《關於我和鬼變成家人的那件事》集結許光漢、林柏宏、王淨等卡司，敘述一位恐同怕鬼的鋼鐵直男刑警，在路上意外撿到紅包，被迫冥婚把同志鬼娶進門。主創團隊中，最違和的就屬導演程偉豪，這位以恐怖類型著稱的導演，為什麼轉向了喜劇？

程偉豪的電影總在反套路，當你以為已看破劇情走向時，就是掉入他設下的預期陷阱。現實中的他似乎也走這個路線，2015年起以《紅衣小女孩》系列、《目擊者》、《緝魂》，在恐怖、驚悚類型占有地位後，他先跨足影集《池塘怪談》小試黑色幽默，2023年再帶來動作喜劇《關於我和鬼變成家人的那件事》（下簡稱《關於我和鬼》），荒謬情節搭上喜劇節奏，自己反轉「程偉豪電影」的既定印象。

要說這部片是「最不程偉豪」的電影，當然說得通；但要說這部片「其實是最程偉豪」的電影，也不是沒有道理，全看你對他的認識是從長片還是短片開始。他在研究所時期拍的短片《搞什麼鬼》、《狙擊手》，以及2015年拿下金馬獎最佳創作短片的《保全員之死》，3部皆是諷刺喜劇。他也沒想到接下來會收到執導《紅衣小女孩》的邀約，還一路往懸疑驚悚裡頭鑽。直到《緝魂》創作階段時父親罹癌過世，而故事主角亦是癌末檢察官，高度和生命重疊的拍片經驗真的太苦，「我開始回想以前在短片時期，都有諧仿（parody）、嘲諷、幽默的口吻，覺得另外一個面向的程偉豪，在長片階段可以開始出現了。也有點想回頭找初心，拍短片比較沒有包袱的時候，創作是有趣的，那些作法是不是可以找回來？」像是《搞什麼鬼》以拍鬼片嘲諷鬼片套路，其中他自己設計、最喜歡的「翻鏡子」梗，就出現在《關於我和鬼》。

想為台灣電影帶來新的觀影體驗

採訪時和程偉豪說起：「這是你最亮的電影。」過去總被反應畫面太黑的他也大笑，直說完全不否認。但在喜劇裡混合靈異、同志、犯罪、家庭、職場性別等題材，又加入武打、槍戰、飛車等，依舊是他標誌性的混合題材和特效場景。他笑說，「我每部電影都會有撞車，從《目擊者》的車禍戲開始，連《紅衣小女孩2》開場都有一場很小的撞車戲。美術團隊到後來都說：怎麼又要撞車！」每場車拍也都跟著程偉豪成長，他先於《緝魂》嘗試科技輔助拍攝，利用布幕投影道路，演員在攝影棚就可以完成車拍；接下來《池塘怪談》進一步自己製作道路投影素材，尋找台灣常見的地貌和街景做3D建模，拍攝需要哪些角度、日夜、晴雨都能配合。

「《關於我和鬼》的飛車對我來說是小升級。」他說，車拍除了在棚內處理對話、資訊類的「文戲」，這次加入動作戲，只要分鏡分得好，演員在車內做出反應，再結合純CG（Computer Graphics，電腦合成影像）的飛車、甩尾、碰撞，就能做出飛車動作場景。「我一直很希望讓台灣電影有不一樣的視覺，接下來車拍還會繼續優化，例如在車上打鬥的戲，或者進階到LED棚，甚至用做道路素材的軟體製作出車外觀的畫面，就不用搞封路。」他也於2022年初正式成立自己的特效團隊，《關於我和鬼》就以不超過8人的小規模，製作全片400多顆特效鏡頭。

其實不僅撞車，他的電影還有多階段反轉的標誌特色。他認為，反轉是觀影很基本的娛樂來源，現今每個人觀影量都非常大，一次性反轉對多數人已無法滿足，於是從《目擊者》開始嘗試多段反轉。「我一直覺得不管是哪種電影類型，都應該是一種心理懸疑戲，讓觀眾帶著某種鉤子想一探究竟。」因此即便《關於我和鬼》是喜劇，也在內鬼、人物情感等埋入反轉。

