2020東京奧運開幕典禮，讓許多觀眾想起日本老牌節目《超級變變變》的競賽動態圖標，以及在新國立競技場上空熠熠閃爍的無人機演出，幕後操刀者皆為井口皓太。這位 1984 年出生的動態設計師，已是 Nike、ISSEY MIYAKE、Disney 等國際品牌相爭合作的對象。他如何在時間裡賦予設計生命？對他而言什麼才是好的動態設計？

畢業於日本私立美術大學名門「武藏野美術大學基礎設計學系」，最初井口皓太的目標其實是成為平面設計師。點開基礎設計學系的網站，首頁開宗明義地寫著「設計無法被分割」，強調跨領域、不受既有框架束縛的教學理念。這也讓他在學期間接受科學、藝術與哲學思考訓練，由更為廣闊的視角俯瞰設計，萌生了離開平面藝術領域的念頭。「一來是因為時代趨勢改變，設計媒介由紙張逐漸轉向數位螢幕。二來是透過基礎設計學系的課程，讓我意識到比起走上前人開拓的道路，自己更適合挑戰新的局面。」他找到的解答便是動態圖像，為了探索影像體驗方式，還拿著廉價的投影機，到處投影自己的影像作品。「動態圖像由平面藝術延伸而出，在時間與空間維度上有更大的自由與可能性。」

跳脫既有設計和公司組織框架

這股不安於室的心情也反映到校園之外。大學時期的他，看著同儕進入企業就職、在社會框架裡從事設計工作，時常對此抱持抗拒，產生了想要突破既有設計產業結構的念頭。他召集其他美術大學學生一起組成設計團隊，時而製作影像 DVD、時而擔任展覽總監，進而一同創業成立公司「TYMOTE」。不透過廣告代理商居中協調，井口皓太強調TYMOTE總是直接面對客戶，並且從多樣的角度進行設計與產出。例如2014年與ISSEY MIYAKE合作的企劃「message」，將三宅一生的限定商品排列組合成字母A到Z，並以此一主視覺延伸而出動態圖像、短片，甚至一手主導店面櫥窗設計。

2017年成員決意各自獨立發展後，TYMOTE也隨之解散。井口皓太說，TYMOTE的經驗讓他體悟到以固定成員執行設計企劃案的限制，「雖然TYMOTE試圖以多元觀點進行設計、產出，但真正需要的是突破公司體制，自由地串連起各種才能、技術的網絡組織。」因此在TYMOTE解散前，井口皓太成立了「CEKAI」，試圖解決他在TYMOTE感受到的矛盾。 

CEKAI網羅了執行設計企劃時所需的各種要角，除了設計師，製作人、經理人等角色亦活躍其中。人員配置上十分貼近業界現狀，但不同的是，CEKAI裡的成員並不受到組織制度束縛，各自因為不同的企劃一同集結，任務完成便分開。他說，彼此唯一的共通目標只有「提供好的設計、提供設計師好的環境」。目前CEKAI在日本和美國都有分部，不禁好奇他要如何領導這樣自由的組織？「我在裡頭並不扮演領導角色。我所做的只有拋出創 意發想、召集成員們集思廣益、埋頭做出讓人驚嘆的作品，並持續做好這些事而已。」他也提到，「CEKAI不是為了某個特定目的而集結的組織，而是每個創意人各自帶著不同的問題意識聚集在一起的場所。」

從文字設計到大型 3D 戶外廣告

在井口皓太的眾多作品中，「kanji city」是經常被提及的。4分鐘的動畫裡，不停向後流動的影像陸續出現「木」、「川」、「石」、「寺」等細長文字，這些漢字的象形文字化身為街景，拼湊出京都的城市樣貌。這部動畫同時詮釋了漢字的歷史底蘊及日本街道空間的構成，獲得英國D&AD及紐約ADC等獎項。他提到，D&AD的評審曾對他說：「亞洲設計師的作品都帶有一種美感，但對外國人而言，往往很難理解那些作品來自什麼文化背景、又具有什麼意義。不過透過『kanji city』這個作品，我第一次從視覺上領悟了漢字的美妙。」這番話帶給他相當大的衝擊，當時年僅20多歲的他一心力求表現，認為自己的設計「懂的人自然就懂」，但評審的評語讓他體悟到設計「簡單易懂」的重要。

