架

這股不安於室的心情也反映到校園之外。大學時期的他，看著同儕進入企業就職、在社會框架裡從事設計工作，時常對此抱持抗拒，產生了想要突破既有設計產業結構的念頭。他召集其他美術大學學生一起組成設計團隊，時而製作影像 DVD、時而擔任展覽總監，進而一同創業成立公司「TYMOTE」。不透過廣告代理商居中協調，井口皓太強調TYMOTE總是直接面對客戶，並且從多樣的角度進行設計與產出。例如2014年與ISSEY MIYAKE合作的企劃「message」，將三宅一生的限定商品排列組合成字母A到Z，並以此一主視覺延伸而出動態圖像、短片，甚至一手主導店面櫥窗設計。

2017年成員決意各自獨立發展後，TYMOTE也隨之解散。井口皓太說，TYMOTE的經驗讓他體悟到以固定成員執行設計企劃案的限制，「雖然TYMOTE試圖以多元觀點進行設計、產出，但真正需要的是突破公司體制，自由地串連起各種才能、技術的網絡組織。」因此在TYMOTE解散前，井口皓太成立了「CEKAI」，試圖解決他在TYMOTE感受到的矛盾。 

CEKAI網羅了執行設計企劃時所需的各種要角，除了設計師，製作人、經理人等角色亦活躍其中。人員配置上十分貼近業界現狀，但不同的是，CEKAI裡的成員並不受到組織制度束縛，各自因為不同的企劃一同集結，任務完成便分開。他說，彼此唯一的共通目標只有「提供好的設計、提供設計師好的環境」。目前CEKAI在日本和美國都有分部，不禁好奇他要如何領導這樣自由的組織？「我在裡頭並不扮演領導角色。我所做的只有拋出創 意發想、召集成員們集思廣益、埋頭做出讓人驚嘆的作品，並持續做好這些事而已。」他也提到，「CEKAI不是為了某個特定目的而集結的組織，而是每個創意人各自帶著不同的問題意識聚集在一起的場所。」

從文字設計到大型 3D 戶外廣告

在井口皓太的眾多作品中，「kanji city」是經常被提及的。4分鐘的動畫裡，不停向後流動的影像陸續出現「木」、「川」、「石」、「寺」等細長文字，這些漢字的象形文字化身為街景，拼湊出京都的城市樣貌。這部動畫同時詮釋了漢字的歷史底蘊及日本街道空間的構成，獲得英國D&AD及紐約ADC等獎項。他提到，D&AD的評審曾對他說：「亞洲設計師的作品都帶有一種美感，但對外國人而言，往往很難理解那些作品來自什麼文化背景、又具有什麼意義。不過透過『kanji city』這個作品，我第一次從視覺上領悟了漢字的美妙。」這番話帶給他相當大的衝擊，當時年僅20多歲的他一心力求表現，認為自己的設計「懂的人自然就懂」，但評審的評語讓他體悟到設計「簡單易懂」的重要。

有趣的是，「kanji city」雖然廣受海外好評，但報名日本國內設計獎項卻全軍覆沒。也就是說，同樣的作品放在熟悉漢字的國家之中，所接收到的驚喜與體驗感大幅被削弱。「什麼是讓日本人也信服的文字動態設計？」他拋出的回答是和字體設計師大原大次郎合作的音樂錄影帶「everything but the love」。影片從頭到尾皆由白底黑字的動態歌詞組成，舞動的文字與高速切換的畫面，讓人直觀性地感受到漢字的力與美，最終也獲得東京TDC賞肯定。

井口皓太長年來亦與許多品牌合作，其中Nike是CEKAI從創始初期合作至今的夥伴。從最一開始的動態Logo、短片製作、活動企劃，到近期甚至參與了Nike鞋款的設計。之所以能長期合作至今，他認為原因或許出於Nike「JUST DO IT!」的精神和CEKAI一拍即合。他說，在和Nike的會議中經常出現「work in progress」一詞，雙方比起成品更重視製作過程，也促成了日後「ateliair」企劃的誕生——在涉谷開設期間限定的工作室，邀請藝術家、音樂家在其中進行公開創作，讓「製作過程」本身成為一件作品、展演。