不過他說，「我也在反省自己，這是不是下意識的一種偏執？」加上近10年反轉手法越來越常見，一直在思考是要回歸簡樸，還是往更複雜裡鑽。和他聊到一樣操作反轉的朴贊郁《分手的決心》，「那部對我很有啟發，因為自己也操作犯罪懸疑，他的作品不管是劇情敘事或設定，都已經進化、推陳出新，形成很新的觀影體驗，以電影來說很不容易。每部電影我都想做這件事，從驚悚片、犯罪片到動作喜劇，但只是在產業上早一點點做，是不是真的做到那個新意，或是新的觀影體驗，是自己一直在追求的。」

從影以來最扎實的盲測

創作雖是從個人主觀出發，但程偉豪的眼裡一直都有觀眾。每部電影定剪前都一定會做盲測，《關於我和鬼》更是從影以來最扎實，針對定剪就有3場、100多人，行銷則是北中南各2場、600多人。「創作者很容易有盲點，等到上映後看到評論或心得，我覺得已經來不及。再加上去了解國外的電影作法，他們都已經在做盲測。商業市場不敢說全面性成功，但一定可以打到大致基數，我認為盲測是關鍵。」他說，盲測很重要的任務是debug（除錯），當有觀眾提問：「為什麼某個角色要做某件事？」他就知道這條線設定失敗，得釐清觀眾是從哪個環節開始迷失。他提到在《紅衣小女孩2》盲測，甚至發生電影播到中段時觀眾提問：「請問她是叫林美華嗎？」由高慧君飾演的林美華是電影要角，團隊卻沒發現角色名直到中段才第一次出現。

他說，前幾部片的盲測難免是同事帶親朋好友來看片、給意見，但這次受測者全由金盞花大影業陌生開發，用科學化方式進行。定剪盲測除了找來電影TA（Target Audience，目標受眾），還特意找「反TA」，確認他們是否真的不買單。因為《關於我和鬼》涉及到同志、性別等時下敏感議題，必須確認他們塑造的鋼鐵臭直男、蠢直男主角明翰，他的臭跟蠢是否造成反感？中間設計的橋段，讓明翰開始理解他人，觀眾有沒有接收到？甚至連明翰說話的方式，最終剪掉了一句半的「死gay」，就讓角色討喜度暴增。「不敢說百分之百讓所有人買單，但至少我們比較有底氣、自信知道，可以讓多數人用比較舒服的角度去看這部片。」

而行銷盲測就完全針對TA，團隊從6,000多個報名IG帳號，一一點進去看他們的生活樣態，篩選出600多位受測對象。除了透過問卷、訪問了解觀影想法，還安插工作人員進影廳聽笑點。這些都影響到最終行銷的策略和定調，例如預告剪入王淨嗆許光漢「跟你在一起3年從來沒到過」、特別演出的劉冠廷在街上唱〈舞孃〉等，都是問卷前幾名的笑點。

現階段要把面向觀眾做到位

「盲測對創作者的幫助很大，但有個比較大的前提，你真的是很商業向的導演。」程偉豪總開玩笑稱自己是過度面向觀眾的導演，但這對創作來說是好事嗎？「不知道欸，我應該也會慢慢轉型。」因為太喜歡電影，他在研究所真的跑去讀電影，求學期間一天至少看一部片，跑二輪戲院、葷素不拘，台灣新電影浪潮其實在身上留下很深的記憶。而當他要拍自己的電影時，很清楚現階段就是要和大眾溝通，「許多大師早期的作品都是面向觀眾，有很多敘事層面，我不知道未來能不能成為另外一塊的他們，但至少在前期，我先往面向觀眾的地方去。特立獨行背對觀眾也不是不行，但不是現階段。也許哪一天再訪問，你會發現這傢伙怎麼又換另一種面向？也是有可能。」