有趣的是，「kanji city」雖然廣受海外好評，但報名日本國內設計獎項卻全軍覆沒。也就是說，同樣的作品放在熟悉漢字的國家之中，所接收到的驚喜與體驗感大幅被削弱。「什麼是讓日本人也信服的文字動態設計？」他拋出的回答是和字體設計師大原大次郎合作的音樂錄影帶「everything but the love」。影片從頭到尾皆由白底黑字的動態歌詞組成，舞動的文字與高速切換的畫面，讓人直觀性地感受到漢字的力與美，最終也獲得東京TDC賞肯定。

井口皓太長年來亦與許多品牌合作，其中Nike是CEKAI從創始初期合作至今的夥伴。從最一開始的動態Logo、短片製作、活動企劃，到近期甚至參與了Nike鞋款的設計。之所以能長期合作至今，他認為原因或許出於Nike「JUST DO IT!」的精神和CEKAI一拍即合。他說，在和Nike的會議中經常出現「work in progress」一詞，雙方比起成品更重視製作過程，也促成了日後「ateliair」企劃的誕生——在涉谷開設期間限定的工作室，邀請藝術家、音樂家在其中進行公開創作，讓「製作過程」本身成為一件作品、展演。

今（2022）年他更為Nike Air Max系列，首度嘗試了3D動態廣告，走出新宿車站東口，一抬頭便可看到巨大的鞋盒與繽紛的球鞋設計。對於3D戶外廣告所引起的熱烈討論，他認為這只是影像跳脫平面的過程之一。「LED螢幕未來會變得更加立體，甚至廣告螢幕本身會動起來也說不定。影像不再單純是有限區塊中被凝視的平面，會變得更物質性、更富有體驗性。」

在東京奧運展開動態設計維度

2020東京奧運又是截然不同的挑戰。在東奧籌備期間，他收到了競賽圖標的動態圖像設計委託。73 個競賽圖標由廣村正彰設計，向1964年東京奧運首次引入的靜態圖標致敬。為此，井口皓太重新研究1964東奧的圖標設計，理解當時的歷史背景、設計緣由後，以「出現」、「靜止」、「消失」3 個步驟，初步賦予靜止的圖標躍動的生命力。設計過程來回花費一年，他解釋，73個競賽圖標是一個群體，為了保持視覺一致性，若是改變其中某一個圖標的製作方法，就必須回頭調整所有已經完成的圖標；進入最終階段時，必須將作品交由各個競技團體逐一確認動作是否有不自然之處，收到修正後得再逐一反覆調整。「為了讓圖標的『個體』與『群體』皆能同時成立，整個過程從頭到尾不斷地修正、嘗試錯誤。」

而在東京奧運開幕式中他還有另一項挑戰——擔綱無人機演出的視覺總監。井口皓太臨時肩負下這個任務，他求教東京奧運會徽設計者野老朝雄後，最終決定讓無人機化身為120面體的球體，拼湊出大會會徽的「市松」紋樣後再變化為地球的形狀。他說，準備過程只能透過電腦CG模擬，很難實際想像現場的規模，到大會前一晚的彩排都懷抱著不安。最終無人機演出順利成功，感動之餘，井口皓太意識到這也是動態設計邁向下一個階段的關鍵瞬間。「我一直將動態設計定義為『伴隨時間體驗的設計』。也就是說，動態圖像不只是操作液晶顯示器裡的像素，而是伴隨著時間推移、具有動能的存在。無人機演出當然也是動態設計的一環，若把定義擴大到食衣住行等生活領域上，所有伴隨著時間的體驗，未來或許都可以稱為動態設計也說不定。」