今（2022）年他更為Nike Air Max系列，首度嘗試了3D動態廣告，走出新宿車站東口，一抬頭便可看到巨大的鞋盒與繽紛的球鞋設計。對於3D戶外廣告所引起的熱烈討論，他認為這只是影像跳脫平面的過程之一。「LED螢幕未來會變得更加立體，甚至廣告螢幕本身會動起來也說不定。影像不再單純是有限區塊中被凝視的平面，會變得更物質性、更富有體驗性。」

在東京奧運展開動態設計維度

2020東京奧運又是截然不同的挑戰。在東奧籌備期間，他收到了競賽圖標的動態圖像設計委託。73 個競賽圖標由廣村正彰設計，向1964年東京奧運首次引入的靜態圖標致敬。為此，井口皓太重新研究1964東奧的圖標設計，理解當時的歷史背景、設計緣由後，以「出現」、「靜止」、「消失」3 個步驟，初步賦予靜止的圖標躍動的生命力。設計過程來回花費一年，他解釋，73個競賽圖標是一個群體，為了保持視覺一致性，若是改變其中某一個圖標的製作方法，就必須回頭調整所有已經完成的圖標；進入最終階段時，必須將作品交由各個競技團體逐一確認動作是否有不自然之處，收到修正後得再逐一反覆調整。「為了讓圖標的『個體』與『群體』皆能同時成立，整個過程從頭到尾不斷地修正、嘗試錯誤。」

而在東京奧運開幕式中他還有另一項挑戰——擔綱無人機演出的視覺總監。井口皓太臨時肩負下這個任務，他求教東京奧運會徽設計者野老朝雄後，最終決定讓無人機化身為120面體的球體，拼湊出大會會徽的「市松」紋樣後再變化為地球的形狀。他說，準備過程只能透過電腦CG模擬，很難實際想像現場的規模，到大會前一晚的彩排都懷抱著不安。最終無人機演出順利成功，感動之餘，井口皓太意識到這也是動態設計邁向下一個階段的關鍵瞬間。「我一直將動態設計定義為『伴隨時間體驗的設計』。也就是說，動態圖像不只是操作液晶顯示器裡的像素，而是伴隨著時間推移、具有動能的存在。無人機演出當然也是動態設計的一環，若把定義擴大到食衣住行等生活領域上，所有伴隨著時間的體驗，未來或許都可以稱為動態設計也說不定。」

創造撼動人心的時間體驗

社群時代下，動態儼然成為相當吸睛的設計手法，也引人思考何謂好的動態設計。井口皓太說，自己在製作視覺圖像時，始終留意如何巧妙地運用「時間」。參與東奧競賽動態圖標時，廣村正彰曾形容井口皓太是在「瞬間冷凍」運動選手們的動作。他解釋，製作動態圖像時就像是在保持畫作的「鮮度」，稍作「解凍」後再進行「調理」，這也是動態圖像製作者獨有的思考模式。而他操刀的視覺圖像多數都是不停循環的動畫，「沒有起點、終點，觀眾可以在任何時候開始觀看或移開視線。也就是說視覺圖像本身伴隨了時間，是一個永無止息的動態。」他也說明，在這個大眾注意力分散的時代，透過動畫、影像完整地向觀眾敘事的難度確實日漸增加。但追求美、期待與刺激的心情是人類普世價值，設計師該關注的不是一味嚮往新穎科技、奇特表現方式，重要的是回歸本質，不畏失敗地創造出撼動人心的設計。

井口皓太 Kota Iguchi 

1984年生，動態圖像設計師/創意總監，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。活躍於動態設計領域，身分包含動態圖像設計師、影像執導，善於組織團隊合作型的設計企劃案。曾獲東京TDC、英國D&AD Yellow pencil、紐約ADC金獎等。也擔任京都藝術大學客座教授、武藏野美術大學講師。 kotaiguchi.jp