至今他最喜歡的個人創作仍是《保全員之死》，「完全丟掉戲劇邏輯應該有的框架和包袱，而且是再接近生活不過的題材，以創作來講非常過癮。」他說，這部短片定調要做「偽紀錄片」（mockumentary），而不是「紀錄片式劇情片」（documentary drama），為了騙到觀眾以為在看紀錄片，決定用「審醜觀」來做所有東西，瑕疵不僅可以被接受，還要特意剪進去，例如攝影光圈從室內到室外需要調整，那個過程都刻意保留，「我相信在商業市場不一定能獲得成績，可是我相信對很多人的共感，或趣味性是很足的。」這位總是面向觀眾的導演，或許到了現在，需要的是直面自己的那份無畏。

程偉豪

台灣藝術大學電影學系研究所畢業。2015年以短片《保全員之死》獲得金馬獎最佳創作短片，同年首部長片《紅衣小女孩》獲金馬獎4項提名、刷新恐怖電影10年來在台灣的票房紀錄。之後的電影作品《目擊者》、《紅衣小女孩2》、《緝魂》皆獲金馬獎多項入圍。2022年首次執導迷你影集《池塘怪談》，入圍金鐘獎6項獎項。也曾以蔡依林〈紅衣女孩〉入圍金曲獎最佳音樂錄影帶。

_{文｜張以潔
攝影｜蔡耀徵
圖片提供｜金盞花大影業}

更多精彩人物專訪請見La Vie 2023/2月號《世界起點的工藝》

由坂本龍一之子空音央執導的首部劇情長片《青春末世物語》於3月21日全台上映。本片從近未來觀照日本當代議題，兼具膽識與遠見，以地震創傷、移民隔閡、體制亂象等切面，刻畫青春成長的軌跡，被譽為既批判極權亦吟詠青春的話題之作。

空音央首部劇情長片

空音央（Neo Sora）1991年生於美國，自小穿梭紐約及東京兩地生活，大學時期主修哲學與電影，活躍於影像及藝術創作領域，作品橫跨劇情、紀錄、MV、廣告等。2020年首部劇情短片《The Chicken》入選盧卡諾及紐約影展；2023年執導紀錄片《坂本龍一：OPUS》，記錄父親坂本龍一臨終前的告別演奏而備受矚目；爾後於2024年交出自編自導的首部劇情長片《青春末世物語》，以一則魔幻寫實的末日寓言，獻給世上所有奮力反叛的靈魂。

在多元的成長環境下，空音央持續經歷東西方的思潮碰撞，《青春末世物語》設定於近未來的東京，描述的卻是極端民族主義抬頭、監控加劇、排外等當下社會急需正視的問題。以極具膽識的議題切入、當代簡潔的影像基調、細膩脫俗的編導功力等一鳴驚人，不僅一舉入選威尼斯影展地平線單元，更陸續榮獲國內外影展提名及獎項肯定，於金馬影展首映後口碑延燒。

以近未來的東京為背景

《青春末世物語》劇情闡述在近未來的東京，地震頻繁的壓抑日常裡，高中生摯友悠多和小幸盡情揮霍反叛的年少輕狂。從夜店臨檢中逃脫、潛入教室放送電音節奏，瞧不起體制歧視的勢利造作。一次惡作劇，使得校長執意在校園安裝電子監控系統，而掀起抗爭風波。悠多只想活在當下追逐音樂夢，小幸則因身分認同覺醒走上街頭，眼看青春就要分歧而告終，他們的友誼也在畢業前夕逐漸失控。

關於本片，空音央說明，《青春末世物語》以近未來的東京為背景，將現今日本已然存在的社會及政治氛圍加以放大。儘管右翼勢力和民族主義仇外情緒造成高壓，還是有越來越多的移民到日本定居，不同種族和背景的孩子們一起成長。《青春末世物語》的青少年主角們就在這樣的環境下，迎來了成長的洗禮。兩名主角各代表著面對政治壓迫時，兩種截然不同的態度︰一個為了徹底變革而抗爭，另一個則信仰活在當下。迥異的傾向讓好友之間產生分歧，因為他們不知道該如何表達。