創造撼動人心的時間體驗

社群時代下，動態儼然成為相當吸睛的設計手法，也引人思考何謂好的動態設計。井口皓太說，自己在製作視覺圖像時，始終留意如何巧妙地運用「時間」。參與東奧競賽動態圖標時，廣村正彰曾形容井口皓太是在「瞬間冷凍」運動選手們的動作。他解釋，製作動態圖像時就像是在保持畫作的「鮮度」，稍作「解凍」後再進行「調理」，這也是動態圖像製作者獨有的思考模式。而他操刀的視覺圖像多數都是不停循環的動畫，「沒有起點、終點，觀眾可以在任何時候開始觀看或移開視線。也就是說視覺圖像本身伴隨了時間，是一個永無止息的動態。」他也說明，在這個大眾注意力分散的時代，透過動畫、影像完整地向觀眾敘事的難度確實日漸增加。但追求美、期待與刺激的心情是人類普世價值，設計師該關注的不是一味嚮往新穎科技、奇特表現方式，重要的是回歸本質，不畏失敗地創造出撼動人心的設計。

井口皓太 Kota Iguchi 

1984年生，動態圖像設計師/創意總監，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。活躍於動態設計領域，身分包含動態圖像設計師、影像執導，善於組織團隊合作型的設計企劃案。曾獲東京TDC、英國D&AD Yellow pencil、紐約ADC金獎等。也擔任京都藝術大學客座教授、武藏野美術大學講師。 kotaiguchi.jp

企劃｜張以潔

文｜廖怡鈞

圖片提供｜井口皓太 Kota Iguchi

更多精彩專題，請見 La Vie 2022/8月號《職人與他的工具》

點進Lucid Colour官網，作品一字排開是NewJeans、TWICE、SEVENTEEN、G-DRAGON、aespa等歌手的MV，以及SAMSUNG、LG、Hyundai等品牌廣告，很難不注意到這間調光公司的光芒。我們專訪到Lucid Colour調光師廉智允，以韓團MV為案例親解工作方法，也分享身為調光師的美感養成！

Lucid Colour團隊由4位調光師帶領著15名組員，並有2位製片和經理管理時程和營運，可謂足具規模。調光師廉智允分享，自己在大學時修習攝影和電影，而攝影通常得負責執導、燈光、後期製作等所有工作，其中她最感興趣的是「修圖」，想著「與其把這項技術應用在單張照片，不如嘗試用在由無數畫格組成的影片，應該會很有趣。」這樣的好奇，引領著她走向調光領域。

從關鍵鏡頭決定主要色調

廉智允分享調光師的工作流程，他們會收到定剪版本，以確保作業的時間線和定剪保持一致。「我們會根據空間中的關鍵鏡頭決定主要色調方向，每個空間確定色調後，再依據這些色調對整部影片做調光。」和客戶開會時，她會根據導演的參考資料、歌曲的情緒、影片的整體內容，以及自己想透過顏色表達的訊息，提出多種色調選擇。「如果客戶希望審查每一幀畫格、每一個鏡頭，會議可能會長達8小時，但有時30分鐘內就能達成共識。」廉智允進一步說明，調光師通常不參與前期製作，但有時會需要介入特效或拍攝的意外狀況，「例如一件應該是粉紅色的衣服，最終拍出來變成橘色，我們可能會被詢問是否可以修正。」

NewJeans〈HOW SWEET〉MV：先理解鏡位意圖

NewJeans於台灣拍攝的〈HOW SWEET〉MV，就是由廉智允負責調光。她說，在調光之前得先理解導演的意圖，MV裡的各種鏡位代表「外部視線」，象徵「世界上的一切都在注視著NewJeans！」她坦言，最初和導演討論時，背景與人物之間的「異質感」調性，很好地傳達演出重點，但當影片逐步推進，「最終調性比最初設想稍微弱了些，讓我有點遺憾。」

TWICE〈Strategy〉MV：最大限度展現成員的美

TWICE最新專輯主打歌〈Strategy〉MV調光也出自她手，廉智允說，MV概念著重每位成員的「視覺」和「美」，「得知導演的概念後，了解到TWICE雖然出道已久，但從未拍攝過此種概念的MV。因此我使用清晰的色彩，最大程度地展現成員們的美。」