企劃｜張以潔

文｜廖怡鈞

圖片提供｜井口皓太 Kota Iguchi

更多精彩專題，請見 La Vie 2022/8月號《職人與他的工具》

與2025米蘭設計週同步登場的「24 Hours」計畫中，時間變成了一種可被觸碰、想像，甚至玩味的物件——由24組風格迥異的國際設計師所詮釋的24款掛鐘，打破對於「報時」的既定印象，也重新定義了設計的形式與功能。

24組設計師、24款創意時鐘

「24 Hours」由設計工作室Jamie Wolfond Studio策劃與執行，共邀請24組國際設計師參與。這些設計師在創意的光譜上各據一方，有人以研究為本、有人注重形式、有人偏好手作⋯⋯而他們收到的任務很簡明扼要：「製作一款可壁掛的時鐘，其尺寸必須能裝入一個邊長50公分的立方盒子中。」

這24個掛鐘的設計跨越不同時代與風格，把「時間」轉換成流動而靈活的元素，並邀請觀眾重新思考設計與實用性之間的關係。2025米蘭設計週期間，「24 Hours」將於藝文空間RIVIERA展出，由創意工作室Simple Flair策展，讓觀眾一覽這24個獨一無二的時鐘。以下精選了其中8款獨具特色與設計巧思的時鐘，一起來看看吧！

▸ Wrist to Wall

設計師：Chris Kabel

現在很少有人依靠手錶來看時間了。為了善用這些被淘汰的手錶，設計師發明了一個配置掛勾的放大鏡，讓使用者把舊手錶掛在牆上，透過放大鏡觀看錶面。讀取時間這件事從手腕移到了牆面，如同從私人轉變為公共的存在。

▸ Final Sale

設計師：Jamie Wolfond

這款時鐘由收據機（微型印表機）改裝而成，它每分鐘列印一次當前的日期與時間，並任其拋落在地上。而一旁閃爍的燈光，則顯示秒數的流逝。「Final Sale」每天列印1,440張收據、一週列印10,080張，每張收據皆獨一無二，快速堆積在時鐘下方。

▸ 24-hour Clock (Manual)

設計師：Sam Newman

這是一本共1,440頁的筆記本，每頁都有60個格子，對應一整天24小時內的每一秒。使用者需要像時鐘一樣，每秒在格子上打勾記錄時間。而為了保持時間精準，打勾的行為行為將全然佔據思緒、甚至帶有強迫性，最終浪費掉大量時間。

▸ Real Time

設計師：Sina Sohrab

這款時鐘由四個螢幕組成，輪播著全球約200個監視器的即時影像，包含從紐約的電梯到米蘭的教堂祭壇，從突尼西亞的服飾店到日本大阪的工廠，從印度阿布山的冥想室到峇里島的理髮店等。每個監視器畫面上的時間戳記成為「即時性」的證明；而觀看世界各地缺乏敘事性的畫面，就像是用某種抽象的方式追蹤時間的流逝。

▸ Time by Crayon

設計師：Shigeki Fujishiro

這款時鐘概念源自於設計師曾看過的一種玩具，裡面有球狀的蠟筆在盒中滾動，在底部畫出一幅圖像；隨著圖案逐漸加深，球體也越變越小。「Time by Crayon」將球狀蠟筆置於圓形框中，沿著邊緣不停地滾動，畫出越來越深的線條，象徵時間的流逝。

▸ Pendulum

設計師：Shane Schneck

尼采曾說過「時間本身就是一個圓」。他假設時間不是線性的，而是循環的，而人類所經歷的每個快樂、痛苦與喜悅，將不斷重演。這款時鐘使用舊平板電腦進行遠端編碼，呈現出觀眾所看到的畫面：最大的一圈顯示24小時制時間，而鐘擺每秒擺動一次，如同數位時代的布穀鳥鐘一般。這款時鐘不僅回應了尼采的理論，也向觀眾展現了電子垃圾的循環利用。