「在我成長期間，其實也沒有認真關注社會和政治議題，我也想坦誠面對這一點，當時的我還是享受著和朋友玩樂、惡作劇、揮霍青春。從最直觀的層面來看，《青春末世物語》講述的是朋友之間自然而然地各奔東西，但電影也探討了整個大環境是如何默默塑造我們的生活和人際關係。《青春末世物語》裡的少年們在憂患中成長，都在各自尋求方法應付他們對未來的集體焦慮。我希望透過窺探這個想像中的未來，辨識它反映出的不安情緒，或許我們才能坦然面對現今的所有迷惘和恐懼。」

《青春末世物語》演員介紹

日高由起刀 Yukito Hidaka（飾 小幸）

生於2003年，拍攝《青春末世物語》時才剛高中畢業，曾是田徑運動員爾後轉職模特兒，隨即就被導演空音央相中而首次參與電影演出。在《青春末世物語》中飾演一名尚未歸化的在日韓裔高中生，雖然自幼即於日本生活，但在排外的社會風氣下仍然備受歧視。就在他面對日漸高漲的反政府思潮時，因而萌生參與社會運動的想法，也對好友的沉迷享樂和母親的百般忍讓感到不解。日高由起刀因拍攝《青春末世物語》的契機，除了體驗到高中生無拘無束的一面外，他也在成年後從父母口中得知祖母來自韓國，因而如同電影中的角色設定，戲裡戲外都有著切身的啟蒙與感受。

栗原颯人 Hayato Kurihara（飾 悠多）

生於1999年，受到導演空音央的挖掘，而從模特兒新秀跨足電影演出，外型與菅田將暉神似，卻多了幾分古靈精怪的氣質。在《青春末世物語》中飾演一名熱愛電子樂的高中生，更深信人生要把握當下、盡情狂歡，雖不受摯友認同，卻又何嘗不是以自己的方式對抗著這個世界？栗原颯人坦言，悠多這個角色和他自己有許多相似之處：都是來自單親家庭、熱愛音樂、任性不羈。或許是因為與角色背景和性格極為相似，看著悠多放肆玩樂時的歡笑下，總覺得深邃的雙眼背後藏著隱隱的憂愁，那難以言喻流淌而出的氣息尤其動人。

繼《寄生上流》奪下奧斯卡最佳影片等4大獎後，奉俊昊睽違6年以《米奇17號》回歸。羅伯派汀森飾演的米奇，被唆使做盡有害生命的苦差，死後身體卻會被重新「列印」，陷入無限重生的悲劇輪迴。這是奉俊昊的第3部英語長片，他獨特的導演風格如何為好萊塢帶來衝擊？總是能把類型片拍成作者電影的他，這回又是怎麼創作出這部「奉俊昊式」的科幻喜劇？

《米奇17號》的故事發生於近未來世界，羅伯派汀森飾演的米奇在地球遭逢絕境，前往外星球避難卻成為了「消耗工」，被指派做盡各種危害生命的工作，死後其身體會被重新「列印」出來且保有記憶。片名的「17號」即表示，觀眾看到的「這個米奇」已死過了16次。當人類列印的「高概念」故事，遇上「能把類型片拍成作者電影」的奉俊昊，交織出擁有人類意義、死亡本質、階級對立等深層議題的娛樂爽片，片中不說教但嘲笑著人類，又緊緊擁抱了人性的可貴與可悲。