SEVENTEEN〈消費期限〉、〈MAESTRO〉MV：多元調性以免局限導演風格

而SEVENTEEN的〈消費期限〉、〈MAESTRO〉等多支MV均由同位導演執導，也皆由Lucid Colour調光。對此廉智允表示，多次和同位導演合作會讓過程更順暢，但「我會努力展現新的調性和多樣性，以避免導演的作品風格被局限於單一氛圍。」

調光美感養成：分析生活中的空間並記住細節

調光固然得兼具技術與藝術，若得擇其一，廉智允認為藝術更為重要，因技術可以透過方法學習，藝術更仰賴繪畫、攝影、電影等不同媒材的接觸，以及旅行、戀愛、品嚐美食、購物等個人經驗的汲取。因此她會有意識地分析生活中的空間，「我會努力記住細節，再將這些細節與拍攝氛圍結合，應用到工作中。」

廉智允認為，調光是「將無形的概念或想法，以視覺方式具體化」的工作，有時導演想像中的夕陽是粉紫色，而她作為調光師所想的卻是黃色和紅色，這時如何透過溝通達到每個人都滿意的結果，就至關重要。她希望未來能嘗試一種工作方法，讓每個人針對同一個場景調光，並討論色調差異，「這會很有趣，且可以發現我未曾想到的細節。」

至於光是什麼的大哉問，廉智允首先提及光在調光工作的關鍵角色，不同種類的光與色溫，會直接改變影像色彩；想營造特定氛圍、強調某些訊息，也都源自對光的理解與掌握。「如果以料理來比喻的話，作為『色彩廚師』，光對我來說就像是『鹽』。」她說，鹽運用得好或壞，會直接影響食物味道，而光之於影像作品，就是這樣的關鍵元素。

廉智允

Lucid Colour調光師。Lucid Colour為專精於調光的韓國後期製作公司，命名源自「lucid dream」（清醒夢），期望提升影像的精緻和精準度，模糊現實與想像的界限。廣告產業常常受到現實主義的引領，但Lucid Colour的調光師們皆是理想主義者，追求商業領域的純粹藝術表現。創作領域包括廣告、MV、串流平台影視等等。IG：lucidcolour.official

_{文｜張以潔　圖片提供｜Lucid Colour}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》

2025金馬奇幻影展將於4月11日登場，本屆主視覺由新生代插畫家徐世賢（Nic Hsu）操刀，他以塔羅牌神秘元素創造六種造型獨特的「奇幻馬」，繪出一趟「金馬的魔幻旅程」。

如童話富想像力，又不失生活感的手繪風格

畢業於英國皇家藝術學院的徐世賢，曾獲指標性的英國世界插畫獎（WIA）圖書類新銳首獎，其手繪風格富童話般的細膩與想像力、同時不失生活感，近年在國家兩廳院表演藝術圖書館、公視、嘉義市立美術館、南國生活節等國內藝文場館、平台的大小活動上，皆能看見他的作品，他也陸續參與多檔國際藝術展覽，在當代插畫領域嶄露頭角。

結合塔羅牌元素勾勒「奇幻馬」的探索旅程

首度操刀奇幻影展主視覺，徐世賢結合太陽、火焰、聖杯等塔羅牌的經典視覺元素，打造六種造型獨特的「奇幻馬」。畫面中，馬兒起初獨自負重前行，路上先後遇見了魔術師與戀人，旅途中難免被憤怒情緒左右，卻也成功在自我療癒後尋回方向，奔向藍天與太陽所在的嶄新世界。神祕基調中又充滿希望的細膩圖像，不僅帶領觀眾身歷其境，更為即將展開的奇幻影展，留下無限遐想。

透過這幅主視覺，徐世賢想對觀眾表達：「畫中姿態各異的馬，就像身處不同人生情境的人們，我們都是自己生命奇幻旅程的主角。變革不斷的新世界中，無論身在何處，只要向前，終能走向太陽高掛的藍天。」

2025年金馬奇幻影展將於4月11日至20日展開，選片指南將在3月28日舉辦，並於3月30日正式開賣，若有興趣不妨鎖定官方消息。