▸ Ravioli with butter and sage clock

設計師：Chris Fusaro

靈感源自於北義大利經典料理「奶油鼠尾草義大利餃」（ravioli con burro e salvia），這件作品以陶瓷盤為底，邊緣的紋飾作為12、3、6、9點標示，指針由兩片鼠尾草葉組成，而義大利餃則靜置於盤中，閃著奶油包裹的金黃色澤。此外，這些義大利餃皆由傳統的脫蠟鑄造（cera persa）技術製成，將工藝與飲食文化相結合。

▸ Belle

設計師：Studio Œ

「Belle」的靈感來自古老時代的報時方式。在多數人家中沒有時鐘的年代，人們依賴教堂鐘聲等聲音掌握日常生活節奏，用以區分工作時間、用餐與社交聚會等。在鬧鐘普及之前，還有一種職業叫做「敲窗人」（Knocker-uppers），他們會用吹管朝住戶的窗戶射出豌豆，叫醒早班工人。而這款「Belle」便是透過聲音引導使用者，每過15分鐘，它會模仿豌豆撞擊表面的聲音來報時。

曾經矗立於舊金山Twitter（現名X）總部大樓外的經典藍鳥Logo，近期以35,000美元被拍賣售出。這隻充滿代表性的藍鳥有一個親切的名字「Larry」，命名自紀念波士頓塞爾提克隊的籃球傳奇Larry Bird。作為Twitter長達16年的品牌吉祥物，它見證了社群媒體的黃金時代，直到2022年伊隆·馬斯克（Elon Musk）收購並重整該公司。

它是社群媒體發展史的印記

負責本次交易的拍賣行RR Auction表示，這個招牌不僅僅是一件大樓裝飾品，更是名留社群媒體歷史的經典：「Twitter的Logo象徵著世界的快速變遷。擁有它，就像擁有了一段改變國際溝通方式的時代印記。」

自伊隆·馬斯克將Twitter重新命名為「X」，並大規模改革該平台後，其無論是在品牌價值或市場評價上，都陷入一片慘淡。沒有了深植大眾心中的藍鳥Logo與品牌名稱，令品牌價值嚴重受挫，其負面影響也逐漸顯露。

千中選一、15個圓形組成的藍鳥

其實，經常性更換Logo是科技公司的常態，Twitter則是少數的例外。沿用了十多年的這隻藍鳥，究竟蘊含什麼樣的設計巧思，能緊緊扣合品牌形象，與全球社群媒體的使用者產生共鳴？

名為「Larry」的藍鳥，由藝術家兼設計師Martin Grasser繪製，當時他才從藝術學校畢業不久，因緣際會進入一家新創設計公司West工作，入職第一項任務便是為Twitter設計Logo。為了找到最合適的鳥類，Martin Grasser花了許多時間觀看鳥類飛行影片，從冠藍鴉、麻雀到老鷹，最後選定以蜂鳥作為設計雛形。

專案進行期間，Martin Grasser沉迷於鳥類研究，諸如鳥類的翅膀比例、頭部與喙的曲線等細節都幾經琢磨，甚至在工作時播放亞馬遜雨林的鳥鳴聲作為背景音樂。不僅如此，為尋求完美的造型，Martin Grasser共繪製了上千隻不同姿態的鳥，才選出最終版本。

大眾所看見的成果，是一個線條比例勻稱的俐落設計，由15個大小不同的正圓形組成。在《Fast Company》的專訪中，Martin Grasser表示：「在Logo設計中，如此小的圖像需要重複性的形狀與結構，才不會顯得太雜亂，且更容易被人眼識別。」除了美學考量，這些圓形也代表著視覺的中立性，讓嚴肅新聞或娛樂影音、歡樂或悲傷的內容都能在Twitter上傳遞。此外，該標誌還承載著更深層的意義，象徵Twitter創辦時的核心理念——讓資訊民主化、讓每個人都擁有發聲的機會。

如今，這隻經典藍鳥早已隨品牌改革成為歷史，卻仍在使用者心中留存鮮明的印象。

^{資料來源｜Martin Grasser、Fast Company}