這是繼《末日列車》、《玉子》後，奉俊昊的第3部英語長片，也是他第1部在英國拍攝的作品。全片於2022年8月開拍，歷時87天拍攝，共搭建超過40座布景，分布於4座攝影棚、1座大型戶外棚、1座飛機機庫，還有無數個風格迥異的外景地點。這部製作龐大的電影，在劇本、攝影、美術、剪接、特效等面向都是一門極其精緻的工藝。以下盤整《米奇17號》的幕後創作細節，走進奉俊昊獨特的電影世界觀與工作方法！

①改編幕後：不斷被列印的人是什麼感覺？

電影改編自小說《米奇7號》，奉俊昊表示，光是看到原著小說的簡介，就立刻被深深吸引。其中最吸引他的概念為「人類列印」，奉俊昊認為，人類列印不同於人類複製，更像是把人類當作紙張或是文件一樣不斷列印出來，光是「人類列印」的說法，就足以感受到這種生存狀態和職業本質的悲劇性。於是他開始思考，「如果真的有一個被不斷列印出來的人，他的感受會是什麼？這些想法一下子就浮現在我的腦海中，讓我馬上進入這個世界。」

除了人類列印，主角米奇巴恩斯也是奉俊昊著迷的點，「他並不是一個超級英雄，而是一個再普通不過的平凡人，經歷了這場瘋狂的冒險旅程。」原著裡的米奇是一個普通人，但奉俊昊讓電影裡的米奇「更普通」，設定成為來自社會底層階級、甚至「魯蛇」的人。此外，小說原名《米奇7號》，電影增加為《米奇17號》，看來電影版的米奇更為艱困，足足多死了10次。

②劇本創作：與世隔絕會寫出更好的故事

談到劇本創作過程，身為奧斯卡得主的奉俊昊也坦言，「真的非常孤獨和非常痛苦。」甚至會有完全不想寫的時候。一向都是身兼編劇和導演的他，將寫劇本看作自己的宿命，「不過我一直都知道這個過程大概在6～8個月之後就會結束，所以我就會抱著這種想法努力創作。我也會盡量讓自己變得愈孤立愈好，因為當我與世隔絕的時候，通常都能寫出更好的劇本。」

③分鏡的執著：現場99%按照分鏡拍攝

熟悉奉俊昊的影迷，必會知道「分鏡」在其電影扮演的重要角色。奉俊昊對親手繪製分鏡圖有一種執著，甚至到了「沒有分鏡圖，我就無法拍電影」、「對我個人來說，當我完成了分鏡圖的繪製之後，我就覺得電影已經完成了」的地步。他的分鏡圖非常精確，無論是鏡頭構圖或運鏡方式都會詳細標註，且會嚴格遵循這些設計，99%按照分鏡圖拍攝。

《米奇17號》特技動作指導保羅洛威也分享，他認為奉俊昊早在電影開拍前幾個月，就已經想好每一個鏡頭。他提到彼此第一次見面時，奉俊昊就直接說明「我希望這看起來會是這樣⋯⋯」等非常具體的要求。保羅洛威說，他為其他電影設計動作的時候，通常得設計出10種不同版本，但《米奇17號》並非如此，而是先按照奉俊昊的構想拍攝一次，再拍攝另一個不同的嘗試版本。「但是他（奉俊昊）總是會說：『這兩個版本都很棒，但是我們要保留我原本想要的那個版本。』這是因為他完全知道他要的是什麼。」

④演員表演：在精準要求的框架下給予發揮空間

不過在演員表演上，奉俊昊會保持開放態度，樂於接受演員的即興發揮。他自陳：「這其實是一種矛盾，我在攝影機的位置和整體構圖上，非常嚴格地按照我的分鏡圖拍攝，但是同時我也告訴演員要在這些框架之中感到自在，也能夠自由發揮。這真的很矛盾，但這就是我的工作方式。」

飾演米奇好友的史蒂芬元也提到了這點，奉俊昊對演員的精準要求，反而帶來了另一種自由。「他可能會說：『你要精準地走位，走到這個畫面中的這個位置。』但他並不會嚴格地指導：『我需要你做出這種特定的表演。』我認為他的執導風格更像是：『這是這場戲份的要求，這是你的表演空間，你可以在這個框架內自由發揮。』我覺得這種執導風格其實更自由，因為這樣一來，我身為演員就不需要去想一大堆其他的事情。」

⑤拍攝節奏：不做額外補拍

羅伯派汀森表示，奉俊昊在最一開始就警告他，他的拍攝方式對演員來說可能會是一種衝擊，因為他不會做任何額外的補拍，而且從第一天開始就會這麼做。他分享《米奇17號》的拍攝方式，通常會「拍完一句台詞的鏡頭就直接換到下一個鏡頭」，有時甚至會「從一場戲份的中間挑出一句台詞來拍」，所以演員得必須立刻進入狀態。雖然是非常緊張、緊湊的拍攝，但演員也得以更精確地調整自己的節奏，不會因為要不斷重複拍攝整場戲而感到精疲力盡。

⑥拍攝時同步剪接：電影製作就像反覆修剪的過程

奉俊昊在拍攝的同時也在同步進行剪接，並樂意讓演員看到剪接好的片段，確認自己的表演是否符合整場戲份的氛圍。羅伯派汀森認為，「這是一個大家都要同心協力一起合作的創作過程，你完全不會覺得自己和整個拍攝過程感到脫節。」

製片崔斗浩分享，剪接師楊勁莫不只每天都在拍片現場坐鎮，還全程負責後製作業期間的剪接工作。針對比較晚進組的演員，會直接提供已經剪接好的片段給演員看，讓演員快速掌握這部片的調性。在拍攝期間，奉俊昊會定期拿到剪接好的片段，通常會儲存在隨身碟裡，並在週末觀看。整個電影製就像是一個反覆修剪的過程，而這也是奉俊昊製作電影的一套方法，會不斷回頭檢視影片，一遍又一遍微調，所以到了正式的後製階段，主要進行的是視覺特效，以及確保一切都看起來準確無誤，但是整部電影基本上已經剪接得非常完整了。

⑦美術設計：未來世界必須建立在現實世界上

奉俊昊一開始就和創意團隊說明，他的創作理念是「未來世界必須建立在現實世界的基礎上」，希望觀眾能看到熟悉的視覺元素，而且不會有任何疏離感。當觀眾能在畫面中辨認某些地方時，故事才會有說服力。因此重點並非「一場前往外太空的探險任務」，而是「建構一個充滿人性的環境」，只是對於《米奇17號》來說，這個故事「剛好」發生在外太空而已。

美術指導費歐娜克倫比表示，電影裡的星艦內部空間，靈感來自早期的工業用設施和載具，像是鑽油平台、貨輪和潛艇。她觀察，這些地方的人類居住空間受到壓縮，放置引擎和幫浦等機械設備的機房占據了最大空間，而工作人員的居住空間則被壓縮到兩側（這代表這些空間總是以機械為優先）。這些空間呈現一種奇怪的不對稱感，牆面充滿意想不到的角度，而且地板上有坡道。她是這樣向奉俊昊闡述理念：「星艦上所有的空間都應該受到擠壓，人們活動的空間應該都是剩下來的空間。」

美術指導、攝影指導和服裝設計師在幕後的合作非常密切，甚至研發出一種色彩分層系統，所有的色調都經過精確校準，因此戲服的顏色和布景的色調通常都很類似，並且會透過打光來強調這種一致性。電影中的布景、陳設以及道具，則在「復古感和未來感」、「低科技和高科技」之間取得平衡。例如片中角色使用的每一台相機和錄音器材，都是由工作團隊打造或改裝而成；但星艦內部到處可見的指示類型標誌，則是採用復古的字體呈現。

團隊內部也曾爭論「是否需要更未來感或科技感？」但美術指導費歐娜克倫比認為，「如果既有的杯子可以使用，為什麼要重新發明另一種杯子？我們不需要重新發明一個杯子。就像是一支筆，只要可以用就夠了。」這也成為了他們的設計邏輯，讓原先就存在的功能性物品維持原樣，椅子就是椅子、垃圾桶就是垃圾桶，但像是「人體列印機」等原創設備，就會花心思打造，最後人類列印機被設計成了一個違反重力、只靠兩個支點支撐的機器。

⑧伏蟲設計：結合視覺特效與操偶技術

看過片的人絕對會對「伏蟲」印象深刻。奉俊昊過去在《玉子》時已有創造視覺特效生物的經驗，但這次《米奇17號》不只是異星生物，更是故事中的重要角色。奉俊昊在電影開拍前好幾個月，就和概念設計師張熙喆一起研發伏蟲的造型，牠沒有脊椎，所以有一部分算是昆蟲；但又是溫血動物，所以有一部分是哺乳動物。片中的伏蟲有3種主要的大小分類：伏蟲寶寶的大小大約跟一隻無尾熊差不多；伏蟲少年的大小接近一隻大型豬，牠們站立時高度和人類差不多；伏蟲媽媽平躺的高度超過270公分，站立的高度則超過600公分。

現場拍攝時，由3名操偶師操控伏蟲媽媽；伏蟲少年的戲偶是一個靜態比例的參考模型，不需要任何操偶師操作；伏蟲寶寶則是一個傳統的填充玩偶。所有伏蟲的戲偶都按照真實尺寸製作，確保能夠呈現電影中伏蟲準確的大小比例。此外，奉俊昊在前置作業期間和韓國的Live Tone音效公司合作，為伏蟲設計了一些音效，拍攝現場會直接使用這些音效，讓演員做出反應。值得注意的是，「音效」也是奉俊昊很重要的敘事工具，他對音效要求的精準度和他對拍攝風格的要求一樣嚴謹。

⑨演員眼中的奉俊昊是？

羅伯派汀森說奉俊昊非常體貼、風趣幽默、非常專注，而且很會自嘲，「跟我想像的完全不一樣。」不過他的氣場強大，會逐漸散布到整個電影製作過程的每個層面。飾演米奇女友的娜歐蜜艾基則說，他有超瘋狂的幽默感，而且完全不會把自己看得太嚴肅。史蒂芬元提及奉俊昊的領導方式，不是那種「跟隨著我，大家都要照我的話做」的風格，而是讓所有人都能夠參與拍片過程，並且理解他做的決定。

⑩創作信念：致力拍出娛樂性十足的電影

奉俊昊的電影經常會被評論為「混合了多種類型」，以《米奇17號》來說，可以在片中看到科幻、喜劇、諷刺、政治、社會、愛情等多種類型。對於這個經常被問及的問題，他表示在創作時並沒有這麼想，也不會刻意去做這些決定，「我在寫劇本的時候完全憑靠直覺，一旦寫完以後，就連我自己也會回過頭來思考，這個故事到底可以被拍成什麼樣的電影類型。」

《米奇17號》探討的議題非常多且龐大，人類的本質是什麼？如果死亡不存在，那什麼才是死亡？人類該如何面對與對待非人類的其他生命？但電影裡的角色並不知道自己正面對著這些哲學議題，造就了故事的喜劇感。奉俊昊表示，「我並不會只為了政治諷刺而拍電影。我從來都不希望電影淪為單純的宣傳工具，所以我總是很努力拍出風格優美和娛樂性十足的電影。」他認為，米奇遭遇的一切、他的處境，以及他在電影中被其他人對待的方式，本身就帶有政治性。這涉及人類如何對待和尊重一個人，但這並不代表電影中有某種刻意設計的宏大政治層面。

奉俊昊希望觀眾能夠單純地享受電影的樂趣，但他也希望觀眾可以在看完這部片後，「稍微」思考一下人之所以為人的原因，以及人類該如何保持自己的人性。不過他說，「只要稍微花一點時間思考就好，也許花個3分鐘就夠了（笑）。」

_{文、資料整理｜張以潔
圖、資料來源｜華納兄弟}